¡Olvídate de mí!

¡Olvídate de mí!, 2004

Una película preciosa.

Michael Gondry narra con una fuerza visual virtuosa este drama romántico, protagonizado por un inolvidable Jim Carrey. A su lado está Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson... Es decir, un reparto brutal. Pero esto no tiene nada que ver. Está muy bien tener a actorazos que respalden tu trabajo delante de la cámara y que entiendan tan bien lo que quieres transmitir... Espera, a lo mejor sí que tiene más importancia de lo que creemos.

Gondry, además de narrarnos con delicadeza y precisión la historia, consiguió algo muy difícil, o al menos eso se siente al ver la película. Consiguió una unión sin igual, en la que todo el equipo, técnico y artístico, entendió lo que Gondry y sus coguionistas querían decir. 

La historia que se nos narra es tan humana como necesaria. Trata un tema muy interesante y del que todos somos dependientes e incluso hemos imaginado conseguirlo. 

Tengo que decirlo o reventaré, la película tiene una puesta de escena  milimétrica y una fotografía alucinante. Es decir, los movimientos de cámara, las posiciones de los actores, el decorado, la posición de las luces... Todo funciona como maquinaría de relojería para conseguir unas elaboradas transiciones entre escenas que te llevan a ese espacio onírico y necesario de la historia. En serio, perdón que me repita, pero son al corte. Son perfectas. No te sacan en ningún momento de la película.

Ya está. No quiero escribir más. No quiero hacer ningún spoiler. No quiero contar nada de lo que trata esta película. Solamente quiero animaros a que la veáis con todas las ganas posibles. A que la descubráis, ya que en su momento la gente salió muy disgustada porque esperaba otro tipo de película teniendo al bueno de Jim Carrey al frente.

Os tengo que pedir esto, por favor: "Abrid la mente. Estáis a punto de descubrir una maravilla. No es una simple peli de amor".

Puntuación: 9/10

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La cinta blanca

La cinta blanca, 2009

La Alemania de principios del siglo XX.

En esta película Haneke suelta todas sus pasiones y “locuras”, en blanco y negro. Transmite una dureza real que hace que en ocasiones veas los colores de la imagen.

El uso del fuera de campo es muy bueno, pero excesivo. La inclusión de subtramas, dentro de tramas y de nuevo subtramas, debería no hacerte perder la tensión y mantener el interés, pero... Las tramas son sórdidas, te llevan a lo más oscuro del ser humano. Aunque hay que decir que las historias están en un segundo plano intencionadamente, es decir, a Haneke no le interesa contar ficciones, quiere que veamos cómo eran las primeras generaciones de Alemania y cómo les educaban.

Esto te puede interesar más o menos, pero en mi opinión, no funciona. Es decir, para mi no funciona en el sentido de que no necesito unas historias dentro de una ficción costumbrista (cómo por ejemplo, “La Dolce Vita”) para que me narren cómo era la vida a principios del siglo XX, y menos aún cuando esas historias no tienen ninguna finalidad. 

Sin embargo, la puesta en escena es increíble, la fotografía es magnífica. Tiene planos muy bien hechos, prácticamente son cuadros. 

He podido investigar que el filme tiene la premisa, de mostrarnos a la generación que decidió abrazar al nazismo. Además de explicarnos de una forma excesivamente simplista (al menos para mi entendimiento) que la culpa fue de la educación que recibieron (de los padres), en el sentido de que su destino, al haber sido educados con violencia, era la de engendrar más violencia. Así llegó el nazismo. 

Dicho esto, merece la pena su visionario para disfrutar de la fuerza visual que tiene Haneke.
Consejo: Poned máxima atención para poder disfrutar del filme.

Puntuación: 6/10

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Corazonada

Corazonada, 1981

Fotografía y puesta en escena.

