T2: Trainspotting

T2: Trainspotting, 2017

Volvemos a la eterna juventud.

Trainspotting 2 es una continuación digna y sana de su original.

Un breve resumen de la película sería: Renton vuelve de su exilio, para reencontrarse con sus colegas de toda la vida y volver a salir de fiesta. Todo ello plagado de drogas, peleas, carreas y sexo.

Danny Boyle se atreve a continuar su película de culto de los ’90. Nos devuelve a un universo ya de capa caída y nos muestra, como continúan en vida los drogatas de 20 años con 40. 

Sinceramente, la realización es la mítica y típica de Boyle. Una buena elección de planos contraplanos para correr por las calles de Edimburgo, los planos aberrados para mostrarnos un cuadro perfecto. Es siempre maravilloso disfrutar de las imágenes de Boyle, que nos muestra con una buena música. Destacar la batalla final, es decir, cuando la veáis disfrutarla y después la revéis, la planificación es perfecta y muestra todo y no te das ni cuenta, increíble.

El guión de John Hodge, mismo guionista que de la primera Trainspotting, realiza una continuación minuciosa del filme. Bien es cierto que ésta película tiene puntos muchos más bajos y con menos sorna que la anterior. Es algo más madura y tiene momentos más densos y largos de contar, aún con la dirección rápida del director, se queda tosco. 

Los giros de guión básicos, están bien formados y bien introducidos, por lo que el guión es correcto, pero siempre se puede limar más. Aunque de nuevo, atentos al giro final, un homenaje a sí mismo y que es demasiado bueno.

Aunque, lo mejor de lo mejor de lo mejor es, tener a los personajes originales de vuelta en sus roles. A ver, si les ve más cascados y jodidos, pero es el paso del tiempo y de la vida. Capitaneados por Ewan McGregor, que sigue manejando el cotarro, la película ya no se centra tanto en él, se desvirtúa un más y podemos tener más detalles sobre el resto de personajes. Robert Carlyle, está desatado en la película. Vuelve a ser ese loco maníaco, pasado de coca, pero más divertido incluso. Jonny Lee Miller, sigue siendo el pasota y el más chungo de la banda, siempre intentando tener sexo, chicas y dinero, mucho dinero.  Ewen Bremner, el bueno de Spud, está más entrañable que nunca y es, el fiel reflejo de como una persona se puede degradar por la droga hasta límites insospechados. Hay muchos más cameos, así que, estad atentos.

La banda sonora vuelve a ser uno de esos puntos que hay que destacar de la película. Es tremenda y eleva el filme en los momentos más importantes e interesantes.

La fotografía de Anthony Dod Mantle es bastante potente. Para mí, mejor que la anterior, no solo porque tiene más calidad técnica la película, si no, que tiene elementos generados por la luz que la primera no tenía; en concreto hay una escena en la que Renton y padre están en la mesa de la cocina que es brutal.

En general, no es que sea mejor que la primera o tan buena como la primera, pero es una buena continuación de una legendaria película. Sinceramente para mí, muestra a esa generación de cuarentones rozando los cincuenta, que en su vida no ha ido tan bien como esperaban y que solamente desean volver a los 20, para drogarse y estar de tranquis con los colegas.

Puntuación: 7/10

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The OA

The OA, 2016

Después de verla es: <<Me pichan y no me sacan sangre>>

De verdad, que una sinopsis de la serie es destripar cualquier trama de la serie. Tiene tantos estratos, tantas capas, tantas interpretaciones que prefiero explicar la serie con lo que yo he visto y sentido que, intentar deciros de que va la temporada.

Zal Batmanglij (The East, 2013) comienza fuerte. La serie comienza con una realización extraña, por decirlo así. Muy moderna, muy contemporánea, al final todos estamos acostumbrados a los teledirarios y que nos ponga imágenes en vertical, en vez de lo más normal que es en horizontal. 

Al margen de esto, tampoco nos desarrolla una serie confusa en su realización, ni intenta volvernos locos con secuencias extrañas o movimientos de cámara extraños/raros (todo eso está reservado al guión). Es más, los saltos temporales que se suceden a lo largo de toda la historia son asumibles y bien introducidos por unas magníficas transiciones y un buen pulso narrativo. 

Lo que más me gustó, de imagen, son los recursos oníricos usados para explicar sueños, alucinaciones, experiencias cercanas a la muerte… Es maravilloso como nos presentan esas secuencias, con una narración pausada o rápida, según el momento, con una recreación cromática correcta e incluso una iluminación inteligente. Esa forma de dirigir las secuencias de elegir qué imágenes y cómo mostrarlas es la guinda del pastel.

