Por un puñado de dólares

Por un puñado de dólares, 1964

La llamada, no sé si para bien o para mal, Trilogía del Dólar es una auténtica maravilla.

Aunque su mayor tesoro es su primera parte, <<Por un puñado de Dólares>>. Es la más atrevida, la más rompedora, la..., para mí, la mejor de las tres películas.

Sobretodo a la hora de narrar con la cámara. No sé si es porque tenía menos dinero o porque no tenía nada que perder, pero Leone está tremendo.

Coge la cámara, la mueve como quiere. La selección de los planos, del tiro de la cámara, de las maravillosas angulaciones, todo eso refuerza el poder de contar con la cámara que tiene el director, ya que no es solo elegir esa angulación, ese plano, ese tiro de cámara y ya está, es elegir ese elemento cinematográfico para contar los diferentes sucesos de una forma determinada. Podrás conectar más o menos con el filme o con lo que se está narrando, pero vista de manera formal, viendo la película plano a plano, se puede apreciar arte en cada escena. En cómo está pensada la escena, en como posicionó a los actores en el espacio, ya que voy a tener la cámara en equis posición y quiero dramatizar o enfatizar otros elementos que, por algún motivo, conviene que no estén en primer término, pero sí en un segundo término.

Luego puedes investigar e informarte que fue la primera película que hizo diferentes cositas y que revolucionó la forma en hacer ese tipo de cine. Yo iría más lejos y afirmaría que no solo los westerns, si no el cine de forma genérica. Además de influir en decenas de artistas (de forma general) en las décadas posteriores. Un hito.

La historia, el argumento, la idea; es cierto que está basada en el <<Yojimbo>> de Kurosawa; aunque aquí tenemos un caso de película en la que una idea base, una idea genial, se recoge y se consigue hacer un filme muy diferente y narrado de otra manera. Aunque haya secuencias semejantes, no están narradas ni enfatizadas de la misma manera.

Igualmente, en el filme de Leone se asentó el personaje, que se podría denominar como el clásico de un spaguetti-western. Un antihéroe que quiere hacer dinero y solamente sabe disparar su revolver. Podría ser el argumento de cientos de películas de los '70-'80, pero no, aquí tenemos la historia primigenia (por decirlo así) en el año '64. 

No hace excesivas aguas el guion, ya que lo rellenamos con disparos, primeros planos inquietantes, movimientos de zoom atrayentes y se salva bastante, pero sí la historia es básica.

Además, como olvidar esa banda sonora del genio Morricone que es el toque final, para cada una de las secuencias. Generando latemotiv e incluso que cada personaje tenga su sonido. Impagable.

Y esto es en esencia Sergio Leone. Un genio, con su estilo totalmente personal.

Puntuación: 9/10

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Moon

Moon, 2009

Totalmente inquietante.

Nos encontramos ante un filme que narra hasta dónde puede llegar un ser humano por sobrevivir. Podríamos sentarnos a disfrutar de una aventura espacial, donde los buenos son los buenos y los malos son los malos. Pero Moon no trata nada de eso.

Duncan Jones nos sumerge en un mundo que se concentra en una estación espacial Lunar, no muy grande y, gracias al uso de lentes y muy poca profundidad de campo, consigue incluso reducirlo aún más generando sensación de claustrofobia, de forma que podemos llegar a entender lo que siente nuestro protagonista.

La forma de presentarnos cada escena y de sumergirnos en ella es esencial para la comprensión del filme. Siempre se empieza con algo banal, algo superficial, algo sin importancia y, según se avanza en la secuencia, vamos viendo que se nos está llevando hacia otro lado. Siempre hay un intento de ir un paso hacía más allá, hacia un lugar concreto que todos saben cuál es menos el espectador, que no tiene ni idea.

Es por ello que el tempo del filme y la manera de mostrar los sucesos, son la clave para que la película nos deje locos y sin respiración. Con el primer giró de guion, del cual ni nos damos cuenta, hace que cuando llegues al segundo giro te quedes obnubilado con la película.

No quiero desvelar ninguna sorpresa, creo que con lo que ya he mencionado podemos entender que no estamos ante una película clásica espacial, ni una película de ciencia ficción al uso. El filme tiene un debate ético e incluso moral, totalmente extrapolable al mundo actual: "¿Es posible conseguir energía limpia y segura sin ningún coste?" 

Puntuación: 8/10

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¡Olvídate de mí!

¡Olvídate de mí!, 2004

Una película preciosa.