Francis Ford Coppola, nos trae una historieta de amor romántico, edulcorado con una banda sonora fantástica (aunque en algún punto se puede hacer repetitiva) 

Es una película que trata de dar una vuelta de tuerca al género musical. Tenemos baile sincronizado, música extradiegética, aunque nuestros personajes interactúan con ella. 
Tenemos un romance fatal, de los que vienen y van. Incorpora también algún gag que fuerza una sonrisa e incluso alguna carcajada. 

Es decir, tenemos un montón de elementos que no son fáciles de alinear para que funcionen y, en gran parte de la película, desgraciadamente, no funcionan. Bajo mi punto de vista es bueno intentar hacer una película diferente, y aquí se nota que se ha intentando no dar al público una película más. Se agradece, aunque sería mejor que hubiese quedado bien.

Ritmo es verdad que no le falta, gracias a la puesta en escena. Pero como va moviéndose entre los diferentes géneros y no consigue aunarlos todos o darles coherencia dentro del género musical, pues alguna escena queda rara. 

Lo más apabullante que tiene el filme es la puesta en escena. Realmente está pensada para un gran musical, con la cámara libre para que se mueva allá donde se la necesite y con una sincronización de iluminación milimétrica, es precioso. Se podría decir (y lo voy a decir) que la fotografía es un personaje más de la película. Se te queda ese regusto amargo, ya que tiene este elemento tan maravilloso, pero falla en todo lo demás. 

El cuarteto actoral también deja mucho que desear. No parece que haya química entre ellos, ni siquiera entre los personajes "enamorados". Parece que siempre van por detrás de los demás elementos, supeditados a ellos. La actuación no termina de arrancar nunca. El único que está gracioso o puede ser el único que entiende a su personaje y su motivación (o incluso al único que le han explicado de qué va la peli) es Raul Julia (La familia Addams, 1991); al menos está gracioso.  

Lo dicho. Para mí, viniendo de Coppola, se me queda corta o no consigo conectar con todos los elementos que me oferta la película. Lo dicho, lo que me enamora del filme es su apabullante puesta en escena y su fotografía, es hipnótica.

Puntuación: 6/10

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Fleabag

Fleabag. 1ª y 2ª Temporadas

Maravillosamente sublime.

Hoy os traigo una serie original que podéis encontrar en Amazon Primer Video. Realizada en colaboración con la BBC Británica.

La serie está ambiente en el Londres actual, con personajes del día a día, con problemas, situaciones, complejos, risas, miedos, logros, destrozos... Y que todos hemos sentido en nuestras propias carnes en cualquier momento de nuestra vida. Estos son los elementos que la hacen especial. Los plantea y los pone sobre la palestra (exagerados humorísticamente) para que podamos disfrutarlos y ver desde otro punto de vista las posibles soluciones que no se nos habían ocurrido.

La creadora y personaje principal, Phoebe Waller-Bridge, es divertidísima. Consigue con sus gestos, muy sutiles, transmitir un abanico de emociones de forma espectacular.

Uno de los elementos más peculiares de esta serie es su ruptura continua de la cuarta pared. Muy del estilo de Woody Allen (evidentemente) aunque llevado a otro nivel y con una soltura especial. ¿Soy pretencioso al decir que incluso cómo es orquestada cada una de las rupturas de la cuarta pared, es mejor que cualquiera que haya hecho Allen? Es evidente que sí y es inequívoco que Phoebe Waller-Bridge mama del estilo Allen, aunque consigue otras reacciones que su predecesor no consiguió.

Podréis pensar que "romper la cuarta pared" supone un ritmo lento de la serie. Pues os equivocáis. Son capítulos de 20 minutos, muchos de ellos autoconclusivos  (aunque consigue que todos tengan relación entre ellos). Son rápidos. Son dinámicos.  El montaje es trepidante. Comentar también que los gags de romper la pared tienen dos funciones: La primera sería darle coherencia a los "soliloquios". La segunda función es primordial. Es darnos a nosotros, al público, la entrada a la escena. Para mí, es como si fuéramos un personaje más. El personaje omnipresente que seguimos a nuestro personaje principal en su vida (o sus aventuras, más bien). Esto queda evidenciado en el perfecto último plano de la serie. Cómo con dos gestos deja claro lo que han significado los 12 episodios anteriores. Es maravilloso.