Uno de los pilares fundamentales de la serie es su guión, firmado por el propio Zal Batmanglij y por Brit Marling (Otra Tierra, 2011). El primer adjetivo que se me acerca a la cabeza es el de raro, aunque sea el más acertado hay muchos más. Es un guión nada lineal, con los giros de guión bien cuadrados y enmarcados, donde todos los sucesos son consecuentes y tienen una repercusión real y significativa en la historia. Los saltos temporales, como ya hemos comentado, además de asumibles no son susceptibles a engaño, es un guión limpio, no es traicionero, lo que es traicionero o confuso es lo que cuenta en sí, no como lo cuenta. Y, eso es lo más interesante.  Lo narrado, para mí está claro que es completamente fantasioso, pero narra algo que a todos nos preocupa, que hay detrás de la muerte. A través de sujetos que han vivido esas experiencias cercanas a la muerte nos conducen por una historia fantástica y muy tierna, la cual está llena de elementos y de frases lapidarias, llenas de vida y de esperanza, para que vivamos nuestras vidas sin miedo y con decisión.

El otro pilar es, sin duda, los actores elegidos. Es decir, son los que definitivamente te introducen en esta historia, en esta locura de serie que lleva por un lugar excesivamente sobrenatural. La protagonista, Brit Marling, como Prairie (Sound os My Voice, 2011), hace un trabajo fabuloso, por la forma de moverse, expresarse, la forma de introducirnos, los gestos, como sabe estar tranquila y transmitirlo. A mí me llama la atención mucho como transmite calma y paz con una simple mirada y/o gesto. Su compañero de andanzas, Emory Cohen (Brooklyn, 2015), que la equilibra actuando de manera más directa. Y la némesis de todos, Jason Isaacs (Harry Potter, cómo Lucius Malfoy), que realiza un papel maligno, pero a la vez necesario, ya que sin él no se consigue dar forma a las experiencias cercanas a la muerte.

También, el quinteto de personas que forma, quiénes dan forma a la historia y nos introducen de manera secundaria sus vidas, con las que vemos el proceso de cambio más elaborado son, Patrick Gibson, Brandon Perea, Brendan Meyer, Phyllis Smith e Ian Alexander; son estupedos. Además de formar un grupo muy variopinto, realizan una inclusión social de todos los posibles grupos que puede haber en un instituto de hoy día, explicando cómo personas tan diferentes tienen que unirse para dar lugar (forma) a algo increíble y que juntos, siempre seremos más fuertes.

Definitivamente, si ves esta serie buscando un final definitivo, no empieces. No es una serie con un inicio y final o una conclusión densa y fuerte, es una serie que empieza, que nos narran unos sucesos fríos y crudos, los cuales desencadenan algo hermoso.

Vedla con la mente abierta.

Puntuación: 7/10

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Fe de Etarras

Fe de Etarras, 2017

Seguramente una de las películas más necesarias del momento.

La sinopsis es fácil y concisa, en el año 2010, cuando la selección Española está designada a ganar el Mundial, un comando de ETA se resiste a rendirse, y espera, atrincherado, una llamada para resurgir de sus cenizas.

Borja Cobeaga (Pagafantas 2009) nos traslada a una historia muy rocambolesca, muy negra, pero que narra una historia viva de la España moderna. Con una realización y unos medios técnicos increíblemente básicos y simples, nos sumerge en un momento trascendental de la historia, cuando la banda terrorista ETA decide arrepentirse y dejar las armas. 

El señor Cobeaga, realiza una película bastante bien equilibrada, donde siempre se nos están contando datos o elementos necesarios o siempre suceden hechos interesantes.

Bien es cierto, que ésta es una película más de guión y de interpretación. 

El guión del mismo Cobeaga y de Diego San José (El pregón, 2016) es asombroso. Saben jugar con el humor más negro, para crear unas tramas y unos giros de guión que son simples, pero eficaces. El humor que gasta el filme es a veces duro, se ponen a etiquetar el ranking de las mejores bandas armas de la historia. Al igual que hizo “Ocho apellidos vascos”, “Fe de Etarras” abre puertas para conseguir hacer reír, hacer humor, de uno de los episodios más cruentos de la historia. Todos sabemos de qué no debemos reírnos, aunque debemos aprender que el humor es el mejor arma para acabar de limpiar heridas y de poder seguir hacia delante.

Insisto, el guión no es nada sutil, es directo, es conciso, es como debe ser, que no se calla nada y que habla de todo.

