After Life

After Life. Serie completa

Realmente la vida misma.

El resumen de la trama central seria: Nuestro querido protagonista Tony intenta sobrellevar la muerte de su esposa. 

Dicho lo anterior, Ricky Gervais (creador, director y guionista de la serie), nos trae una serie no solamente sobre el dolor de esa pérdida. Del dolor que supone perder al amor de tú vida. Si no, del dolor que hay en tener que seguir viviendo. De cómo tener que seguir viviendo habiendo sufrido lo que se ha vivido. No es algo fácil de explicar, ni de contar. Aunque, la vida no es fácil. 

La serie se desarrolla en una soleada Inglaterra que contrasta perfectamente con el tono sombrío y sobrecogedor del tema. Es decir, utiliza la luz como el primer enemigo del personaje, el cuál siempre va con gafas de sol. Incluso la fotografía juega en su contra. Nos podríamos esperar una fotografía apagada, fría; llena de sombras, de azules y, al contrario, siempre tenemos una imagen viva. Con colores saturados. La imagen nos dice que todo está bien, aunque luego los sucesos nos digan lo contrario. 

Gervais, presenta a su personaje central como un irónico petulante, el cual lo sabe todo, sabe lo que es bueno, lo que es malo y se ríe de todo el mundo que discrepe. Lo curioso es que esto lo hace a partir de la muerte de su esposa; según cuentan en la propia antes era feliz.

No era así, porque vivía el amor de su vida y ahora que no está, ahora que la persona que lo convertía en una gran persona no está, no tiene por qué seguir comportándose así. Esta ruptura con lo anterior es algo que se ha tratado en otras series, películas, etc. Pero, bien es cierto, que la forma en que lo explica el personaje sí que es otro punto de vista. No quiere ser "malo", no quiere machacar a la gente cercana, es sólo que le duele que el resto de la humanidad no comparta el dolor que tiene él y necesita salvarse de esa manera. Es verdad, es totalmente egoísta el pensar y comportarse así, aunque para su terapia personal era necesario y eso le hace avanzar en el arco que tiene el personaje a lo largo de la serie. 

Además, adereza la trama con unos personajes completamente histriónicos y lo mejor, es la posición que toma la serie de ver cómo evolucionan las diversas tramas y cómo Tony se enfrenta a esos cambios y a esos personajes. Cómo es él con el fotógrafo del periódico donde trabaja, a redactora de críticas que cree en todo tipo de cosas nada convencionales, su cuñado (ojo al cuñado que tiene un papelón, porque además de haber perdido a su hermana, tiene que "salvar" a su cuñado). Un personaje imprescindible, la redactora nueva del periódico;

seguramente sea la única persona que entiende a la perfección el mundo interior que tiene Tony y sepa cómo decirle que está bien que esté así, pero que tiene que mejorar por su bien. También tenemos a la viuda del cementerio con la que intercambia consejos. Como se comporta con la trabajadora sexual, cómo evoluciona su amistad con el cartero. Cómo se enfrenta a sus sentimientos cada vez que ve a la cuidadora de su padre. 

Éstos últimos personajes solo existen una vez muerta su mujer y solo conocen el peor Tony, por lo que no quieren que se conviertan en el anterior, si no, que evolucione (que cambie) a una persona mejor, con las nuevas circunstancias que tiene. 

Mención especial quiero dar a la relación que muestra con su perra. El único ser vivo con el que se muestra tal y como es y al único ser vivo que durante toda la serie siempre quiere tener a su lado. 

La serie no quiere darnos un sentido a la vida, no pretende decirnos cómo superar un dolor. Lo que nos quieren mostrar es la forma de sobrellevar dicho dolor, para conseguir renacer de él y así evitar hacer daño a personajes que, seguramente, no se lo merezcan. 

Espero no haberos desvelado nada y que disfrutéis mucho de estas dos temporadas. 

Puntuación: 8/10

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Leaving las Vegas

Leaving las Vegas, 1995

Retrato de un final.

En Leaving las Vegas tenemos la propuesta principal de un señor, un guionista, el cual se vuelve adicto al alcohol y pierde todo lo que le importa. Al ocurrir estos sucesos, decide perderse en la gran ciudad de las Vegas hasta morir de su adicción.