No os quiero aburrir mucho más, ni quiero que penséis que soy excesivamente pretencioso. Espero que disfrutéis muchísimo y que conectéis con la serie.

Puntuación: 9/10

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El crack

El crack, 1981

Nace una manera de narrar.

Garci se inspira en el cine negro y en el policíaco clásico estadounidense, para darle cuerpo y carácter patrio a este sublime filme.

No es ser presuntuoso, es ser realista. Esta película puede llegar a marcar un antes y un después en la cinematografía española, al menos en el género "thriller".

Si bien es cierto, he dicho que tiene esa inspiración del cine negro, dado a sus personajes tan arque-típicos y que tienen siempre una función, un destino, una finalidad ineludible, por mucho que intenten evitarlo.

Aún así, aún siendo una película que se acerca mucho a un género específico, marca una nueva corriente, generando tramas y situaciones que no son las clásicas en este tipo de filme.

Además, al abordar los temas de actualidad del año '81, que nadie antes había tratado en otras producciones, Garci convierte a esta película en rompedora marcando una tendencia y una nueva era en el thriller español.

Lo importante es la forma de narrar y la forma en que el señor Garci planta la cámara y distribuye a los personajes en el set. Son secuencias fluidas y no por ello excesivamente fragmentadas o con muchísimos planos. Usa los planos según su necesidad específica narrativa, sin un sobre uso de elementos o recursos que funcionen. Esto hace que, finalmente, la narración siempre fluya hacia adelante y, lo que es mejor, la trama sobre el papel podría parecer difusa o algo complicada de entender, pero gracias a los elementos citados se consigue que visualmente sea potente y, con los recursos necesarios, nunca pierdes información que debe ser útil en siguientes escenas.

Todo esto además, está capitaneado por Alfredo Landa, un magnífico genio de la actuación que con su apariencia ataráxica, inexpresiva; genera una tensión sin igual. Por otro lado, cumple la tradición de los grandes actores "buenos". La teoría (casi es una regla) marca que si estás encasillado en ser el "bueno", el "héroe", cuando te den un papel para hacer de "malo", lo harás maravillosamente y te terminarás de consagrar. Es cierto, que aquí Alfredo no hace de un personaje malo clásico, pero sí que es cierto que no es el arque-típico de buenísimo que venía haciendo en su trayectoria. Lo que denominaríamos hoy día como el antihéroe.

Ahora, por favor, disfrutad muchísimo de la fotografía de esta película. Está tremendamente bien fotografíada. La imagen de Madrid, transciende la pantalla y consigues situarte a principios de los ´80. El Madrid del principio de la movida. Increíble.

Puntuación: 8/10

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La trinchera infinita

La trinchera infinita, 2019

Un buen recuerdo de una mala época.

Parece que no nos vamos a librar de películas sobre el siglo XX español. Sobre todo, del período que abarca desde el 1936 hasta el 1975. El problema viene con que hay una obligación moral de recordarlo. 

Digo esto, porque hoy día una película que trate sobre estos asuntos siempre viene catalogada, por un ala bastante gritona de la sociedad (y del Congreso), con sobrenombres de: <<Otra película de rojos>>, <<No dejarán descansar a los muertos>>, <<No hay que remover el pasado>> y un tedioso y cansado etc. 

Todo esto podría ser razonable. Podría ser válido el dejar de hablar de una época horrible y que solamente trajo dolor y sufrimiento al pueblo español. Aunque, me temo que me tengo que repetir, moralmente no se puede. No se puede por ese ala que grita y chilla para acallar voces y relatos sobre un período de tiempo importantísimo y que aún hoy día no se ha superado, porque sigue siendo tabú en muchas cenas, porque sigue habiendo muertos en cunetas y porque sigue habiendo gente que niega la existencia de todo esto. Es por ello que se deben seguir haciendo estas películas y se deben mostrar con toda la dureza y realidad que haya en ellas.