La otra gran pata de la película es su elenco, guiado y liderado por un Javier Cámara soberbio que realiza uno de los discursos sobre la evolución del hombre vasco más memorables de la cinematografía española. La pareja formada por Miren Ibarguren (Serie La que se avecina) y Gorka Otxoa (Lobos de Arga, 2011) está bien llevada, no hay más opinión al respecto ni nada más que sacar de ahí. El gran Julián López (Perdiendo el norte, 2015)  está tremendo, de Chuck Norris a albañil en una toma. 

Llevan el diálogo ligero y suave. No dicen frases históricas, ni intentan que sus palabras sirvan de ejemplo, simplemente muestran la verdad, la realidad.

Ya lo he destacado, pero en este caso especial lo vuelvo a hacer, es una película interesante, no es buenísima, no te meas de risa, pero es una película que se debe ver y aprender de ella para ver que con sus gags se pueden construir más puentes que con detenciones o condenas.

Lo dicho, espero que la veáis y la disfrutéis tanto como yo.

Puntuación: 6/10

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Stranger Things, temporada 2

Stranger Things. Temporada 2, 2017

La consolidación de una gran serie.

Hemos vuelto más fuertes que nunca. La serie ha seguido la consigna de las películas de los ’80 con las secuelas, la cual es: Si funciona la fórmula la vuelvo hacer; pero con más efectos, más acción y más oscura.

Esta segunda temporada continúa un año después de dónde acabó su primera temporada y nos oferta, de nuevo, una nueva remesa de argumentos diferentes que lucha por un objetivo común, devolver a la normalidad el (su) pueblo, Hawkins.

Los hermanos Duffer, muy bien acompañados, ya que solamente dirigen y escriben los dos últimos episodios, han consolidado la serie revolución de Netflix. No solo por saber reavivar esos sentimientos ochenteros que se guardan en el fondo de todos los nostálgicos o melómanos de aquella época dorada del cine, sino que saben jugar con los esperados y deseados guiños para generar nuevos elementos y/o adaptar los elementos que se usan a la narración que sucede. 

No es la primera vez que lo digo en este blog y, no me importa repetirme, esta serie es uno de los ejemplos de cómo mezclar guiños, homenajes, etc., de otras películas con una nueva narración y adaptarlos para que se muestren y se utilicen de manera lógica con lo que vemos. 

El guión, para mí, es más flojo que el de la primera. Es verdad que los giros de guión son los correctos y son asumibles, y como en su anterior temporada, rompe bastantes tópicos de películas y series ochenteras, poniéndolos más "normales" y modernos. Aunque, en las secuelas siempre hay un aunque, es verdad que la serie es bastante "continuista" en el estilo de guión, sí que se ve una cierta evolución en la forma de narrar y en los efectos (es de cajón esta temporada ha tenido más presupuesto que la anterior y eso ha hecho que pierda su minimalismo), pero en el guión se ha mantenido una línea de escritura muy extraña. Nos han presentado y cerrado tramas argumentales, han sabido continuar la serie donde acabó sin que nos volviéramos locos, pero han tenido una tendencia encabezada a tener una tercera temporada sí o sí, es decir, nos han presentado unos personajes, bastante interesantes, con una línea argumental muy curiosa y no la han explorado, porque era a modo presentación de cara a una tercera temporada. Es cierto que no queda extraño y que el episodio (sí estoy hablando del episodio 7) puede parecer raro, pero nos vale para que Once asuma qué papel quiere en el mundo y cuál no.

Por parte del elenco actoral. Aquí los Duffer tampoco son tontos. Han introducido dos personajes nuevos, dos personajes muy tópicos, pero que habían faltado en la anterior temporada. Hablo de los hermanastros Max y Billy o más concretamente de Sadie Sink y Dacre Montgomery. Ambos juntos como hermanastros que se odian funcionan y, por separado, cada uno con sus colegas de imagen son soberbios, Sadie como la nueva amiga que le gustan los chicos raritos y tiene un trío bastante curioso con los chicos. Dacre, como el nuevo chico guay que aún no sabe cómo funcionan las cosas en Hawkins. Me paro un segundo y hablo de esa secuencia extraña, pero bastante curiosa y graciosa que tiene Dacre con la madre de Mike, concretamente Cara Buono; es una secuencia tonta y absurda, pero es muy curiosa y está muy bien narrada y mostrada en pantalla.