Con este drama y esta trama, la gente o al menos lo que me transmiten las personas que han visto la peli, es que la historia principal es la que sigue en todo momento al personaje principal y, aquí tenemos la primera trampa de su creador. 

Mike Figgis, director y guionista de la obra, nos da la solución al problema de su personaje principal desde un principio y lo repite en varias ocasiones: 

“Voy a morir. Pase lo que pase. Voy a beber hasta morir.”

Y, en ese círculo vicioso, aparece su personaje principal, Sera (Elisabeth Sue); la cuál considero la auténtica protagonista del filme. Gracias a Sera, en este viaje al infierno se nos narra cómo acompaña a Ben (Nicolás Cage) y el por qué decide acompañarlo. Ya sea porque esté enamorada de él o simplemente porque está tan perdida como él y piense que juntos pueden encontrarse y conseguir frenar ese descenso. Es una historia tremenda, compleja y llena de sus contradicciones. Es realmente personal y muy realista en muchas escenas. La manera de colocar a los personajes, el cómo se mueven dentro de la escena y la posición que coge la cámara frente a la escena y a sus personajes, hace que las escenas sean fuertes, contundentes y tremendamente poderosas.

A parte de la pequeña “trampa” en la trama, las actuaciones de Nicolas Cage y Elisabeth Sue, son extraordinarias. Cage, por saber en que momento explotar y mostrarnos sus caras de locura. Sue, por saber manejar su tiempo y demostrarnos como se actúa simplemente con el movimiento de su pelo.

Sin más os dejo con esta película que debería ser de culto.

Puntuación: 7/10

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El silencio del pantano

El silencio del pantano, 2019

Promete más de lo que ofrece.

La película juega con nosotros insistentemente. Nosotros, como espectadores, nunca tenemos la certeza de si lo que vemos es real o no e incluso no sabríamos decir en qué línea temporal habría que cuadrar las diferentes escenas. Esto ocurre ya desde el epílogo y la trama no hace más que desarrollarse, expandirse, saltando en ese juego y, el director, decide no dar ninguna pista reseñable visual, permitiendo así al público editar su propia película, para que cada uno saque sus propias conclusiones.

Ya que citamos al director, en este caso tratamos con Marc Vigil.

Un experimentado director de televisión y que aquí deja escenas muy interesantes por su puesta de escena y otras que dejan bastante que desear. Las que mejor planificadas están y las más realistas son las de acción. En cambio, las emotivas o las que tienen un significa más simbólico no tienen esa fuerza visual narrativa.

La historia, que es un pilar fundamental, está basada en una novela y la adaptan Sara Antea y Carlos de Pando. No tengo el gusto de saber si es una buena adaptación o no. Por lo que, solamente me dedicaré a comentar que el simbolismo literario queda patente en la película. La utilización de metáforas para explicar una corrupción asquerosa, que embarra todo aquello que roza, es muy buena. 

El clímax hubiera sido convertir esas metáforas verbales en metáforas visuales. Algunas con muy evidentes, como utilizar el circuito de fórmula uno de Valencia, otras son muy elegantes y encajan bien en el filme. Aunque, hay otras que dejan bastante que desear.

Lo que sí tiene la película son buenas actuaciones. Tiene un buen cast, no solo por Pedro Alonso, que parece disfrutar con papeles bipolares. Si no, por Nacho Fresneda que está fantástico y muy irreconocible. Carmina Barrios, parece que la han encasillado, aunque está bien en la película.

No me quiero enrollar mucho más y espero que os entretenga la película y consigáis descubrir todos sus secretos.

Puntuación: 6/10

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The End of the F***ing World

The End of the F***ing World.
1ª Temporada

Excita todos los sentidos.

Empiezo con una sinopsis muy simple: James y Alyssa son unos adolescentes inconformistas y un día deciden abandonar todo aquello que conocen.

Aquel que se quede con la citada descripción es muy corto de miras. La serie va muchísimo más y nos muestra como una adolescencia mal gestionada por todas partes, desde la infancia, pasando por unos padres poco participativos o simplemente esporádicos. Pueden hacer que los adolescentes se sientan superados y agobiados ante el mundo real. O incluso que se crean que la vida real, es tal y como la ven en casa e intentan emularla llevándola a un extremo que no pueden controlar.