Es por esto, que esta película es necesaria en los tiempos que corren. 

De todos es sabido que hubo personas topo. Personas que estuvieron enclaustradas en sus casas esperando a que la tormenta pasase. Esa tormenta pasó y muchos de ellos salieron a la luz y simplemente quedaron en el recuerdo como: <<Esas personas que estuvieran ocultas en sus casas>>. 

Bien, pues esta película les da, e incluso les devuelve, un poco de esa dignidad pérdida. Habla de todos los temas. De todos los asuntos que se debe abordar en un asunto como este y lo hace sin tapujos. Yendo directos al grano. Crudo.

El guión, está bien armado. Trata los diferentes temas, cada uno desde un ángulo distinto y en sus momentos justos. Con las palabras medidas y los movimientos precisos.

Aunque, dónde cobra todo más sentido es con la dirección. Esta película es un caso rarísimo dentro de la historia del cine, ya que la dirigen y la firman tres directores distintos Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga. Hay películas que por problemas en la producción la han dirigido en diferentes momentos distintos directos (como es el caso de El mago de oz); pero este caso la han dirigido y firmado los tres. Los cuáles hacen un trabajo muy bueno, sobre todo para dar esa sensación de agobio y claustrofobia dentro del doble fondo de la pared. Utilizan ópticas y movimientos precisos que no amplían el espacio, ni generan la sensación de decorado forzada. Parece que estás realmente ahí metido. Que notas la respiración de nuestro personaje en la nuca.

La fotografía está bien conseguida. Con las luces de las velas, las antorchas, los fuegos de cocina... Se consiguen bastante efectos interesantes y una iluminación muy realista. Más allá de que estemos en un estudio. Corre a cargado por cierto de Javier Agirre Erauso, que ya hizo Handia, El cazador de dragones o Skizo (película que recomiendo), entre otras.

Por último mencionar a Antonio de la Torre y Belén Cuesta. Resplandecen ambos. Ambos son el toque final a este melodrama. No se puede hablar mal de ellos. Simplemente son geniales.

No os ocupo más espacio. Simplemente comprended que la historia que se cuenta es para entender una época.

Puntuación: 8/10

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La noche del cazador

La noche del cazador, 1955

Efectivamente es un tesoro.

En 2020 ver ésta película es revisar una película considerada de culto. Una película que debe ser vista y entendida para comprender lo que dio a la historia del cine y como diferentes autores fueron captando de ella esencias, puestas de escenas, fotografía, interpretaciones... 

Es decir, vista hoy, con ojos de hoy, lo primero que puedes pensar y decir es que ya lo has visto. Ya te has deleitado con películas de este mismo genero o misma premisa. Algo que realmente es cierto, pero igualmente hay que ver y disfrutar de este cine clásico que nos dejó Charles Laughton.

Y digo disfrutar, porque la película es completamente visual. La trama principal se podría entender perfectamente desactivando el sonido de la televisión y dejar que las imágenes en blanco y negro te inunden los ojos. Son unas imágenes muy consistentes y muy duras para el espectador. Ya no es el montaje que se hace de ellas, es la puesta de escena prevista por el director lo que hace captar la atención del espectador e impide que te despegues de ella.

El actor principal, Robert Mitchum, le pasa un poco como a Denzel Washington (por poner un símil moderno), si revisas su filmografía prácticamente siempre había hecho de bueno de la película. Del pistolero valiente y heroico. Aquí le dejen ser el maldito hijo de pu**, lo cuál hace que esté completamente a gusto. Suele ser curioso que a los actores acostumbrado a un papel "heroico" cuando les dejan ser los villanos se redescubren y se terminan de consagrar.

En este caso, realmente Robert Mitchum está complemtamente sobresaliente.