El resto, repiten todos los importantes y ahondamos mucho más en sus personajes, profundizando y haciendo que nos encariñemos más con ellos. Winona Ryder (Joyce), como esa madre loca y obsesiva que no piensa que nada se le escapa de las manos. David Harbour (Hopper), el gran salvador que pretende llevar razón y tener un salvoconducto para su pequeña favorita. Millie Bobby Brown (Once), que parecía que en la anterior temporada ya había sufrido bastante, aquí se hace más fuerte, más luchadora y descubre cuál es su papel y, además, quiere ese papel. Finn Wolfhard (Mike), que te puede parecer un perfecto capullo, pero está enamorada y no quiere que nadie salga herido por su culpa. El genial Gaten Matarazzo (Dustin), que incluso con dientes sigue siendo el mejor personaje. Caleb McLaughlin (Lucas) como el protector del reino y guardián de los buenos modales y, por último, de la pandilla de pequeños, Noah Schnapp (Will), al que le pasa de todo y sobre vive al ser un valiente y un cabezota. El trío de mayores, Natalia Dyer (Nancy), Charlie Heaton (Jonathan) y Joe Jeery (Steve) forman de nuevo ese trío entrañable que en un principio acabó como acabó y aquí acaba como debía acabar desde siempre.

Un buen reparto dónde Sean Austin, hace una aportación asombrosa, tanto con su personaje como en su interpretación y que genera en sí mismo el mejor guiño a los ’80.

Un gran elemento, el cual han conseguido en ambas temporadas es la ambientación de la serie. Milimétricamente calculada la fecha en que se basa la serie, para poder realizar tanto guiños a videojuegos, películas ya estrenadas, música (LA música) e incluso el día a día de EE.UU. y el mundo en el '84. La música es incontestable. Era difícil superar a la temporada 1 y no han tenido que superable, simplemente han mantenido el listón y es el gran punto que hace que estés hay dentro. Fantásticamente increíble.

¿Cómo no detenerme a revisar los guiños de la serie? Tiene elementos desde Encuentros en la tercera fase, Terminator, Aliens y un largo etcétera y, lo mejor, juguetes, anuncios, videojuegos clásicos de la época que incluso aún hoy día seguimos jugando con ellos.

A mí lo que más me ha sorprendido es que nadie haya pegado el grito al cielo al ver un guiño tan claro y tan tajante a Spielberg y su Jurassic Park (del año ’93), que me encanta, simplemente quería dejar claro que se van ampliando los guiños a otras épocas, aunque siendo Spielberg, siempre se perdona todo.

En definitiva, esta serie se consolida con esta segunda temporada. Se podrá decir que todos sus episodios dejan un cliffhanger, cosa cierta, pero al tener la temporada entera disponible puedes seguirla sin desesperarte y disfrutar de la temporada completa como una película.

Puntuación: 8/10

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Blade Runner 2049

Blade Runner 2049

Primera contra segunda y segunda contra primera.

Si Leonardo Da Vinci hubiese hecho una secuela de La Gioconda, sería una escándalo que fuera mala.

Si Beethoven hubiese hecho una continuación de su quinta sinfonía, sería intolerable que fuera mala.

Si Ridley Scott hiciera una secuela de 'Blade Runner', sería terrible que fuera mala.

Pueden respirar aliviados, 'Blade Runner 2049' no es una mala película. Al revés, es una secuela muy lúcida, bien hecha y respetuosa de su antecesora, hasta el punto de no saber cuál de las dos es mejor. Aquí hay un debate abierto. Habrá quien prefiera la primera y habrá quién prefiera la segunda, y habrá a quién le guste las dos.

Hacer una secuela de Blade Runner era arriesgado, pero se podía hacer porque la primera fue un fracaso, aunque el tiempo la puso en su lugar, pero para que saliera bien era necesario contar con el mismo equipo o al menos un equipo igual de solvente que el de la primera.

Y así ha sido, Denis Villeneuve puede estar contento con el trabajo que ha hecho y Roger Deakins más que contento con el suyo.

A la primera de Blade Runner le faltaba más. Ese universo no acababa de estar explorado del todo, y de ello se encarga esta secuela rodada con muchísimo cuidado, gran perfeccionismo y teniendo muy en cuenta la filosofía de la primera, una filosofía en la que se puede bucear y llegar a donde se quiera.

El resultado es una cinta que funciona como producto independiente y que completa a la primera.

Habrá que esperar para ver si es una obra maestra, que por lo pronto lo es, o una gran película alejada de la primera, que también podría serlo.

Tenemos más de cuatro años de vida, así que podemos esperar.

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Blade Runner 2049

Blade Runner 2049, 2017

Dos partes bien diferenciadas.

