Martin (Hache)

Martín (Hache), 1997

Qué guion.

Martín (Hache) es de esas películas que te sobrepasa cuando la ves por primera vez y necesitas un obligado segundo visionado para que puedas reflexionar sobre lo narrado en este maravilloso filme.

Adolfo Aristarain, director de la obra, refleja con gran maestría el universo interno y atormentado de la gran mayoría de los seres humanos. No tendrá florituras o no realiza una dirección de cámara farragosa que enmaraña el potencial que de por sí tiene el guión. En este caso, Aristarain toma la decisión de restarle protagonismo a la cámara, dejándola como una simple espectadora más, atrapando las acciones de los actores, para así mostrar un relato de lo más puro.

Con esta decisión, es verdad que la película no destaca en su fotografía o en una realización sofisticada. Pero, no lo necesita, teniendo el guion que defiende.

Con esto se permite ser un director de actores increíble, permitiéndoles moverse a través del decorado a su antojo, es decir, dándoles libertad absoluta para que transmitan la verdad pura y dura que es el guion de la película. Colocando la cámara en posiciones no arriesgadas y con movimientos muy sutiles que permitan siempre el movimiento interno de escena.

El guion, firmado por el propio Aristarain y Kathy Saavedra, es el gran protagonista de todo esto, es maravilloso. Qué digo, puto maravilloso sería la mejor definición. Podría ser una verborrea incesante de frases petulantes o grandilocuentes que nunca llevan a nada o que incluso dejasen enseñanzas bagas y sin fundamento. Pues, queridos lectores, es todo lo contrario. Este guion, estas líneas, explotan de brillantez. No se puede quitar ni poner comas a esta historia. Es todo tierno y a la vez duro. Es un guion agridulce que te lleva a lugares que tienes escondidos en tu interior o que ni siquiera te has planteando y era necesario que alguien lo hiciese.

Por otro lado, tenemos un cuarteto actoral excesivamente potente, Federico Luppi, Juan Diego Botto, Eusebio Poncela y Cecilia Roth, generan un pequeña familia buenísima. Todo ellos están genial en la película y gracias a su querido director, esta película se convierte por momentos en una película coral, cuando el único protagonista es la propia vida. Las propias vivencias de los seres humanos que caminamos con o sin rumbo por este mundo, donde al final lo único importante es de quién consigues rodearte.

Sin más, os solicito fervientemente que veáis al filme que, aún con sus fallos técnicos, te da una bofetada de realidad y consigue que estés atento a todos sus frames.

Puntuación: 8/10

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The Good Place

The Good Place. Serie Completa

Una serie única.

Esta comedia fantástica (me refiero al género) nos cuenta que ocurre cuando morimos. Qué sucede en ese llamado más allá. A través de sus personajes más puros y sinceros, nos podemos ver todos reflejados en diferentes momentos de nuestra vida para tratar de aprender que es lo bueno y que es lo malo; tal y como tendrán que aprender nuestros héroes. 

Con esta "simple" premisa Michael Schur estructura una increíble, con un ácido humor, además de sarcástico que habla todo el rato de la humanidad. De lo maravilloso que es estar vivo y de lo poco que sabemos valorarlo. De lo genial que sería que mientras vives poder hacerlo todo bien e ir al cielo, pero lo difícil que se hace, ya que las cosas malas de la vida tientan mucho. 

Su discurso es ante todo ético y se fundamente en libros éticos reales con filósofos de renombre, es decir, no habla por hablar. No cuenta por contarnos esta fábula, que podría ser y en pasajes distintos te puede dar la sensación, aunque siempre hay propósito. Hay una finalidad la cuál es necesaria para toda existencia de vida. 

Además, la serie cuenta con un elenco de lujo, capitaneados por Kristen Bell y Ted Danson, los cuáles son fantásticos, tienen chispa, gracia juntos. Se compenetran fantásticamente y lo mejor es el ritmo que impregnan a la serie y a sus compañeros. Después tendríamos a sus fieles seguidores, William Jackson Harper, Jameela Jamil y Manny Jacinto, cada uno con su contrapunto distinto y su lineal argumental que generan situaciones presuntamente surrealistas, aunque muchas se pueden comparar con la vil realidad. Y, por último, nombrar a D'Arcy Carden, la cual tiene un personaje memorable y necesario, para terminar de aunar esfuerzos en que este universo de ética, de lo bueno y de lo malo, pueda existir sin fisuras. 

De verdad, son 4 temporadas, episodios muy condensados (no superan los 30 minutos), con un episodio final completísimo y todos rezuman humor y buenrollismo. He leído por ahí y lo subrayo, es de las comedias más infravaloradas de los últimos años y eso tiene que acabar. Ya que es de esas series que las ves y te sientes mejor viéndola. Te animan.

