La novia

La novia, 2015

Dura, como no podía ser de otra manera.

La novia relata la historia más vieja del mundo, en la que, una mujer es arrastrada hacia un hombre cuando ella no siente lo que tiene que sentir y, el destino, es amargo con estos sucesos.
Ambientada en una España (Andalucía bajo mi punto de vista) profunda y anticuada, o no tanto tal vez… Se desarrollada esta adaptación de la obra de Federico García Lorca "Bodas de Sangre"; narrada y desarrollada con altibajos, sobre todo, en aspectos técnicos que luego comentaremos, pero todo salvable por la profundidad, la transcendencia y la amargura de lo mostrado.

Paula Ortiz (De tu ventana a la mía, 2011), dirige y no dirige a este barco que no va a la deriva, ni por muchísimo menos, pero falla en aspectos tan básicos que me molesta tener que comentarlos. Sufre de un mal, la falta de planificación o de una mala puesta de escena frente a cámara, es decir, la directora dirige de manera formidable a su equipo de actores, es una directora de actores, a los que exprime y les obliga a amar todos los monólogos, frases, palabras (aunque sean amargos), para que nos brinden unas actuaciones dignas del mejor teatro. Su fallo viene al colocarlo delante de una cámara, tiene muchos saltos de eje que son incomprensibles, falla al posicionar de forma idónea a los actores en el plano, como lo digo, son errores técnicos de primero de cine, algo que serían imperdonables si de verdad no dirigiera tan bien a los actores. Les hace moverse como ella desea, les hace darlo todo antes una cámara un poco perdida, pero como lo narrado finalmente es tan impactante, se convierte en digno de verse y borra prácticamente todo lo anterior.

La película sería de 10 si la señorita Ortiz supiera colocar y mover la cámara, se salva gracias a manejar tan bien a sus actores.

El guión, mejor dicho la adaptación, corre a cargo de ella y de Javier García Arredondo. Le cogen prestado los versos, y la historia al gran Lorca, para generar y adaptar su obra a una atemporalidad tal, que no se sabe si es principios de siglo, mediados o incluso ayer y salió en las noticias. Es fabuloso como manejan los tiempos, las palabras dichas, los textos medidos, para que todos digan lo necesario para que avancen y no se quede la historia en más que un triángulo amoroso. Se ve que es lo importante para cada uno de los contendientes, que no solo se queda en el triángulo amoroso, trasciende hacia los padres, la familia, las gentes…, todo es importante, todo es necesario para la comprensión global del mundo en el que se desarrolla este dramón. Con toda su crudeza. Incluso como utilizar un simple cristal para generar unas metáforas tales que sobrecogen el alma cuando son asimiladas.

Es una película para y por los actores, pena que haya fallos de cámara y, en algunas escenas ellos pierdan un poco, pero son capaces de salvar esas partes y, abrazan a su directora y le regalan unas interpretaciones que solo serían emulables encima de unos escenarios de la Gran Vía. Al timón de este barco sin retorno se

encuentra la magnífica Inma Cuesta (Primos, 2011), este papel la encubra, no solo porque no parezca no saber cuál es su sitio, si no, porque ese es su papel; ella se mueve al son de lo que tiene que hacer (de lo que le han dicho que haga), pero solo ella y su destino saben lo que les depara. La pareja de machos, que se enfrentan por su amor son dos fieras, Asier Etxeandia (Musarañas, 2014) y Álex García (Kamikaze, 2014), tan distintos en apariencia, que quedan magníficos en pantalla como los rivales predilectos. Luchan no solo con los puños, si no, con sus hechos, sus palabras, sus miradas destructivas; que da lástima que no estén más tiempo juntos en pantalla. Pero, la gran triunfadora de la noche es Luisa Gavasa (Para Elisa, 2013), nos deleita con una maravillosa interpretación llena de odio y  de melancolía por algo que tuvo y no pudo ser.