Michael Gondry narra con una fuerza visual virtuosa este drama romántico, protagonizado por un inolvidable Jim Carrey. A su lado está Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson... Es decir, un reparto brutal. Pero esto no tiene nada que ver. Está muy bien tener a actorazos que respalden tu trabajo delante de la cámara y que entiendan tan bien lo que quieres transmitir... Espera, a lo mejor sí que tiene más importancia de lo que creemos.

Gondry, además de narrarnos con delicadeza y precisión la historia, consiguió algo muy difícil, o al menos eso se siente al ver la película. Consiguió una unión sin igual, en la que todo el equipo, técnico y artístico, entendió lo que Gondry y sus coguionistas querían decir. 

La historia que se nos narra es tan humana como necesaria. Trata un tema muy interesante y del que todos somos dependientes e incluso hemos imaginado conseguirlo. 

Tengo que decirlo o reventaré, la película tiene una puesta de escena  milimétrica y una fotografía alucinante. Es decir, los movimientos de cámara, las posiciones de los actores, el decorado, la posición de las luces... Todo funciona como maquinaría de relojería para conseguir unas elaboradas transiciones entre escenas que te llevan a ese espacio onírico y necesario de la historia. En serio, perdón que me repita, pero son al corte. Son perfectas. No te sacan en ningún momento de la película.

Ya está. No quiero escribir más. No quiero hacer ningún spoiler. No quiero contar nada de lo que trata esta película. Solamente quiero animaros a que la veáis con todas las ganas posibles. A que la descubráis, ya que en su momento la gente salió muy disgustada porque esperaba otro tipo de película teniendo al bueno de Jim Carrey al frente.

Os tengo que pedir esto, por favor: "Abrid la mente. Estáis a punto de descubrir una maravilla. No es una simple peli de amor".

Puntuación: 9/10

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La cinta blanca

La cinta blanca, 2009

La Alemania de principios del siglo XX.

En esta película Haneke suelta todas sus pasiones y “locuras”, en blanco y negro. Transmite una dureza real que hace que en ocasiones veas los colores de la imagen.

El uso del fuera de campo es muy bueno, pero excesivo. La inclusión de subtramas, dentro de tramas y de nuevo subtramas, debería no hacerte perder la tensión y mantener el interés, pero... Las tramas son sórdidas, te llevan a lo más oscuro del ser humano. Aunque hay que decir que las historias están en un segundo plano intencionadamente, es decir, a Haneke no le interesa contar ficciones, quiere que veamos cómo eran las primeras generaciones de Alemania y cómo les educaban.

Esto te puede interesar más o menos, pero en mi opinión, no funciona. Es decir, para mi no funciona en el sentido de que no necesito unas historias dentro de una ficción costumbrista (cómo por ejemplo, “La Dolce Vita”) para que me narren cómo era la vida a principios del siglo XX, y menos aún cuando esas historias no tienen ninguna finalidad. 

Sin embargo, la puesta en escena es increíble, la fotografía es magnífica. Tiene planos muy bien hechos, prácticamente son cuadros. 

He podido investigar que el filme tiene la premisa, de mostrarnos a la generación que decidió abrazar al nazismo. Además de explicarnos de una forma excesivamente simplista (al menos para mi entendimiento) que la culpa fue de la educación que recibieron (de los padres), en el sentido de que su destino, al haber sido educados con violencia, era la de engendrar más violencia. Así llegó el nazismo. 

Dicho esto, merece la pena su visionario para disfrutar de la fuerza visual que tiene Haneke.
Consejo: Poned máxima atención para poder disfrutar del filme.

Puntuación: 6/10

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Corazonada

Corazonada, 1981

Fotografía y puesta en escena.

Francis Ford Coppola, nos trae una historieta de amor romántico, edulcorado con una banda sonora fantástica (aunque en algún punto se puede hacer repetitiva) 

Es una película que trata de dar una vuelta de tuerca al género musical. Tenemos baile sincronizado, música extradiegética, aunque nuestros personajes interactúan con ella. 
Tenemos un romance fatal, de los que vienen y van. Incorpora también algún gag que fuerza una sonrisa e incluso alguna carcajada. 

Es decir, tenemos un montón de elementos que no son fáciles de alinear para que funcionen y, en gran parte de la película, desgraciadamente, no funcionan. Bajo mi punto de vista es bueno intentar hacer una película diferente, y aquí se nota que se ha intentando no dar al público una película más. Se agradece, aunque sería mejor que hubiese quedado bien.

Ritmo es verdad que no le falta, gracias a la puesta en escena. Pero como va moviéndose entre los diferentes géneros y no consigue aunarlos todos o darles coherencia dentro del género musical, pues alguna escena queda rara. 