Algo de esto (o todo ello) les pasa a James y a Alyssa. James, traumatizado por sucesos en su infancia, cree ser un psicópata y quiere seguir experimentado a ver si es así. Alyssa, se ve superada por su familia que la hace tener más responsabilidad de la que debería y ella se revela contra todo el mundo que mirarla.

Cómo leéis ambos son una olla a presión a punto de estallar y, evidentemente, estalla. Se conocen. Van realizando aquellas acciones que entienden que son las que deben hacer y, cada uno por una razón distinta, deciden ver qué pasa. Qué ocurriría si estuviéramos juntos. 

Con este leitmotiv, estos dos niños, que se sienten solos, que no están a gusto con su microuniverso. Van descubriendo, , que perdiendo el miedo ha hablar, si son sinceros, si se quitan la barrera física (y emocional) que tienen puesta entre ellos, conectan mejor. Saben compaginarse mejor, saben qué decisiones tomar (disciernen mejor que es bueno y que malo). Todo esto les ayuda a que esas razones diferentes, que cada uno tomó para estar con la otra persona, lleguen al mismo mar, es decir, a la misma conclusión: <<Queremos estar juntos.>> .

Habiendo comentado de forma genérica toda la trama argumental, indicar que está además tremendamente orquestada por Jonathan Entwistle (creador de la serie). El cual exprime todas las referencias visuales habidas y por haber. Evidentemente, la primera que nos puede venir a la cabeza es Bonnie and Clyde, pero hay no queda la cosa. Dejando secuencias dignas de Godard o de Hitchcock. 

El guion, bueno, mejor dicho la adaptación de la novela gráfica, está a manos de Charlie Covell, veterano en guiones de serie. Y la fotografía, la fantástica fotografía que cuaja perfectamente con el clima, con el tono de la serie, es de Justin Brown y Ben Fordesman. Además, tiene una guinda; la guinda es la banda sonora, que como toda buena road movie tiene y, en esta ocasión, está orquestada por Graham Coxon (os dejo el enlace a spotify).

Como buen amor de verano, ya que la temporada dura poco (8 episodios de 20 minutos cada uno), te deja con un recuerdo inolvidable.

Puntuación: 9/10

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The End of the F***ing World 2

The End of the F***ing World 2. 
2ª Temporada

En su estilo.

Continuamos con las aventuras nada despreciables de nuestros queridos James y Alyssa. A los cuáles, nos los encontramos más mayores, más maduros, aunque igual de perdidos. 

Si el final de la primera temporada nos dejó con buen sabor esta temporada continúa con la línea, aunque no con esa brillantez inicial. 

Sigue en ese universo tan marcado que generó en la anterior temporada. Los personajes siguen diciendo lo primero que se le pase a la cabeza, siguen con sus ironías y volviéndose locos, pero la conclusión final que se obtuvo anteriormente, aquí se desdibuja y se entra en algunos "rollos" que no benefician a la historia.

La introducción de un nuevo personaje, Bonnie, al estilo western de: <<Yo soy la ley, yo impondré mi verdad>>. Es molón. Está guay. Es sólido y es el eje central de la temporada. Aunque, te identificas menos con ella de lo que sería correcto para poder entrar mejor en lo que se está viendo. 

Mientras tanto, la historia de Alyssa y James se vuelve, un pelín repetitiva. Aunque tiene sus giros de guion, buenos discursos sobre sentimientos. Los cuáles ayudan a ver cómo se pueden superar ciertos sentimientos y además ayudan a comprender los pasos que siguen en la historia. Pero, aquí viene el, pero, la trama principal, el eje, no acompaña. No está bien introducido en este universo.

Bien es cierto que continúa con unas imágenes visuales perfectas, tiene un lenguaje visual brillante e infunde respeto en cada toma, ya que no da punzada sin hilo. Lo que me ha encantado es que enfaticen mucho más los insertos, a fin de cuentas, es como meterte en la cabeza de los personajes y saber qué es exactamente lo que piensan sin necesidad de hablar. 

En esta temporada el guionista, Charlie Covell, hace un trabajo formidable, ya que dosifica los diálogos y los incrusta en diálogos más breves, aunque discursivos, lo que transmite serenidad y veracidad a esta locura de historia. La fotografía y la banda sonora, vuelven a ser geniales, aunque no sorprendentes (como pasó anteriormente). 