La fotografía de la película es impactante. Juega muchos con las sombras bien marcadas por un fondo completamente iluminado, lo que da más incomodidad al espectador. También el juego que da con el campo vs. la ciudad; esto último quiero darle una vuelta más y que os fijéis bien al verla (o al revisionarla). Con la fotografía se consigue que el campo parezca, un lugar idílico, preciosos paisajes, todo idílico, todo lleno de luz. Mientras que, la ciudad luz es oscura, tenue, llena de grises, dónde solo pueden pasar cosas malas. 

Esto estaría muy bien si luego las acciones de los personajes fueran en consonancia. Fijaros muy bien, porque es muy interesante como hace el juego el director y es completamente intencionado.

Así que, aquí os dejo para que le deis una oportunidad a este cine clásico que en su momento fue masacrado por crítica y público. No gustó a nadie, pero a día de hoy es una obra imprescindible.

Puntuación: 8/10

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¿Dónde está mi cuerpo?

¿Dónde está mi cuerpo?, 2019

La magia del dibujo.

El estilo tan personal que tiene esta historia hace que las personas que son capaces de conectar con él encuentren elementos tanto bonitos como naturales. Es un relato que va del melodrama a la fantasía, enredándose por medio en una comedia romántica. Lo cuál a priori parece que no funciona por separado, pero sí lo hace en el conjunto global de la película.

Si bien es cierto, el tema, es decir, la línea genérica de la historia, tiene sus grandes peros. Por ejemplo, las  secuencias hechas por y para los amantes de la lágrima fácil, y situaciones que son demasiado densas o muy llevadas al extremo para que tengas un debate interno y decidas tú por quién debes sufrir. Para eso, y esto es algo bueno que encuentro, tiene el género fantástico como base; para que esas secuencias se encuadren de forma homogénea con el resto.

La realización genera unas imágenes muy bonitas, además de una coherencia visual que salta entre las líneas temporales uniendo, sin ningún pudor, todo el universo y dándole veracidad a la historia.

No es que tenga la mejor animación de Pixar o quiera ser lo más realista posible. Tiene la animación que debe tener. La animación es perfecta para la historia (esto lo podríamos decir si se hubiera hecho en real life, pero al hacerse en animación... Se salva).

Lo que sí es cierto, es lo poderosa que es su banda sonora. Es el toque final. La última pata. Las sensaciones e incluso los sentimientos que se transmiten solamente a través de las notas de esa banda sonora. Es de esas bandas sonoras que se te quedan y cuando luego lo escuchas en tú habitación puedes recordar cada frame de la película.

En momento podremos pensar que es una película muda, aunque no debemos olvidar que el cine es un arte visual y que los diálogos son meros acompañantes.

Por lo que, os dejo que disfrutéis con esta genialidad.

Puntuación: 8/10

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Las brujas de Zugarramurdi

Las brujas de Zugarramurdi, 2013

El retorno de Álex de la Iglesia.

No quiero decir que el señor De La Iglesia haya estado en otro mundo y que su cine no haya sido relevante ni bueno. Me refiero a que desde <<La Comunidad>> su cine había evolucionado de una manera distinta a como había empezado.

Se habrá podido equivocar o probar nuevas cosas, a nadie se le puede reprochar eso, sino que le faltaba una chispa, le faltaba un toque que tenía al principio, pero que decidió apartarlo para hacer otro tipo de films. Trató de recuperarlo con <<Balada Triste de Trompeta>>, pero no tenía a su lado a Jorge, lo que hizo que el guión colease y no llegase a ser redondo del todo. Lo que nos trae aquí, al resurgir de sus cenizas. En esta película Álex vuelve a sus orígenes, donde todo puede pasar, una comedia delirante y además con un guión tremendo, lleno de giros, gags y diálogos memorables incrustado en el mejor momento.

Una simple, y digo simple aposta, sinopsis de esta película sería: <<Una serie de brujas se topan con los hombres más tontos de España y deciden jugar con ellos.>>

Como director Álex de la Iglesia cuenta ya con todo el apoyo de productores y personas a su cargo. Así consigue los efectos que consigue, hacer un film a la altura de <<El Día de la Bestia>> con un presupuesto muy, muy decente y unos resultado apoteósicos. Hasta el monstruo final es creíble. 