Hay que detenerse para destacar el maravilloso trabajo de fotografía, dirigido por Migue Amoedo. Una fotografía tan cuidada, tan medida (solamente descolocada en algunas secuencias mal dirigidas), pero con una colorimetría tan dura, tan contrastada, como es requerida por la historia, que acompaña tan bien al relato, como sus localizaciones, otra de las claves de que el filme funcione tan bien, unas localizaciones, que de verdad no sé de donde son, pero parecen creadas para desarrollar la película. Y, es esto lo que quiero destacar, como la fotografía y las localizaciones, son las representaciones vivas del guión, algo que podría contarse con palabras, en este caso tan bien se narra gracias a la fotografía y al lugar, hecho que no siempre ocurre en las películas o que no terminan de casar tan bien como es este caso, en el que los tres ejes muestran, la dureza de la vida, lo crudo, lo dramático que es vivir y tomar las decisiones equivocadas o que otros tomen esas decisiones por ti.

Simple y llanamente, sobrecogedora.

Puntuación: 7/10

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Qué difícil es ser un dios

 Qué difícil es ser un dios, 2013

La dura vida del espectador.

La labor de un crítico es expresar una opinión sobre una película, restaurante, disco de música, obra de teatro, etcétera.

Pero, a veces, la misión de un crítico es evitar que alguien lo pase mal, pierda dinero y tiempo. Esto es lo que pasa con “Que difícil es ser un Dios”.

A los responsables de esta película le respondería que ser espectador también es a veces más difícil que ser un dios, como en este caso.

Si algún espectador cinéfilo con un poco de curiosidad ha visto el tráiler, puede pensar que es una especie de hermana o prima de la brillante “El séptimo sello” de Bergman. Nada más lejos de la realidad.

“Qué difícil es ser un dios” es un catálogo de escatología. Una película en blanco y negro con un argumento, a priori interesante, pero que no da para las tres horas que dura esta película.

El argumento se puede resumir en un grupo de astronautas que llegan a un planeta en el que sus habitantes viven en la Edad Media y uno de ellos es confundido con un dios, y ya está.

Si ya de por sí la trama no avanza o no da la sensación de avanzar, los diálogos no tienen sentido y los personajes son planos y huecos, hay que sumarle una verdadera exposición de guarradas que van desde excrementos hasta la violencia más injustificada y menos divertida de la historia. Y no, el hecho de estar rodada en blanco y negro no hace que sea más artístico, ni más estético, ni siquiera más original.

Por otro lado, la película está rodada de una forma curiosa o rara, con personajes que hablan o miran directamente a la cámara sin romper la cuarta pared o que ponen algún objeto delante del objetivo, tapando medio plano, y con una gran cantidad de planos secuencias, que quedan lejos del virtuosismo narrativo necesario para que brillen en pantalla. Dejémoslo en que la dirección es “curiosa”.

La película tiene, por increíble que parezca, cosas salvables, como son su gran fotografía que queda mucho más bella con el uso del blanco y negro, un gran trabajo de ambientación con elaborados y efectivos decorados, vestuario y demás.

Respecto a las interpretaciones, supongo que estarán bien o no porque sencillamente el personaje es un ser despreciable y desagradable que interactúa, y maltrata sobre todo, a otros personajes. Supongo que, si esa era la intención del actor y del director, pues enhorabuena.

Finalmente, en las tres pesadísimas horas que dura esta película y de la que tuve que hacer un esfuerzo sobrehumano para no irme de sala, varios espectadores abandonaron la sala y muchos de ellos, antes de salir se preguntaban en voz baja qué hacían ahí.

Porque muchas veces es muy difícil ser un espectador.

Gerardo Fernández Ramos

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Nunca apagues la luz

Nunca apagues la luz, 2016

Parecía la película de terror perfecta. 

Efectivamente parecía, después de un cortometraje revolucionario, ya que utilizaba algo muy básico como generador de tensión llevado a largo, se queda corto (nunca mejor dicho).
La película no dura mucho, y menos mal.
La sinopsis se condensaría en una familia americana desestructurada que es acosada por un ser demoníaco al cual deben vencer juntos.
Venga, vale, así contado parece que es la típica película de terror americana de una casa encantada, pero esa película no se queda solo en eso, intenta ahondar en problemas familiares, en lo malo que es la depresión o no entender a tu prójimo, aunque la verdad es que se queda corta.