Nada más que decir, salvo que la he disfrutado, me ha encantado volver y desearé querer volver.

Puntuación: 7/10

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Zombieland

Zombieland, 2009

Un toque de humor.

Cuando salió esta maravilla de película en 2009, estábamos a empezar a estar saturados de tanto zombie. Tanto muerte viviente. Y Zombieland, nos dio lo que buscábamos algunos, un toque de humor, un gran toque irónico al fin del mundo repleto de zombies, que no todo va a ser supervivencia; también puedes pasar un buen rato. 

Dicho lo cual, Ruben Fleischer director de la obra, no se queda corto en nada. Genera excesos, con cámaras lentas para enfatizar la brutalidad de este nuevo mundo. Tiene buenas composiciones de plano, que permiten gags visuales ya sea con movimientos de los actores o con letras apareciendo en el momento justo. 

Aunque lo mejor que tienen es el guion. Firmado por Paul Wernick, Rhett Reese; es tan divertido que es fácil dejarse llevar y divertirse con él. Generan una historia completamente irónica y satírica sobre los mundos de zombies que se nos planteaban en otros formatos y se ríe de ellos. Lo que, si hace, es reírse muy bien de cómo algunos estadounidenses se preparan ante catástrofes semejantes, sería lo mayor crítica social que tiene.

Las actuaciones de Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone y Abigail Breslin, son sensacionales. Evidentemente interpretan a lo típicos personajes que nos podemos encontrar en estas películas, pero al hacerlo tan mordaz que son divertidísimo. Harrelson está loco, es plenamente consciente de las locuras que hace y se lo pasa en grande. Eisenberg es más prolífico en este tipo de personajes de "tontitos", pero tiene mérito tener tanta química con la siempre genial Emma Stone; se la coge cariño, aunque haga de cabron*. Además, cuenta con uno de los mejores cameos de la historia del cine, haciendo más icónico (si es posible) al bueno de Bill Murray.

Lo dicho, si queréis desconectar del clásico mundo de zombies, este es vuestro sitio.

Puntuación: 7/10

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Zombieland 2

Zombieland 2: Mata y remata, 2019

Volvemos.

En este mundo lleno de series de zombies, películas de zombies, libros de zombies... Siempre viene guay recordar a los primeros que empezaron a parodiar dicho género.

Aquí tenemos la segunda parte de la desternillante Zombieland. Con su mítico toque ácido y su ironía vuelven a dar guerra en un género que parece no tener fin. 

Bien es cierto que aquí ni su director (repite Ruben Fleischer), ni sus guionistas (Dave Callaham, Rhett Reese y Paul Wernick), van mucho más allá de donde fue la primera. Es decir, estoy diciendo y no lo voy a negar que técnicamente es más de lo mismo, aunque de una forma intencionada. Son conscientes del género que tienen entre manos y le van dando forma según quieren.
Lo que hacen es seguir una regla de oro de las segundas partes, la cual viene a ser dame mucho más que en la primera. Cámaras lentas más súper lentas. Explosiones más grandes. Muertes de zombies más sangrientas. Mucho más grande y rocambolesco de lo que fue su predecesora.

Al tener todos elementos, los cuáles simplemente están bien hechos, funcionan dentro de la película. Introducen más mordacidad (por decirlo así) sobre reflexiones del mundo moderno. Hacen mucha más crítica a los Estados Unidos que en la primera parte, ya sea como tema principal o en segundas capas de los mordaces diálogos que sueltan sus personajes.

Además, aquí Ruben Fleischer, deja más libre la cámara y actualiza el montaje, dándole mucha más velocidad y generando escenas más rápidas. 

Repite el cuarteto actoral al completo, siguen siendo buenos y fantásticos, Jesse Eisenberg, Woody Harrelson y Emma Stone. Abigail Breslin, se queda un poco atrás, tampoco su personaje da mucho juego, aunque introducen a Zoey Deutch, que hace el papel secundario necesario para darle vida al filme. Rosario Dawson, siempre fantástica. Y, bueno, casi como cameo salen Luke Wilson y Thomas Middleditch, realizando una fantástica autoparodia a la misma película. Aunque eso sí, si os supo a poco el cameo del gran Bill Murray, tranquilos, le disfrutaréis aquí. 