El filme realiza una correlación muy parecida a la que ya hiciera James Cameron con “Terminator 2”, es decir, Deckard durante la película original es un humano que se plantea si es un replicante, y aquí el agente K se lo plantea al revés. 

Una sinopsis, tal vez más concretada y acertada, podría ser: <<El agente K, un replicante moderno, creado para buscar y retirar a los replicantes viejos. En medio de un caso nuevo le surge la duda sobre su existencia, sobre lo que conoce, sobre si sus recuerdos son reales o no y comienza un viaje que nos llevará hasta lo desconocido. >> También os digo, me quedo corto.

Dennis Villenueve (La llegada, 2016), se mueve como pez en el agua. A parte de realizar ese particular símil con “Terminator 2”, el resto de la película se mueve entre las luces y las sombras. La primera parte del filme es muy baja, es decir, en “Blade Runner” original, todo acto, todo suceso que veíamos en pantalla, aunque pequeño, suponía un avance en la historia, un paso adelante. Más pequeño o más grande, pero lo daba. Aquí, Villenueve, en la primera parte del filme se mueve despacio. Todos sabemos a dónde queremos llegar, pero reitera en tres ocasiones distintas una afirmación, sí, relevante, pero que se queda corta al final del filme. Después, cuando ocurren por fin los sucesos que desencadenan la verdadera naturaleza del filme, se eleva y funciona, no solo porque ya aparezca Harrison Ford, si no porque retoma ese espíritu del filme original, que todo suceso tiene su consecuencia y toda consecuencia su momento perfecto.

El guión de Hampton Fancher (que repite como guionista y continuador de la saga)  y de Michael Green (Logan, 2017) sigue siendo igual de confuso que su homologo original. ¿Qué dudas quedan resueltas? ¿Hay algo de verdad en las imágenes que vemos, en las frases que se dicen? No se sabe y eso es lo bonito, que no necesitamos saberlo. No necesitamos que haya siete montajes posteriores de la película para que nos volvamos locos o entendamos algo más la historia, en este caso, el guión está tan sumamente mimado y tratado que ya nos da para mil conjeturas y brechas.

Actores…, benditos actores. Ryan Gosling, me recuerda mucho al personaje que interpreta en “Drive” y consigue ser impasible y seco cuando le pide la cámara que lo sea. Nunca se excede en sus emociones, incluso cuando se enfada y grita sigue siendo seco y distante (como una máquina). Harrison Ford…, ¿qué queréis que os diga? Está mayor, está curtido, es Deckard y siempre será el agente Deckard. Ana de Armas, es un buen descubrimiento, no hace mal papel y sabe compartir cámara muy bien con Gosling, tienen química entre ellos y funcionan. Jared Leto, por ejemplo, vuelve a sobrepasarse en su actuación, yo entiendo que sea un actor de método y el director le deje hacer lo que quiera hacer, pero en este filme no le han recortado sus escenas (como le ocurrió en El escuadrón suicida), aquí directamente tenía tres escenas y quería ser un mito en esas tres escenas y se estrella contra su propia sombra porque creo que exagera cada una de sus frases.

Me gusta el punto a dónde llegamos, porque quiero destacar, para que lo viváis cuando vayáis al cine a verla, la fotografía del filme. No ya los efectos visuales y demás, no, quiero decir exclusivamente la fotografía, perfecta, que nos ofrecen. Colores naturales, no están forzados ni retocadas por VFX, son así y son creíbles. Tiene unos contrastes muy duros, muy fuertes, que pegan con ese mundo frío y sin sentimientos que nos quieren mostrar. El sonido, es un sonido completamente envolvente, que desde el primer momento te transporta a esa ciudad futura sin futuro.

En general, la secuela no está mal. Es una buena secuela, para volvernos más locos en este universo. Además, añade un componente de bioética y de utilización de robots bastante curioso, a la par que complejo, y ahonda mucho más en ese tema que su primera parte.

Nota: 7/10

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Dunkerque

Sois inglés, ¿a qué quieren que les gane?