Técnicamente es maravillosa, la estética bien conseguida en ningún momento desentona ninguna secuencia. Los planos y los recursos que utiliza durante el metraje son increíbles, los explota de forma muy potente y consigue resultados demasiados buenos que no nos cansamos de ver. Todo cuadra. Todo encaja. Todo funciona.

A cargo del guión está tanto el señor De La Iglesia como el gran Jorge Guerricaechevarría, el cual, se vuelve a reivindicar como gran escritor, dialoguista y genio de lo imposible. Es increíble lo que imaginan estos hombres juntos y lo que son capaces de plasmar en sus guiones. Un guión sin agujeros, que se aguanta solo y es totalmente creíble. Lleno de comedia delirante, donde todo puede pasar y que todo lo que pasa no te sorprende (porque es de estos dos señores), pero a la vez te sorprende (porque no esperabas que fueran tan lejos).

El reparto sin duda da la talla. No soy un gran defensor de Mario Casas, pero está hasta bien en la película y ni se quita la camiseta, impresionante. Por otros lados, Hugo Silva como tipo duro casi bueno, está bien. Pero destacar siempre a las mejores chicas marca De La Iglesia, Carmen Maura y Terele Pávez; están maravillosas y cuando trabajan con Álex se desatan o es él el que las dice que se desaten no sé, pero tienen un plus que en otros films no se les pide y son fabulosas. Buena pareja de polis, los señores Secun de la Rosa y Pepón Nieto. Y como las mejores brujas Carlos Areces y Santiago Segura, saldrán en dos secuencias, pero menudas dos secuencias se marcan las señoras. El resto del reparto están a tono, nadie se desmarca más de la cuenta y no desentonan, como puede ser Carolina Bang, que vuelve a ser una chica “Bond”.

Aunque ya lo he comentado, me gustaría destacar la estética de la película con su fotografía, utilizan un contraste muy fuerte y poco dinámico, lo que hace que el filme sea más oscuro y con una carga de color muy concentrada. Esto consigue que la película destaque la oscuridad de los actos y los sucesos que se acontecen.

Simplemente terminar diciendo que, siempre parece una película para tíos, pero es un humor muy inteligente que, aunque haya muchos diálogos o comentarios un poco machistas (por decirlo de alguna manera) llega a ser la reivindicación de la mujer, en el sentido de: “Veis como se merecen esto”.

Y poco más que añadir, salvo que al final, el final (siento ser redundante) con ese final podría ensombrecer la película, pero es tan buena que se puede llegar a perdona.

Muy bien hecha. Bravo Álex, bravo.

Imprescindible.

Puntuación: 9/10

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Basic

Basic, 2003

Ejemplo de giros de guión.

El film, en un comienzo, parece un típico relato del ejército. Pero acaba siendo una película bastante decente y, porque no decirlo, muy interesante. 

Es más, no me atrevo a daros una sinopsis, simplemente os comento que el relato central se basa en la resolución de unos crímenes acontecidos en una expedición rutinaria del ejército.

John McTiernan (Jungla de Cristal, 1988), director de esta obra, vuelve a demostrar que los filmes de acción son lo suyo. No deja la cámara quieta, lo cual, hace que el ritmo no decaiga. También produce nerviosismo e intranquilidad porque, todo está en movimiento todo el rato. Incluso la historia, se está movimiento, está cambiando. Todo transcurre de una manera tan normal como a la vez trepidante. Hay buenos alardes técnicos y cumple la regla de mostrar todo, lo que se agradece para ir teniendo claro cómo se están desarrollando los acontecimientos.