Es por ello, que sí, que aunque sea "más de lo mismo", tiene los suficientes toques como para seguir divirtiéndote y hacer que sigas disfrutando de Zombieland. 

Puntuación: 7/10

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El Extraño

El Extraño, 1946

La tercera película de un genio.

Y digo tercera, porque la anterior película la codirigió y no quedó nadie convencido con el resultado. Aquí, en cambio, Orson Welles realizó un magnífico ejercicio de cine negro. El cuál es posible verlo sin sonido y enterarte perfectamente de todo el argumento. Puro cine mudo al que se le ha añadido un poco de sonido. 

Visto a día de hoy es ver una fórmula más que repetida, es por ello que hace más interesante a la película, ya que es posible que estés viendo una de las primeras películas que trata sobre los nazis en EE.UU. De una guerra fría incipiente. Una peli de espías. Un filme, un género, que se iría reinventado y puliendo hasta llegar hacer <<Hunters>> que actualmente está disponible en Prime Video. Igualmente, esto no es lo importante de la película.

En <<El Extraño>> Welles vuelve a demostrar que era un adelantado a la época. Introduciendo una fotografía muy natural, no excesivamente artificial, para generar un ambiente reconocible, es decir, como si no se hubiese rodado el 90% de la película en un simple plató.

Además, utiliza recursos narrativos lumínicos, como es el brillito en los ojos de los personajes buenos y ese claroscuro, esas sombras, pronunciadas en los personajes que se predisponen a ser malignos. 

El guion es muy limpio. En el sentido de que no le sobra ninguna secuencia. Todo está llevado con detenimiento y tiene un propósito (y ninguna escena se usa como simple dilatación de la película). 

Las actuaciones son magníficas. Orson Welles demuestra que es un carismático empedernido y en esta película ayuda a que el resto de actores estén mejor de lo esperado. 

Igualmente, no temáis en ver una película tan vieja, porque os sorprenderá lo que podéis aprender sobre cine y de cómo viendo algo "viejo", entiendo porque el cine actual se hace de una manera e incluso que en ocasiones es posible recuperar elementos, para conseguir efectos (emociones) para el cine actual. No os la perdáis. 

Puntuación: 7/10

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Mindhunter

Mindhunter. 1ª y 2ª Temporada

Más allá de la mente del asesino.

Es una serie bestial y que va más allá  del típico thriller.

No es una serie donde los investigadores (los que creemos que son los típicos "investigadores") llegan a un sitio, hacen un truco de magia y tachan tenemos a nuestro asesino. La serie te va mostrando poco a poco como la psicología policial en los '70 estaba empezando y había que ir uniendo las piezas para conseguir ver si funcionaba.

Cierto es que David Fincher no es ni el creador, ni guionista principal, es su productor principal y dirige 7 de los 19 episodios. Eso sí dirige los principales, es decir, dirige el primer y segundo episodio de la primera temporada, que son los que asientan las bases de esta maravillosa producción. Ya no solo en cómo nos van a ir mostrando el método que utilizan los personajes, si no, que marca también en como mostrarnos lo que vamos a ir viendo. Con la iluminación típica de Finder, desaturando los colores al máximo, con movimientos de cámara milimétricos para que cuadre todo en la composición que él ha ideado. Es un obseso del control.

Las diferentes tramas pueden ser más o menos entretenidas, pero si son consecuentes. Es decir, el como voy resolviendo o investigando ciertas cosas actúo de una manera consecuente y así las investigaciones futuras siempre se basan en algo anterior para seguir aprendiendo y mejorando. Esto puede ser muy lógico, pero en muchísimas series de detectives los casos se resuelven siempre por la gracia de sus protagonistas o por sus ingeniosos trucos. Aquí nos muestran que todo siempre es un aprendizaje para adelante. Que un caso anterior haya salido bien o mal, sirve para seguir evolucionando y dar caza a los siguientes asesinos. Lo curioso de esto es que gran parte de los episodios son auto conclusivos y, si bien es cierto lo anterior, puedes ver un episodio suelto y con dos o tres pinceladas entender el poder de la serie. Aunque, evidentemente, recomiendo la serie completa e irla disfrutando en sus pequeñas dosis.