Dunkerque es, a parte de una ciudad francesa situada a 10 kilómetros de Bélgica, una película que mezcla el panfleto más prepotente y soberbio que se le puede ocurrir a un inglés y una gran historia bélica.
Como película, Dunkerque cumple bien.
Una trama bien llevada en líneas generales, un gran montaje, grandes efectos especiales y,sobretodo,sonoros, una irregular fotografía (con cambios de luz en la misma escena demasiado evidentes) y una extraordinaria banda sonora (Hans Zimmer hace una labor impagable en esta película).
¿Donde fracasa 'Dunkerque'?
En repetir los mismos tópicos quemados y hasta bochornosos del cine bélico americano,pero a la inglesa.
En muchos momentos la cinta rezuma un tufo a panfleto pro-Brexit y una versión distorsionada de la historia, que ignora el sacrificio de los soldados franceses y los belgas, y muestra una imagen de prepotencia y soberbia de los ingleses exagerada.
Una visión más objetiva y realista de aquel episodio hubiese sido mucho más acertada y hubiese combinado el rigor histórico,del que carece la cinta, y una lograda película.

Nota: 6

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Los Goya 2017, según Gerardo

Quiniela de Los Goya, 2017

Hola soy Gerardo y según yo los ganadores son:

Mejor Película: Tarde para la ira (Principalmente porque Raúl Arévalo es colega de la Academia y no descarto que algunos la voten incluso sin haberla visto)

Mejor Director: Rodrigo Sorogoyen (Los otros ya tuvieron su reconocimiento incluso dos veces)

Mejor Actor: Luis Callejo (Por lo mismo, los otros ya han tenido reconocimiento)

Mejor Actriz: Emma Suárez (Esa va a ser su noche)

Mejor Actor de Reparto: Se lo merece Javier Pereira, pero se lo va a llevar Manolo Solo por 5 minutos en la pantalla...

Mejor Actriz de Reparto: Igual se portan muy bien con Emma Suárez y se lo dan...otra vez. Asique, apuesto por ella.

Mejor Director Novel: ¡No preguntéis tonterías!, está cantado que es para Raúl Arévalo

Mejor Actor Revelación: Carlos Santos por hacer un papel serio, muy serio, y además romper con la imagen que teníamos todos del patoso y entrañable Povedilla de Los hombres de Paco

Mejor Actriz Revelación: Me da que va a ser para Belén Cuesta

Mejor Guión Original: O Tarde para la ira o Que Dios nos perdone, yo apostaría por Raúl Arévalo.

Mejor Guión Adaptado:No estaría de más que se lo llevara Alberto Rodríguez por contar una historia tan rocambolesca de una forma tan dinámica y clara.

Pero, creo que se lo va a llevar Paco León.

Mejor Música: Fernando Velázquez, que ya hace tiempo que se lo merece. Aunque me encanta la de El hombre de las mil caras.

Mejor Canción: Ni idea, pero creo que con esta "Kiki..." haría triplete.

Mejor Fotografía: Me mola la fotografía de Tarde para la ira, sucia y áspera, pero creo que se la va a llevar Oscar Faura.

Mejor Dirección de Producción: Suele ganar películas de grandes presupuestos, pero esta vez creo que se lo lleva Manuela Ocón por "El hombre...", aunque "Los últimos..." no sería raro que ganara.

Mejor Vestuario: Tengo mis dudas entre "La reina..." y "Los últimos..." pero creo que va a ganar "Los últimos..."

Mejor Maquillaje y Peluquería: Otro más para "Los últimos de Filipinas..."

Mejor Montaje: Al igual que en guión. Tanto "Tarde..." como "Que Dios..." las veo ganadoras. Pero esta vez, me decanto por "Que Dios nos perdone".

Mejor Sonido: "Un monstruo viene a verme"

Mejores Efectos especiales: "Un monstruo viene a verme"

Mejor Película Iberoamericana: Ciudadano Ilustre, para no complicarme

Mejor Película Europea: El Hijo de Saúl, peliculón

Mejor Documental: Por la situación actual "Nacido en Siria"

Mejor cortometraje de animación: Ni idea

Mejor corto de ficción: Ni idea

Mejor corto documental: Menos idea aún.

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Los Goyas 2017

Goyas, 2017 

Vuelven los Goyas. 

Y nos “dirán” qué películas españolas estrenadas en 2016 han sido mejores.

En un principio voy hablar de los nominados a Mejor Película:

La película con más nominaciones es “Un monstruo viene a verme”. Un éxito de taquilla, no lo dudo, pero aquí ya deje mi visión característica de este (seudo)drama. La película, sinceramente, merece todo el reconocimiento en cuanto a efectos, caracterización, dirección de producción, atrezzo y fotografía. Es impresionante lo que se puede hacer con dinero y lo hacen muy bien. Bayona no es tonto y por mucho que él crea en su guión, sabía que lo potente del filme era el cómo se veía, el cómo nos metía en la historia. Los Goyas llamados técnicos, en mi opinión, son merecidos para este tercer filme de Juan Antonio Bayona.