Lo más apabullante que tiene el filme es la puesta en escena. Realmente está pensada para un gran musical, con la cámara libre para que se mueva allá donde se la necesite y con una sincronización de iluminación milimétrica, es precioso. Se podría decir (y lo voy a decir) que la fotografía es un personaje más de la película. Se te queda ese regusto amargo, ya que tiene este elemento tan maravilloso, pero falla en todo lo demás. 

El cuarteto actoral también deja mucho que desear. No parece que haya química entre ellos, ni siquiera entre los personajes "enamorados". Parece que siempre van por detrás de los demás elementos, supeditados a ellos. La actuación no termina de arrancar nunca. El único que está gracioso o puede ser el único que entiende a su personaje y su motivación (o incluso al único que le han explicado de qué va la peli) es Raul Julia (La familia Addams, 1991); al menos está gracioso.  

Lo dicho. Para mí, viniendo de Coppola, se me queda corta o no consigo conectar con todos los elementos que me oferta la película. Lo dicho, lo que me enamora del filme es su apabullante puesta en escena y su fotografía, es hipnótica.

Puntuación: 6/10

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Fleabag

Fleabag. 1ª y 2ª Temporadas

Maravillosamente sublime.

Hoy os traigo una serie original que podéis encontrar en Amazon Primer Video. Realizada en colaboración con la BBC Británica.

La serie está ambiente en el Londres actual, con personajes del día a día, con problemas, situaciones, complejos, risas, miedos, logros, destrozos... Y que todos hemos sentido en nuestras propias carnes en cualquier momento de nuestra vida. Estos son los elementos que la hacen especial. Los plantea y los pone sobre la palestra (exagerados humorísticamente) para que podamos disfrutarlos y ver desde otro punto de vista las posibles soluciones que no se nos habían ocurrido.

La creadora y personaje principal, Phoebe Waller-Bridge, es divertidísima. Consigue con sus gestos, muy sutiles, transmitir un abanico de emociones de forma espectacular.

Uno de los elementos más peculiares de esta serie es su ruptura continua de la cuarta pared. Muy del estilo de Woody Allen (evidentemente) aunque llevado a otro nivel y con una soltura especial. ¿Soy pretencioso al decir que incluso cómo es orquestada cada una de las rupturas de la cuarta pared, es mejor que cualquiera que haya hecho Allen? Es evidente que sí y es inequívoco que Phoebe Waller-Bridge mama del estilo Allen, aunque consigue otras reacciones que su predecesor no consiguió.

Podréis pensar que "romper la cuarta pared" supone un ritmo lento de la serie. Pues os equivocáis. Son capítulos de 20 minutos, muchos de ellos autoconclusivos  (aunque consigue que todos tengan relación entre ellos). Son rápidos. Son dinámicos.  El montaje es trepidante. Comentar también que los gags de romper la pared tienen dos funciones: La primera sería darle coherencia a los "soliloquios". La segunda función es primordial. Es darnos a nosotros, al público, la entrada a la escena. Para mí, es como si fuéramos un personaje más. El personaje omnipresente que seguimos a nuestro personaje principal en su vida (o sus aventuras, más bien). Esto queda evidenciado en el perfecto último plano de la serie. Cómo con dos gestos deja claro lo que han significado los 12 episodios anteriores. Es maravilloso.

No os quiero aburrir mucho más, ni quiero que penséis que soy excesivamente pretencioso. Espero que disfrutéis muchísimo y que conectéis con la serie.

Puntuación: 9/10

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El crack

El crack, 1981

Nace una manera de narrar.

Garci se inspira en el cine negro y en el policíaco clásico estadounidense, para darle cuerpo y carácter patrio a este sublime filme.

No es ser presuntuoso, es ser realista. Esta película puede llegar a marcar un antes y un después en la cinematografía española, al menos en el género "thriller".

Si bien es cierto, he dicho que tiene esa inspiración del cine negro, dado a sus personajes tan arque-típicos y que tienen siempre una función, un destino, una finalidad ineludible, por mucho que intenten evitarlo.

Aún así, aún siendo una película que se acerca mucho a un género específico, marca una nueva corriente, generando tramas y situaciones que no son las clásicas en este tipo de filme.

Además, al abordar los temas de actualidad del año '81, que nadie antes había tratado en otras producciones, Garci convierte a esta película en rompedora marcando una tendencia y una nueva era en el thriller español.

Lo importante es la forma de narrar y la forma en que el señor Garci planta la cámara y distribuye a los personajes en el set. Son secuencias fluidas y no por ello excesivamente fragmentadas o con muchísimos planos. Usa los planos según su necesidad específica narrativa, sin un sobre uso de elementos o recursos que funcionen. Esto hace que, finalmente, la narración siempre fluya hacia adelante y, lo que es mejor, la trama sobre el papel podría parecer difusa o algo complicada de entender, pero gracias a los elementos citados se consigue que visualmente sea potente y, con los recursos necesarios, nunca pierdes información que debe ser útil en siguientes escenas.