Los personajes y sus actores, nos pueden recordar a los típicos de estas series y bueno, evidentemente tienen sus bases, pero no la complejidad. Nunca conoceremos a unos detectives como los que interpretan Jonathan Groff y Holt McCallany. Y nunca veremos unas recreaciones de entrevistas tan fidedignas como las que nos da la serie. Me explico, para quién no lo sepa, la serie está basada en el libro MindHunter, el cual se basa en la investigación real que hicieron los personajes de la serie en la que entrevistaron a asesinos reales. Pues bien, la forma y el cómo se hicieron dichas entrevistas están muy bien recreadas en la serie. Hasta los actores que hacen de dichos asesinos muchas veces calcan el tono, la acentuación, la forma de hablar de dichos señores. Maravillosa documentación por otra parte.

En fin, no me enrollo más. Disfrutarla tanto como lo hice yo.

Puntuación: 8/10

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Quien a hierro mata

Quien a hierro mata, 2019

Gánster in Galicia.

Tenemos un thriller español, muy potente y bien realizado. Además, que trata temas que siguen estando de actualidad, no solo con que sigue habiendo drogas en España y seguro que muchas de ellas entrar por Galicia (o a saber), si no, de ese poso que hay en la sociedad gallega en contra de los narcos, de culpabilizarse a ellos y a sus familias de vender la droga que mataba a sus niños. Esa idea, es el leitmotiv del filme y es una idea muy consistente, la cual llega a cualquier español.

Hecho el resumen de la película, la cual por cierto está escrita por Juan Galiñanes (su primera película) y Jorge Guerricaechevarría (una leyenda del guion en el cine español). Quiero comentar como su director Paco Plaza, mete en un thriller el género del terror. Plaza viene de dirigir la genial Verónica y aquí tampoco se queda corto a la hora de generar elementos de tensión más típicos de películas sobrenaturales, scy-fy; que de un thriller clásico. No quiero decir que el tono de la película varíe, el tono está claro. Es por ello que me parece todavía más fantástico que en una película tan de género, Plaza sea capaz de introducir diferentes elementos, diferentes secuencias, en las que te lleva a un terreno oscuro con un miedo más profundo. Utilizando una serie de "ensoñaciones" encerradas en flashbacks que funcionan a las mil maravillas y que te ayudan a una compresión total del personaje principal.

Además, la forma en la que tiene de irnos presentando la trama principal es soberbia. Dando pausas a la narración y con una cámara estática; consigue que vayamos entrando en el juego. Consigue que entendamos todas las capas, para que empecemos a entender de qué va realmente el filme. 

Todo esto, contrapuesto a las grandes escenas de acción. Hechas con cámara en mano (o al hombro) para darle ese movimiento requerido por la escena. 

Realmente, el trabajo como narrador del director (en mi opinión) es brillante y, por decirlo, no da punzada sin hilo.

El cuadro actoral no se queda atrás. Luis Tosar es un monstruo y tiene muy clara la desesperación del personaje. Xan Cejudo, lo calva. Pero, el mejor, es sin lugar a dudas Enric Auquer, capaz de saltar de un estado emocional a otro en el mismo plano en fracciones de segundo, es una actuación merecedora de todos los adjetivos y del Goya que se llevó.

Definitivamente, tenemos una buena película, bien hecha y que entretiene.

Puntuación: 8/10

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El tercer hombre

El tercer hombre, 1949 

Brillante filme.

En una Viena divida en cinco mitades, cada una controlada por un ejército distinto, la gente se muere de hambre, no hay trabajo y solo un listo americano es capaz de encontrar petróleo en todo ese caos. Para mí, este sería el resumen correcto de la película. 

Carol Reed, director de la película, realizó el filme con maestría. Explicando las bases de la Guerra Fría en pleno 1949 (cuando duró hasta el año '89). Añadiendo elementos que no estaban acostumbrados a ver los espectadores de entonces. Como el plano aberrado (también llamado holandés), el cual da una angulación (inclinación) a la cámara ante un personaje o una situación, generando la sensación de que algo no cuadra, algo no casa, algo nos oculta este personaje; es decir, incomodando al espectador. Cierto es que lo utiliza durante toda la película para generar otro efecto, un efecto de distracción y que nunca sepas por donde van a ir a los personajes. Ciertamente es un acierto y sí que conecto con la utilización de este recurso.