Su director, David F. Sandberg nos deslumbró con su cortometraje viral capaz de quitar el sueño a cualquiera. Aquí ha tenido sus comeduras de cabeza para crear espacios y situaciones donde jugar con su mejor truco el de apagar la luz e instantáneamente ver una sombra perturbadora. Es repetitivo, sí, pero no significa que no sea efectivo. Algunas se quedan cortas o demasiado monótonas, pero ahí estás con la tensión, con la cosilla de "¿qué pasará?" Además que tiene mínimo dos sustos claves que no te esperas, y eso es de agradecer siempre en películas de terror.

El resto del filme se desenvuelve de una forma correcta, sin demasiados giros, ni demasiadas petulancias técnicas, se desarrolla y muere el filme como nació, de una forma pausada, sin remordimiento alguno.

El guión va de la mano del señor Sandberg y de Eric Heisserer (La cosa, 2011). No es un guión deslumbrante, aunque funciona como película de terror. No tiene grandes monólogos de explicación, tiene el ritmo y la explicación justa y necesaria para una comprensión tanto de los personajes como del espectador (algo de agradecer). No utiliza recursos complicados, ni nos cuenta algo excesivamente cargante que no tiene sentido, es una película de terror con tintes sobrenaturales que se mueve en el mundo moderno, al cual no tiene ningún miedo y no necesita nada más.

Eso sí, introduce el elemento de la depresión como elemento nivelador para que no pensemos que simplemente existe el monstruo, sino que está ahí por algo y alguien, no queda del todo bien encajado, pero es otro elemento más que da forma a la historia.

Su elenco no es demasiado complejo, pero utiliza actores solventes. La película se centra en cuatro personajes y con eso se basta y se sobra, no necesita más, Teresa Palmer (Memorias de un zombie adolescente, 2013), que hace de hija medianamente equilibrada que no sabe cómo ayudar a su familia porque ella no quiere tenerla.

Maria Bello (Prisioneros, 2013), como viuda negra tiene un papelón, ya que tiene que transmitir su angustia a través de una simple puerta. Gabriel Bateman (Outcast (TV), 2016), que rompe el tópico de niño miedica e intenta luchar contra el monstruo y se rebela contra su madre para tratar de ayudarla y, finalmente, Alexander DiPersia, que se estrena en un filme como novio justiciero que hará cualquier cosa por ayudar al amor de su vida.

 

Destacar, poco tiene, pero lo dicho: los dos sustos que no son para nada los típicos, el no mostrar nunca al monstruo al cien por cien, el sonido, no la música ni la BSO, sino el sonido de pasos, respiraciones, movimientos…, es muy bueno, muy bien logrado es, a su vez, otro elemento generador de tensión en alguna que otra escena y, cómo no, el gran elemento aterrador que es apagar la luz y ver a un ser que sabes perfectamente que no es de este mundo.

Lo dicho, un filme solvente, con buenos recursos, aunque me esperaba mucho más.

Puntuación: 6/10

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Buscando a Dory

Buscando a Dory, 2016

Los trece años de espera han servido para algo.

Esta secuela de la admirada "Buscando a Nemo" no me ha dejado indiferente. Esperaba un refrito, lo digo abiertamente, pero en cambio me he encontrado con algo muchísimo mejor. Ahora es Dory la que quiere cruzar el océano para nada más y nada menos encontrar a su familia, a la cual perdió en extrañas circunstancias.

Vuelve a la carga Andrew Stanton, aunque está vez acompañado de Angus MacLane (colaborador en cortos de Pixar como BURN•E, 2008). Trece años, vuelvo a decir, han pasado desde que llegó a mis retinas la primera parte y, aunque haya crecido ligeramente un poco, me he vuelto a sorprender muy gratamente de este filme.