Todo esto además, está capitaneado por Alfredo Landa, un magnífico genio de la actuación que con su apariencia ataráxica, inexpresiva; genera una tensión sin igual. Por otro lado, cumple la tradición de los grandes actores "buenos". La teoría (casi es una regla) marca que si estás encasillado en ser el "bueno", el "héroe", cuando te den un papel para hacer de "malo", lo harás maravillosamente y te terminarás de consagrar. Es cierto, que aquí Alfredo no hace de un personaje malo clásico, pero sí que es cierto que no es el arque-típico de buenísimo que venía haciendo en su trayectoria. Lo que denominaríamos hoy día como el antihéroe.

Ahora, por favor, disfrutad muchísimo de la fotografía de esta película. Está tremendamente bien fotografíada. La imagen de Madrid, transciende la pantalla y consigues situarte a principios de los ´80. El Madrid del principio de la movida. Increíble.

Puntuación: 8/10

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La trinchera infinita

La trinchera infinita, 2019

Un buen recuerdo de una mala época.

Parece que no nos vamos a librar de películas sobre el siglo XX español. Sobre todo, del período que abarca desde el 1936 hasta el 1975. El problema viene con que hay una obligación moral de recordarlo. 

Digo esto, porque hoy día una película que trate sobre estos asuntos siempre viene catalogada, por un ala bastante gritona de la sociedad (y del Congreso), con sobrenombres de: <<Otra película de rojos>>, <<No dejarán descansar a los muertos>>, <<No hay que remover el pasado>> y un tedioso y cansado etc. 

Todo esto podría ser razonable. Podría ser válido el dejar de hablar de una época horrible y que solamente trajo dolor y sufrimiento al pueblo español. Aunque, me temo que me tengo que repetir, moralmente no se puede. No se puede por ese ala que grita y chilla para acallar voces y relatos sobre un período de tiempo importantísimo y que aún hoy día no se ha superado, porque sigue siendo tabú en muchas cenas, porque sigue habiendo muertos en cunetas y porque sigue habiendo gente que niega la existencia de todo esto. Es por ello que se deben seguir haciendo estas películas y se deben mostrar con toda la dureza y realidad que haya en ellas.

Es por esto, que esta película es necesaria en los tiempos que corren. 

De todos es sabido que hubo personas topo. Personas que estuvieron enclaustradas en sus casas esperando a que la tormenta pasase. Esa tormenta pasó y muchos de ellos salieron a la luz y simplemente quedaron en el recuerdo como: <<Esas personas que estuvieran ocultas en sus casas>>. 

Bien, pues esta película les da, e incluso les devuelve, un poco de esa dignidad pérdida. Habla de todos los temas. De todos los asuntos que se debe abordar en un asunto como este y lo hace sin tapujos. Yendo directos al grano. Crudo.

El guión, está bien armado. Trata los diferentes temas, cada uno desde un ángulo distinto y en sus momentos justos. Con las palabras medidas y los movimientos precisos.

Aunque, dónde cobra todo más sentido es con la dirección. Esta película es un caso rarísimo dentro de la historia del cine, ya que la dirigen y la firman tres directores distintos Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga. Hay películas que por problemas en la producción la han dirigido en diferentes momentos distintos directos (como es el caso de El mago de oz); pero este caso la han dirigido y firmado los tres. Los cuáles hacen un trabajo muy bueno, sobre todo para dar esa sensación de agobio y claustrofobia dentro del doble fondo de la pared. Utilizan ópticas y movimientos precisos que no amplían el espacio, ni generan la sensación de decorado forzada. Parece que estás realmente ahí metido. Que notas la respiración de nuestro personaje en la nuca.

La fotografía está bien conseguida. Con las luces de las velas, las antorchas, los fuegos de cocina... Se consiguen bastante efectos interesantes y una iluminación muy realista. Más allá de que estemos en un estudio. Corre a cargado por cierto de Javier Agirre Erauso, que ya hizo Handia, El cazador de dragones o Skizo (película que recomiendo), entre otras.

Por último mencionar a Antonio de la Torre y Belén Cuesta. Resplandecen ambos. Ambos son el toque final a este melodrama. No se puede hablar mal de ellos. Simplemente son geniales.

No os ocupo más espacio. Simplemente comprended que la historia que se cuenta es para entender una época.

Puntuación: 8/10

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