La perseguidora es “Tarde para la Ira”, también la comentamos aquí. Es un thriller de los de antes. La forma de mostrarnos, utilizando el 16mm, un estilo de grabación muy ‘80, ‘90 (que se había perdido un poco en los thriller modernos), es fantásticos. Puede que lo hiciera por amor al arte o por la falta de presupuesto, pero Raúl Arévalo es una persona inteligente y ha sabido sacar partido a la falta de presupuesto. Con muy poco ha conseguido un filme que siempre va para arriba, tendrá momentos más tensos o menos, pero siempre el nivel de atención del público a la pantalla es máximo. Te atrapa en estas idas y venida y en no saber nunca qué va a pasar. Por favor, lo destaqué, lo destacaré y lo vuelvo a decir, el plano secuencia inicial es digno de estudio, mínimo el mejor plano secuencia español. Para mí, el mínimo que debería ganar es el de Director Novel.

Empatado con la anterior estaría “El Hombre de las mil caras”, aquí os la recuerdo. Es una película muy necesaria en el panorama actual. Nos cuenta que pasó, no hace muchos años, en este lindo país y prácticamente no hay que ser muy avispado para ver que, lo ocurrió entonces ocurre ahora. Que no hemos aprendido nada, que no sabemos nada y que seguimos gobernados por los mismo sinvergüenzas de entonces. Es un thriller político, con una denuncia necesaria y sobre una época de España que debemos contar a los españoles y al mundo, porque si no sabemos de dónde venimos, nos podemos creer discursos innecesariamente alarmistas diciendo que la transición fue una patraña.

La siguiente “Julieta”, obtiene las nominaciones justas. Es un guión tenso y dramático, como pocos hemos visto en este dulce país. El filme juega con lo que tiene, que es unas actrices de diez y un guión fuerte. En esta ocasión, no como en otros filmes, no tiene planos maravillosos o increíbles, aquí Pedro ha abandonado su faceta de director técnico y se ha dedicado a dirigir a los actores, y su cámara nos ha servido para mostrarnos sin desaire todo el mundo que nos ha querido dar. Aquí os recuerdo mi reseña.

“Que dios nos perdone”. En este blog nuestro colaborador Gerardo habló de ella. Yo, en cambio, no he podido verla, pero leyendo y hablando con Gerardo, al menos estoy seguro que el director, Rodrigo Sorogoyen, ha avanzado en su nivel narrativo, ya que su anterior filme “Stockholm” me pareció una tomadura de pelo de aúpa. Confío que aquí haya sabido llevar la película por donde quería y que el nivel narrativo, de guión, haya sido dosificado durante toda la película. Así que, lo más seguro que el Goya al mejor guión sería justo que se lo llevase.

Por lo tanto, si a Raúl Arévalo le dan el Goya al Mejor Director Novel, podría entender que a “Tarde para la Ira”, no le dieran el Goya al Mejor película en compensación. Mis otras apuestas serían: En primer lugar, “Julieta”, y luego “El hombre de las mil caras”. “Un monstruo viene a verme”  solo se merece Goyas técnicos y “Que dios nos perdone”, lo dicho , no la he visto para poder opinar.

Ésto sería lo que puedo opinar sobre las películas nominadas a Mejor Película 2016.

Voy a ir ahora categoría a categoría, intentando dar una pequeña quiniela:

MEJOR DIRECTOR: Como director, o Almodóvar o Alberto Rodriguez. Bayona no ha sabido transmitir lo que quería transmitir, se fue a lo fácil y punto.

MEJOR ACTOR PRINCIPAL: Yo se lo daría a Luis Callejo, me parece un papel mucho más difícil que, por ejemplo, el de Antonio de la Torre. Si no, el gran Eduard Fernández, que nos deleita con las mil caras que pone.

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL: Emma Suárez. Sin pensarlo.

MEJOR ACTOR DE REPARTO: Lo anteriormente llamado actor secundario, ahora queda mejor llamarse de Reparto (Léase como risa malvada). Javier Gutiérrez, no hace una actuación nada peculiar y nos conduce desde un personaje con sus movidas hasta otro que ha aprendido de sus errores.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: A ver, esto es opinión mía, si ya estás nominada a Actriz Principal, no deberías estar en Actriz de Reparto, aunque seas tan deliciosa como Emma Suárez. Para mí, Candela Peña lo borda con su papel torturador en “Kiki, el amor se hace”.

MEJOR DIRECTOR NOVEL: Cualquiera estaría bien, pero sería una injusticia que Raúl Arévalo no se lo llevase. Si le fuera negado este premio, habría que darle el de Mejor Película.