No solo porque salgan los personajes que más nos gustan y los volvamos a acompañar, sino porque en esta parte de la historia exploramos con ellos su propio universo, su propio mundo interior, que se suele decir. Interiorizamos mucho más en su pasado, lo conocemos, lo comprendemos y, lo más fundamental, aprendemos y crecemos con él.
Sigue siendo lo más especial que nos da esta aventura acuática, que todo sirve para seguir hacia delante, hay que: "Seguir nadando". Ya que, si nos quedamos incrustados en una duda, en una pregunta, en un suceso de nuestras vidas y, no aprendemos de él, no seguimos hacia delante, no podremos avanzar en nuestro camino... Y eso hará que no seamos realmente felices, nos hará ser pe(ces)rsonas tristes y sin historia.

El guión, es por su puesto de Andrew Stanton y lo co-escribe con Victoria Strouse (Ahora los padres son ellos, 2010).
Lo bonito del filme, ya no es solo la aventura que sufrimos, sino todo lo que dice Dory, todo lo que hace tiene su porqué, tiene su razón de ser, es decir, ella en el fondo se acuerda, es capaz de aprender, simplemente cuando se pone nerviosa o cuando se pone triste, es decir, cuando pierde de vista su camino, se olvida y no porque quiera, sino porque pierde su rumbo y no sabe hacia dónde ir.

Las nuevas criaturas acuáticas que se suman a esta segunda parte son encantadoras, desde una ballena cegata, un pulpo camaleón, incluso las focas acusadas de hacer bulling (una falacia como un templo)son maravillosos. Es verdad que en esa película no se cumple esa regla de oro de generar personajes para un fin o para que la historia principal avance, aquí hay personajes simplemente para generar un gag con el que todos nos reímos un poco y listo. Incluso con el ave de los ojos locos. Eso podría ser lo peor de la película, pero al ser los gags, bueno, se pueden personar. 

Cerramos diciendo que Pixar, consigue una buena continuación de su historia. Es verdad que tira mucho de la anterior, pero tira de ella para crear y cerrar el círculo con esta, no para explicar o por rellenar, por eso, y para mí, ambas películas están a la par. "Buscando a Nemo" trajo la innovación y "Buscando a Dory" nos trae más diversión nueva y gratamente satisfactoria.

Puntuación: 7/10

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Buscando a Nemo

Buscando a Nemo, 2003

El mundo acuático al alcance de la mano.

Es una película sobrecogedora por su audacia. No pierde valor, pasen los años que pasen, algo de agradecer, y es que Pixar es la verdadera fábrica de ideas. Digna sucesora de Disney (su alma mater) consigue enganchar los valores más Disney sin olvidarse de avanzar, ya no solo en técnica de imagen (que son prácticamente insuperables), sino en historias que suenan ya vistas, pero jamás contadas de esta manera. Y así llegamos a este filme, una aventura subacuática en la que un padre lo único que quiere es recuperar a su hijo raptado.

Los encargados de enseñarnos esta aventura son los genios Andrew Stanton (Bichos, una aventura en miniatura, 1998) y Lee Unkrich (Monstruos S.A., 2001). Nos conducen en una maravillosa película en la que los valores de la familia, de la amistad, la honradez y la valentía están muy a flor de piel. Sus personajes principales, son un clásico dúo al más estilo Gordo y el Flaco, y son los que nos amenizan las aventuras de encontrarnos con todo tipo de criaturas acuáticas nunca antes creadas tan maravillosamente.

Ya sea el revelador encuentro con las tortugas, los fantásticos tiburones o las asquerosas medusas; todos los momentos marcan a los personajes, les hacen crecer y entender su entorno para que su futuro sea mejor y conseguir superar todas las adversidades, algo que de una manera dulce y sincera es totalmente extrapolable a los niños (e incluso a los padres que les acompañan). Ese es el gran y maravilloso acierto del filme.

El guión, que como suelo decir (y escribir) en películas de animación suele ir de la mismísima mano de la dirección, está firmado por Andrew Stanton, Bob Peterson (Tarzán y Jane, 2002) y David Reynolds (El emperador y sus locuras, 2000). Todos, como podéis observar, son colaboradores de Disney desde hace tiempo, así que sabían qué querían transmitir perfectamente, pero (y esto es bajo mi prisma) el señor Stanton es el que le da la forma más Pixar, el que consigue ese puntito guay y nuevo que tienen casi todas las películas de Pixar.