El guión de James Vanderbilt, es bueno. Está creado de forma que todo confluya en sus giros de guión. No os voy a decir cuántos tiene, pero los suficientes como para volverte loco. Además están bien hechos porque, no pasa el tiempo suficiente entre uno y otro para que te pienses que es el final. Lo cual, se agradece porque, sino, parecía demasiado artificioso todo. Bien es cierto que lo que tiene la película es eso, historia. Los personajes no tienen un trasfondo, no tienen fondo, es decir, son lo que son, personajes creados para desarrollar una historia sin que los personajes sufran alteraciones. Aquí es donde más flaquea el guión, todo está para y por la historia, los personajes son estándar para el correcto funcionamiento de la  narración, no esperéis grandes elucubraciones ni un trasfondo del ejército como en otros filmes.

El tándem Travolta y Jackson, vuelve a funcionar, apenas están juntos en la pantalla, pero ambos lo bordan en sus respectivos papeles.

No se puede hablar mucho de las actuaciones, ya que no dan más de sí, todos tienen un persona (un papel) cliché y  el propósito del guión y de los personajes es narrar un hecho, sin cambios en sus personalidades ni grandes revelaciones en sus vidas, simple y llanamente es el entretenimiento.

Bien es cierto que tiene una imagen muy bien cuidado y un ritmo muy fuerte. Las secuencias se alternan y esto hace que en ningún momento te duermas. Al final estás atento para armar todas las piezas del puzle indescifrable. Pero, lo mejor de todo, el juego que hace el director con el espectador, desde el primer frame hasta la última frase.

Destacar la música, que me ha encantado y la ambientación. Todo negro, lluvioso, intrigante..., maravillosa fotografía, en la que la imagen bien contrastada hace un buen papel, eso sí, sin necesidad de hacer la imagen extremadamente mate o excesivamente colorida, tiene el perfecto toque de cine negro.

En conclusión, un buen filme de acción y thriller; que se mantiene a flote gracias a su historia que nunca sabrás por donde saldrá.

Puntuación: 7/10

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La bruja novata

La bruja novata, 1971

Un cuento de hadas..., mejor dicho de brujas.

En plena guerra mundial, los Nazis intentan invadir Gran Bretaña a toda costa, pero una inglesa de pura cepa se lo impedirá valiéndose de un antiguo hechizo. Breve sinopsis (y escueta) de este gran clásico de Disney.

Robert Stevenson vuelve con Disney, y vuelve hacer un gran trabajo técnicamente, como ya hizo en Mary Poppins. Técnicamente la película es magnífica, como interactúan las personas con los dibujos, es francamente increíble, que incluso en pleno siglo XXI no se consigue. Siempre es verdad que las películas de Stevenson son dignas de estudio y aprendizaje, ya que como director, cuenta perfectamente una historia fantástica, de cómo pudo ser el Londres de esa época y como una mujer intenta que los niños se olviden de la masacre.

La historia es fuerte y tenaz. Tiene mucha personalidad y cuenta con un humor inglés fantástico, dejando momentos completamente imborrables, con gags tanto para mayores como para los pequeños.

El guión de Bill Walsh y Don DaGradi es muy cómico. Además es muy visual. La historia está pensada para ser completamente visual y absorbente; con el ritmo que lleva dentro de las secuencias, con las grandes grandilocuentes, los juegos de palabras, las situaciones que viven las personas que son tan importantes. Por decirlo de alguna manera, tiene de las mejores analogías para comprender como un niño (o una sociedad) se enfrenta ante una guerra terrible y cruel.

Después tenemos la parte imaginativa y fantástica, metiéndonos en todo el mundo de los dibujos en perfecto tecnicolor y con unos fantásticos chistes y situaciones generados solamente para aprender a reírnos de nosotros mismos.

Un elenco magnifico, encabezado por una Angela Lansbury que esta magnífica que se presta a todo con una gran sonrisa. Y acompañada de David Tomlinson que siempre te arranca una sonrisa. Los chavales, Cindy O'Callaghan (Carrie), Roy Snart (Paul) e Ian Weighill       (Charlie) tienen buena química entre ellos y nos dan la sensación de familiaridad, todo lo que pasa con ellos es común y nos suena. También hay otros secundarios con un gran carisma y sus momentos mágicos como, Sam Jaffe, haciendo del Librero.