Puntuación: 8/10

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Eduardo Manostijeras

Eduardo Manostijeras, 1990 

La clásica película romántica de Hollywood.

Y es así, Eduardo Manostijeras, en su poso, en su idea más elemental, no deja de ser una película romántica del Hollywood de 1920.

Eso no quita que se pueda adecuar un poco a los tiempos y conseguir una historia de profunda tristeza y crítica feroz a esos Estados Unidos "clásicos" de los '80; dónde todo es aburrido y lo único divertido es hundir y ridiculizar al que no es como nosotros. 

Así al menos lo planteó Tim Burton, el cuál dirige con mucha cautela este romántico cuento de hadas. Cuenta con muchas metáforas, con mucho plano abigarrado, con mucha profundidad de campo (para mostrarnos el mundo de los personajes), cámaras lentas y, por supuesto, nos sigue mostrando ese mundo de atrezdo de lo más estrambótico y nada habitual que nos encanta de él.

Cuenta también con metáforas visuales y poema bellos en la composición junto a sus personajes y en su desarrollo. Destaco, por su toque humorístico y crítico, el momento en el que están las señoras chismorreando en la calle y cuando llegan los coches, en los que entendemos que van sus maridos (porque no los vemos) vuelven corriendo a casa. 

El guion, a manos de Caroline Thompson es básico. En el sentido que ya he comentado, es una película romántica, con un planteamiento romántico, con un desarrollo muy simple (utilizado mil veces en cine) y con unos personajes que son cliché de este género. La referencia básica del guion es Frankenstein y, desgraciadamente no se sale de ella. Todo en este guion ya se ha visto y se ha narrado de diferentes maneras. Crítica a la sociedad del momento, odio al extraño, atracción hacia él. Si no fuese, por la magnífica realización y el estilo visual de Burton, la película nunca hubiera tenido la relevancia que tiene a día de hoy. 

Del elenco yo destaco a Winona Ryder, que tiene un arco actoral muy trabajado y funciona muy bien en cámara. Johnny Depp, que me recuerda a Arnold Schwarzenegger en Terminator 1, en la forma de cómo conseguir enganchar al espectador y tener una presencia en pantalla fantástica, con tan pocas líneas de guion. 

Esto es en líneas generales lo que pienso de Eduardo Manostijeras, la considero una película con un estilo visual único, con una fotografía muy personal, lo cual funciona, aunque la historia sea prácticamente un remake de Frankenstein. 

Puntuación: 4/10

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Réquiem por un sueño

Réquiem por un sueño, 2000

Sonora y visualmente impactante.

Fíjense en el año de estreno. Exacto. Comenzamos la era del 2000 con un espectacular despliegue de narración visual como hacía tiempo que no se veía. 

Réquiem por un sueño, sigue siendo una película espectacular con todas sus letras, eso sí, lo es por lo tremenda que es al ojo humano. Dicho esto, el resumen (la sinopsis) de la historia es simple: <<Un grupo de personajes, tienen una adicción distinta, las cuales tienen el mismo final.>> 

Evidentemente, no voy hacer spoiler, en este blog no somos muy dados a ello. 

La clave es que la historia, adaptada de una novela por Hubert Selby Jr. y por el mismísimo director de la cinta, Darren Aronofsky, no construyen una trama muy elaborada, ni muy extraña. La primera referencia que te viene a la cabeza es Trainspotting y es innegable que gran parte del argumento puede estar basado en ella. Aunque, al hacer o al tener una historia (por decirlo así) tan simple, dio pie a un desarrollo visual totalmente efectivo y además revolucionario. En el sentido, de que intenta ir un paso más allá, intentan innovar y eso siempre se agradece.

Además, Aronofsky no espera ni 10 minutos para empezar a succionarte hacia su mundo. Desde la primera secuencia, con esa pantalla partida, dónde cada una tiene su propio montaje, lo que provoca, que cada mitad de pantalla tenga su propio ritmo. Las secuencias por las calles de Brooklyn te recuerdan de forma innegable a Spike Lee, con esa paleta de colores, con esos movimientos ya sean travellings o cámaras al hombro. Y, por supuesto, con esos primera planos que son marca de la casa de Aronofsky, usados para resaltar esa adicción que cada uno de los personajes tiene a su droga. 

Tiene metáforas visual muy bellas, algunas muy poéticas, más "invisibles", y otras más obvias, como la utilización de las tres épocas del año en la que se divide la película (Verano, Otoño e Invierno) indicando ese camino hacia ninguna parte. 