Como guión, lo más reseñable es todo lo que ocurre en la consulta del dentista, descubrir a tus primeros amigos (e incluso enemigos) y, mejor aún, cómo una gaviota puede saber más del mundo que un simple humano.

No hay actores como tal, pero hay animales muy reseñables y, como venimos diciendo, todos tienen su porqué y su momento en la película, que sirve a nuestros compañeros (y a nosotros) a seguir con la fabulosa aventura, como el Maestro Raya, los atunes transformistas, las gaviotas que todo lo quieren, el crustáceo limpiador o nuestro gran pez que quiere recrear "Prision Break" en una pecera. Todos y cada uno de ellos tienen su hueco en la película, se ponen por algo y se utilizan de la forma correcta, algo no tan fácil como podría parecer.

En este caso, lo más destacable es la fotografía de la película. Generada por Jeremy Lasky, Sharon Calahan y Jericca Cleland; todos ellos colaboradores habituales de la casa del ratón. Para mí en una película de animación, si está bien hecho el agua, está bien hecha la película. Aquí claro, es prácticamente todo agua, y cuando salen a la superficie ahí se deja claro que no es el mejor mar generado por ordenador ni por asomo. Está claramente bien hecho, pero lo más destacable de la fotografía es el colorido, siempre hay color en todas las escenas y es una gama muy amplia de colorimetría conseguida, algo sorprendente y digno de mención.

Como broche final, terminaré diciendo que es una película que marcó época y nunca está de más echarle una visión aunque no haya ningún niño en casa.

Puntuación: 7/10

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Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia

Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia, 2016 

Decepcionante filme para una decepcionante "segunda parte".

Quiero recalcar esto desde un principio, esta película se vendió como una secuela de "El Hombre de Acero" y ni por asomo es una continuación, es una película completamente independiente en la que se podrían haber saltado los 20 minutacos de cómo Batman se vuelve Batman, podrían haber explicado porqué Batman por fin se vuelve en un Batman sangriento el cual es capaz de matar, no simplemente lisiar (como le ocurría al Batman de Nolan).
Eso es lo que más me cabrea, que es una película que podría haber tenido su propia personalidad, su propia historia, su propio universo, pero en cambio al final es una película enlace, ya que, meten a trompicones los primeros coletazos de lo que será la futura "La liga de la justicia".

Zack Snyder, el artífice de la genial "El hombre de Acero", en esa ocasión va y viene como el Guadiana. Sigue con su estela de sorprendernos, de mejorar personajes, de mejorar sucesos…, pero en este filme se equivoca unas cuantas veces. 

El primer fallo cometido es empezar la historia donde acabó la otra para tratar de explicar el odio de Batman hacia Superman, el cual se queda corto en explicación y con unos agujeros de guión altamente preocupantes, pero bueno salvables dentro del universo de las películas de superhéroes.
Aunque, acierta en la forma que tiene de dirigir, exagera cuando ha de hacerlo, mueve la cámara de forma acertada, genera la atmósfera de oscuridad y sencillez tan bien conseguida en "El hombre de Acero", eso es lo mejor de la película. También, en mi opinión, acierta en poner como una especie de criminal bueno a Batman, haciéndole tan oscuro lo cual le hace más humano que nunca.

El guión, vamos con el guión. El guión definitivo es de los señores David S. Goyer (el cual conocemos todos de El hombre de Acero, 2013 y la trilogía de El Caballero Oscuro) y Chris Terrio (Argo, 2012). Pero, la historia, es decir, el qué contar está también a cargo de Snyder.

Son tres personas, tres personas que, finalmente, se equivocan en cómo contar y en qué contar en la historia. Uno de los grandes aciertos de la trilogía de Nolan fue introducir al personajes de Lucius como creador de los artilugios de Batman, así recaía en Alfred otra serie de aspectos mucho más suyos, aquí claro, hay tanto que contar que hay que eliminar personajes y volver a cometer errores del pasado…
Para mí, y no voy a negarlo, me gustan desde siempre más las películas de Superman que las de Batman, y no solo por las películas, si no porque Superman me parece un superhéroe más creíble que Batman. Y aquí, en la película, ambos están descompensados, por fin crean un Batman creíble, con ganas de venganza y sabiendo asesinar. Superman se queda frío, sin saber cuál es su posición e incluso que tipo de superhéroe que es; seguramente es el efecto que querían conseguir, pero se llega al punto del absurdo y no crean una buena conjunción de ambos héroes.