En general, se podría decir que es una película de Nazis, bueno al final salen, pero es mucho más. Tiene risas, acción, aventuras, romances..., de todo. Es una película clásica de Disney, ya no solo por los años, sino porque tiene sus momentos más tristes, más duros, seguidos de una parte musical, llena de color y de movimiento, con canciones que nunca te podrás quitar de la cabeza. En el fondo, intenta recrear la parte más amable de Londres de esa época, es muy poco negra, siguiendo la estela más Hollywoodiense y menos inglesa; Al final, consigue ser una buena comedia-musical, que entre otras cosas, tiene momentos memorables, ya sean jugando al futbol con animales de dibujos (realizados a mano uno a uno) o por ver a un ejército de fantasmas ahuyentando a los horribles Nazis.

No voy a ser más repetitivo, por favor, ya no solo la fotografía y el color de la película, si no, la forma de incrustar lo real con lo fantástico (los dibujos), está muy bien hecho.

Puntuación: 7/10

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Volver

Volver, 2006

Castilla-La Mancha en estado puro.

Se podría realizar una sinopsis o un breve resumen del film, pero sería absurdo, ya que la película tiene una historia principal, la cual nos muestra y nos enseña tanto que al final queda relegada a un segundo plano y no molesta que se quede ahí.

Pedro Almodóvar una vez más vuelve a sorprender, tanto en la dirección como en el guión (que es lo a lo que nos tiene acostumbrados). Almodóvar funciona así y se nota en su filmografía y en cada una de sus películas. Él organiza la película a la vez, la planifica sabiendo cómo la va a rodar y cómo la está escribiendo; podrá después improvisar en el rodaje o añadir gags o diálogos, pero él en su cabeza sabe que como funciona y qué debe funcionar. No en una edición, ya que los montajes de las películas de Almodóvar son muy convencionales, aunque todo lo que se narra dentro no es nada convencional.  

La forma de narrar, de irnos contando la historia, es muy inquietante, ya que siempre te quedas con la duda o con la angustia de no saber si todo lo que ves es todo lo que tienes que ver. He aquí la cuestión, no es una película con trampa, es una película que te va dejando pistas de lo que va a suceder a continuación y siempre te deja con ganas de seguir viendo y de saber que está sucediendo. 

Técnicamente, como suele ser habitual, no se vuelve loco, aunque bien es cierto que es una película muy planificada, coloca a los actores de manera magistral para crear los  gags de humor como situaciones tensas, escalofriantes, que merece la pena estudiarlas.

El elenco es magnífico, qué digo magnífico es fundamental para la película. Capitaneados por el mejor papel que ha hecho Penélope Cruz en toda su carrera fílmica, consigue una Raimunda real y profunda (increíble como exprime Pedro a esta actriz), una mujer hecha y derecha. La persigue Carmen Maura, un fantasmagórico personaje que hace que te rías, sufras, te ilusiones y que deseas que se te aparezca en cualquier momento. Lola Dueñas y Blanca Portillo, rematan el casting y, francamente lo bordan.

Destacar a Blanca Portillo y sus besos de abuela, que son así, así son los besos de abuela del pueblo, de los de toda la vida, de los que nunca nos cansamos de recibir.

Como detalles a destacar, me gustaría que nos fijáramos siempre en el color rojo de las películas de Almodóvar, debería existir ya en colorimetría el "rojo Almodóvar". Y la BSO, la cual acompaña siempre las situaciones más cómicas e incómodas.

Poco más que decir, de las películas más íntimas y personales de Pedro Almodóvar, un filme plagado de sentimiento manchego y apego a lo familiar, que lo hace tan universal que cualquiera podemos vernos representados sin darnos cuenta y soltar esa lagrimilla inimaginable. Es una maravillosa adaptación del mundo rural, del mundo que lo rodea y del Madrid más duro y pobre.

Imprescindible.

Puntuación: 8/10

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