La dirección de fotografía de Matthew Libatique (hombre de confianza el director) es maravillosa. Como genera con la luz diferentes sentimientos, para que veamos o consigamos entender los estados psíquicos de los personajes solamente por el tipo de iluminación que hay en una habitación. 

Una de las claves también de la película, que luego será marca de la casa junto con los planos detalle, es el sonido. No hablo de la música (ahora iré con ese pilar), si no de cuando tenemos un plano detalle, ya sea un objeto, un personaje o una imagen generada por ordenador, el sonido "directo" que acompaña esa imagen es un recurso increíble. Sí, ya lo he comentado, es para enfatizar o para que sepas la importancia que tienen esas cosas para los personajes, pero si solo acompañase música no sería igual. La generación de esos sonidos, que casi siempre van acompañados sin ningún otro elemento sonoro (es decir, van sin música) es la guinda que tienen esos planos. 

El siguiente pilar que tenemos es la increíble banda sonora que acompaña a la película. Orquestada por Clint Mansell es lo que te termina de provoca una serie de emociones que te entran por los ojos y oídos y consiguen que no te distraigas por un momento. Es verdad que a día de hoy (2020) esta música y más la famosa sinfonía de los violines in crescendo ha sido utilizada y remezclada hasta el infinito y más allá y, aun así, sigue funcionando dentro de la película. 

Por último, y no por ello lo peor, las actuaciones de los cuatro personajes principales son merecedoras
de todos los premios y elogios posibles. Desde la fiel madre interpretada por Ellen Burstyn, que está maravillosa. La novia, Jennifer Connelly, una adicta que crea una subtrama perfecta de como las drogas te generan una decadencia inimaginable. Marlon Wayans, el escudero y fiel amigo de nuestro personaje principal que parece que controla y no es un drogata, y luego nos da un abanico de emociones increíbles. Culminado con Jared Leto, que se come la pantalla una y otra vez.

Con todo esto, quiero terminar diciendo que no ha envejecido nada mal. Muchos recursos de la película es verdad, han sido explotados por otras producciones (como los primeros planos de la cara de los personajes utilizados en Resacón en las Vegas) y lo único por lo que me parece que está un pelín sobre valorada es por su historia, por la trama. La película visualmente es perfecta por todo lo que hemos dicho, pero la trama hace que decaiga un poco la película y no termine de ser perfecta. 

Puntuación: 7/10

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L.A. Confidential

L.A. Confidential, 1997

Moderna aunque sin gracia.

Lo que nos trae este filme es una regresión a un género muy clásico de Hollywood, muy “trillado” (por decirlo así), aunque nunca está de más volver a él.

La trama narra las aventuras de unos policías que se ven inmersos en una trama de corrupción de Los Ángeles, de la cuál solamente podrán (sabrán) salir a base de tiros.

Curtis Hanson es verdad que intenta narrarnos este filme con un sabor modernista, pero se queda en el camino. La historia,

que cuenta con todo los personajes clásicos del cine negro, además de ese estilo neo-noir que tantas producciones inspiró en los ‘90 y a principios de los 2000, no termina de hilar. Para mí y es mi impresión del filme, no conecto con los mecanismos que hacen funcionar el filme. No me cuenta nada nuevo, es más, considero que la narrativa es bastante espesa y confusa. La narración de Hanson no está a la altura, no dirige al público, no dirige la narración; al final da la sensación de que simplemente nos muestra muestra las escenas, una detrás de otra, sin ninguna intencionalidad.

No es que odie los films noir, pero éste en especial me ha dejado bastante frío y no veo que aporte nada al género, solamente reutiliza una y otra vez las mismas fórmulas que se usaban en los ‘50-‘60, pero con el ritmo del montaje de los sagrados ‘90. 

El guión, como ya he mencionado, se queda muy fangoso. Los giros de guión no están bien planeados. No es que sean predecibles ni nada por el estilo, son lo que son, giros que llevan hacia donde tienen que ir y con unos mecanismos narrativos esperpénticos y sin gracia.

Las actuaciones, están en la línea de ser planas (ojalá consiga explicarme). Quiero decir que los actores no deben mostrar emociones y eso es algo básico en el cie negro. Los personajes son fríos, pocos habladores y solamente funcionan por la acción-reacción. Bien, en este filme, siguen esa regla, aunque con la osadía de intentar darles un carácter, un sentido, a esos personajes y no funciona. Russel Crowe parece estar haciendo teatro en gran parte de sus escenas, Kim Basinger está sin gracias y Guy Pearce, no sabe como funciona la película. El único que se salva, y por graciosa, es Danny DeVito y Kevin Spacey por tener LA escena.

En general, se queda una película meramente entretenida, que no ha envejecido bien y que bebe de la fama que obtuvo en su año de lanzamiento.

Puntuación: 6/10

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