En cuanto a los actores, repiten Henry Canvill y Amy Adams, que siguen en su senda correcta. Canvill, no pierde credibilidad ni cuando comparte escenas con sus nuevos compañeros de reparto. Empecemos con Ben Affleck (To the wonder, 2012), que nos brinda una actuación correcta, no brillante, simplemente hecha para que el personaje de Batman salga del paso y consiga llevarse el gato al agua de un Batman, mucho más humano y cercano al mundo terrenal. El también recién incorporado Jesse Eisenberg (Ahora me ves, 2013), haciendo del gran malo Lex Luthor (aunque tenga pelo), roza casi la perfección, se le echa de menos en pantalla, aún sabiendo que ronda por el fuera de plano. Y, el gran secundario Jeremy Irons (Margin Call, 2011), las secuencias que tiene las saca hacia delante aunque, su personaje se quede en un cliché más.

Los fuegos artificiales, los agujeros de guión, las prisas por contar lo que está sucediendo son los grandes males y a la vez los aciertos a destacar en la película. Ya que, como hay prisa las peleas no se hacen eternas y no te aburres nunca en pantalla, porque sí vale es una pelea, pero suceden distintos acontecimientos y avanza la pelea no se atasca. Pero todo queda artificial, queda impostado para simplemente dar pie a la "Liga de la Justicia", película que podría haber tenido su propio comienzo y que lo tendrá sin la necesidad de tener que recoger fragmentos de esta (o al menos eso espero).

Por poner un punto final, aunque la película no lo haga, es de esas películas de héroes, en la que esperabas mucho más y todo al final se queda plano y sin sentido, porque no tiene el propósito de crear algo nuevo y su propio universo, si no, simplemente el de avanzar hacia otros secesos totalmente distintos y viniendo de otros acontecimientos que no tienen nada que ver. Al menos es, entretenida.

Puntuación: 5/10

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El Loco VS Gerardo

Escuadrón suicida, 2016

Comienza una nueva etapa.

Englobada dentro del mismo universo cinematográfico comenzando por "El hombre de Acero" (algo que DC ha plagiado de Marvel), esta película empieza y acaba sin necesitar de nadie más. Me refiero a que no falla como le ocurrió a "Batman vs Superman" que se quedó en un nexo de unión con la necesidad de una explicación tras otra.

Ésta funciona perfectamente, es verdad que simplemente menciona un mundo sin Superman y al final algo de la Liga de la justicia, pero no es lo que busca, no busca adueñarse de esas películas y que su argumento, se base en ellas… Crea, construye su propio lugar en ese universo y se hace un gran hueco.

David Ayer (Corazones de Acero, 2014) le da un pequeño paso a DC. Aprendió y mucho de "Guardianes de la Galaxia", pero Ayer remata ese paso y construye un universo más oscuro, más sombrío, más sobrio. Encargado de dirigir y escribir este magnífico filme, no sabremos nunca si ha sido porque él se ha controlado o porque DC no le ha dejado ir más allá, lo que le falla al Escuadrón es que no es más sucia, más deshonesta… Son los grandes villanos, las personas (y seres) más crueles del mundo, deberían ser más malos haciendo algo bueno.

Ese es el gran reto que tenía David que no ha conseguido superar, es verdad que puede llegar a ser tan oscura como los filmes de Nolan, pero esta tenía que haber llegado más allá.

Por eso tanto ruido, por eso la gente se queda chafada, pero eso no puede cegarnos y decidir que la cinta se queda corta, que es vaga, que no se sabe a dónde nos lleva…, todo falso, falsísimo. El señor director nos da una muestra de cine cómic, sobre todo al contarnos quién es cada uno de los miembros del Escuadrón, el cual no se veía desde la primera película de "Hulk". Tiene un ritmo frenético y cuando hay guión en las fases en las que hay que escuchar, te entretiene, tiene un fondo, un sentido global que hace que la película interese hasta el final. Es verdad, que siempre todo hay que decirlo, que a la batalla final le falta más ritmo o le sobra metraje, ya que hemos tenido otras igualmente buenas, pero no se te hacen tan tediosas como la última.