MEJOR ACTOR REVELACIÓN: Se lo daría a Carlos Santos, ¿cómo me puedo reír con un personaje que está totalmente abatido y llorando? Lo hace genial.

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN: Tengo el corazón dividido entre Anna Castillo y Belén Cuesta. Con Anna me emociono, con Belén me parto el culo. Sería justo para cualquiera.

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Insisto, “Tarde para la Ira”. Por muy guay que sea un atraco en Valencia de la mano de Jorge Guerricaechevarría, su final es decepcionante. En cambio, Raúl Arévalo y David Pulido, nos conducen de menos a más todo el filme.

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Se lo daría a Paco León y Fernando Pérez. Sí, su filme es un remake de una película Australiana, pero han sabido adaptarla a este maravilloso país, aunque haya secuencias calcadas; su guión, está muy bien adaptado.

MEJOR MÚSICA ORIGINAL: Aquí, se lo daría a Fernando Velázquez, por “Un monstruo viene a verme”.

MEJOR CANCIÓN: Me parece fatal, que no hayan nominado a Pedrina y Rio por su canción “Enamorada”. Así que, que se lo den a Zeltia Montes por su documental "Muerte".

MEJOR FOTOGRAFÍA: Hay que ser francos, la fotografía de “Tarde para la Ira” mola mucho. Ese estilo en 16mm, con sus contrastes, ese color, ese sucio tan característico…, mola. Pero, tanto como “1898. Los últimos de Filipinas” y “Un monstruo viene a verme”, juegan con mucho que “Tarde para la Ira”. Para mí, debería ganarlo Óscar Faura por el Monstruo, pero no me sorprendería nada otro resultado.

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: No tengo ninguna duda que tanto Sandra Hermida por el Monstruo como Carlos Bernases, por Filipinas; serían fantásticos ganadores. Pero, es verdad, que el que ha rodado en medio mundo con un presupuesto inferior a las otras dos es Manuela Ocón con las Mil caras. Solo digo, que no os sorprendáis.

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Eugenio Caballero, ha hecho un trabajo espectacular con el Monstruo. Es que, no hay duda.

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO: No os volváis locos. Está muy recreada “1898”, es que fin de la discusión. “La reina de España”, podría optar al galardón, pero lo vería como algo muy de sorpresa.

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: Marese Langan y David Martí, han hecho un trabajo fantástico en el Monstruo.

MEJOR MONTAJE: Ángel Hernández Zoido le remata el toque a “Tarde para la Ira”. Le termina de dar el temple y la intensidad que necesitaba el filme.

MEJOR SONIDO: Peter Glossop, Oriol Tarragó y Marc Orts, recrean todos los sonidos inimaginables. Además, durante los pequeños cortometrajes que hay en el filme, durante los cuentos, es fantástico la recreación sonora.

MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Creo que no hay duda en que el “Monstruo”, tiene las de ganar, aunque no perdáis de vista a “Gernika” y a “1898”, no sería algo raro.

MEJOR PELÍCULA HISPANOAMERICANA: Yo elegiría a “El ciudadano ilustre”

MEJOR PELÍCULA EUROPEA: Aquí este está más difícil, pero cogería entre “El hijo de Saúl” o “Yo, Daniel Blake”.

MEJOR DOCUMENTAL: El 90% de mi raciocinio me dice que irá hacia “Omega”. Aunque, “Nacido en Siria”, no queda descartado. Aunque sea lento, repetitivo (es decir, es como ver las noticias pero con testimonios reales de niños) se puede hacer un hueco en la historia porque es necesario para no olvidarnos de donde vienen todas esas noticias.

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: Aún hoy día la animación español se queda corta, tanto en calidad, como en producción. Por eso “Ozzy”, sería el mejor candidato, es el que tiene más trayectoria.

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN: "Made in Spain", por favor, muy recomendable.

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN: “Bla, Bla, Bla”, por favor, será una chorrada, pero es muy, muy tremendo.

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: Yo, elegiría “Esperanza”. Es el que más denuncia social tiene.

Pues esta es mi idea. Todo bajo mi visión y lo que he podido ir viendo.

Desearle toda la suerte a Dani Rovira, que vuelva a ser igual de mordaz que fue el año pasado, que es de los mejores cómicos que tenemos en este país, que se merece todo el reconocimiento y aquel que esté en la industria del cine y no vea lo horrible que está haciendo este gobierno con la cultura, es que no se merece estar dentro de la industria.

¡Suerte a todos!

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