La historia, el guion. Ya lo hemos resumido antes. Es verdad que puede ser muy burdo o incluso muy simple. Oculta muy bien la información y con pequeñas dosis, con pequeñas frases, se hacen muchas críticas al momento que se está viviendo ya no solo en Viena, si no, en Europa e incluso, que ahora está muy de moda, ya se está criticando un capitalismo extremo, aunque es verdad que se hace con mucha discreción no vaya a ser que nos acusen de comunistas (en esa época te llevaban a la cárcel o te mataban). 

Luego la película encierra una de las trampas comerciales más graves (y grandes) de la historia del cine. Es verdad que en ella está Orson Welles, el grandísimo Orson Welles actuando. Que no lo hace nada mal, tal vez diga una barbaridad, pero se come a todos sus compañeros. Su carisma es innegable y aquí lo alardea.

El problema viene de ahí. Tienes a un secundario tan grande, que ensombrece al resto e incluso aquí hace más pequeño a su director (mucha gente se piensa que la dirigió Welles). Todo esto en el espectador puede generar un estado de nerviosismo y estás con más ganas de ver qué hace Welles en el filme que te pierdes el resto de la película. Esa es la gran pena. 

Igualmente, una vez asumido todo lo anterior, el atractivo mayor de la película es su fotografía. No solo por los planos aberrados, si no, por el uso de las sombras. Una iluminación muy poco convencional, con muchas referencias al expresionismo alemán de los años 20-30, y aquí encuentra su apogeo o su máxima expresión dando vida a esas sombras marcadas, a esas figuras en movimiento, a esas presentaciones entre luces. También utiliza mucha profundidad de campo para que siempre tengas la sensación de que la ciudad, el ambiente, es otro personaje. Todo acompañado por una gran banda sonora.

Así que, os pido que veáis la película con ganas. 

Puntuación: 8/10

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Los siete samuráis

Los siete samuráis, 1954

Merecedora de toda su leyenda.

Simplemente es una obra de arte. Aunque la veas a día de hoy, en pleno 2020 (o cuando leas esto) sigue siendo poderosa.

Kurosawa demostró que es un virtuoso con la cámara. Es capaz de moverla y colocarla a su antojo que siempre le va a funcionar. Sobre todo, porque es un genio con la puesta en escena, es decir, aunque tenga un plano, un solo plano que dura 5 minutos, siempre están ocurriendo cosas en la escena. Siempre se suceden movimientos, miradas, palabras que te están manejando a su antojo y que provocan que la dilatación del tiempo que se está produciendo sea más dulce y no algo soporífero.

No realizó una película compleja, en cuanto a su realización, usó aquellos recursos que necesitaba sin necesidad de alardear. En cambio, nos da una lección de como manejar tiempos, de como ir narrando progresivamente sin ninguna pausa y sin prisa, ya que todo es importante. Incluso en las escenas de acción se mantiene ese tempo taimado.

Todo esto me lleva a comentar ese montaje, que no es tan invisible en la película. Ya que, acostumbrados tal vez a un montaje más rápido o a que el cuerpo te pida un plano detalle cuando tú consideras necesario, aquí no, al contrario, mantiene siempre un montaje muy de movimiento, en el sentido de que se corta una escena cuando se produce un movimiento de un personaje que va a introducir una reacción y/o una emoción diferente a la anterior. Siempre con coherencia.

Y la historia. La historia que puedo llevar viendo en miles de películas, verla en su formato real es alucinante, ya que sus remakes, reboots, remades y un largo etcétera lo único que hacen es coger esta idea y exprimirla de forma distinta. No digo ni mejor, ni peor. Tampoco digo que plagien la película al milímetro. Lo que comento es solamente lo mencionado, que las grandes películas, las grandes historias tienen un poso, un sustento, muy atrayente y que sus "copias" pueden llegar a ser grandes gracias a la materia prima en la que se están fijando. También puede ser que intentes hacer una nueva versión y te salga mal, debido a que no has conseguido (seguramente) captar esa idea, ese "poso", que tiene este gran filme. O que ni siquiera has sabido adaptar la idea que tiene esta película en el nuevo contexto que quieras narrarla.

En definitiva, que es una película imprescindible y que nadie debe perder la oportunidad de verla. No os asustéis con su duración, dado que su contenido merece toda vuestra atención.

Puntuación: 10/10

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