Tampoco quiero realizar muchos spoilers, pero el guión es muy completo. Habrá personajes más desarrollados que otros, pero, sinceramente, hay personajes que son más entretenidos que otros, si no la película sería simple presentación y vámonos a casa. Todos y cada uno de los personajes son presentados, explicados y tienen su tiempo en pantalla. Es verdad que luego el argumento no tiene mucha miga, pero el filme pretende hablarnos de los personajes, no de sus aventuras, las aventuras son secundarias. Es una película para y por los personajes y se disfruta muy gratamente.

Hablemos del elenco, un elenco que tiene sus altibajos, pero funciona en un sentido global. Will Smith, nos da una muy buena actuación, parece que ha cogido a su personaje en "Hancock" y le ha dado la sobriedad de su otro personaje en "Soy leyenda"; no es que esté espectacular, pero estaá gracioso, entretiene y convence.

Aunque el protagonismo mayor se lo lleva Margot Robbie (El Lobo de Wall Street, 2013) está fantástica, está graciosa, está sensual, ¡está loca! Su historia con el Joker, seguramente dé para más, pero eso solo el tiempo lo dirá. Aquí me detengo y hablo del esperadísimo Jared Leto (Dallas Buyers Club, 2013) como el gran Jota. A ver, no está mal, sale poco, pero en mi opinión lo justo y necesario, es demasiado histriónico y no es su película (él es un terciario prácticamente) si le hubiera dado más protagonismo el filme hubiera perdido porque al final no está tan guay. Está muy exagerado y no pega con el conjunto final del filme, tendría que haber exagerado todo el filme para que el Joker de Leto hubiera tenido un buen encaje en el filme, algo que al resto de personajes no le hubiera beneficiado. Lo siento Jared, tendrás que esperar a otra película. Aunque la más sorprendente de todo nuestro Escuadrón es la maravillosa Viola Davis, que teóricamente tendría que ser la buena, pero es la más mala de todos y eso me chifla; está fantástica y maneja el cotarro como se le antoja.

El resto del elenco se sustenta bastante bien y en su momento de gloria brillan por sí solos.

Destacar, madre mía a destacar. Como ya ocurrió con "Guardianes de la Galaxia" es una película que gana con su magnífica banda sonora. Las canciones utilizadas, está claro son híper conocidas, pero no por ello nos hemos cansado de ellas, y están puestas de manera tan maravillosa que engrandecen la secuencia donde se encuentran a niveles asombrosos.

Estamos ante una película que marca un paso más para el universo DC, y espero que por muchas películas que saquen más alrededor de este universo DC genérico, se dediquen a sacar más películas sobre el gran "Escuadrón Suicidad" porque aquí se ha asentado una nueva saga prácticamente independiente.

Puntuación: 8/10  - El Loco.

Héroes Fallidos.

Cuando se llega al cine antes de que empiece la película, siempre hay una presentación breve de las películas que están por llegar. Se llaman tráilers y creo que no estoy descubriendo nada nuevo a nadie.

Cuando ves el tráiler del “Escuadrón suicida” lo que venden al espectador es acción y humor a raudales. Además de un interesante punto de partida. Los malos de las películas de superhéroes, unidos para acabar con un mal. Es decir, un villanos convertidos en héroes a la fuerza.

“Escuadrón suicida” cumple bien en lo de vender acción, la película no es aburrida, pero su trama es simple o inconsistente, unos buenos/malos contra una mala mística y otra mala, muy mala.

Este pastel se lo meriendan Will Smith, haciendo de Will Smith y Margot Robbie interpretando el mejor personaje de la película, que tampoco es que lo tuviese difícil porque un fallo de esta película reside en unos personajes, en muchas ocasiones, desaprovechadísimos. 

El punto polémico llega al hablar Jared Leto y su Jóker que hace honor a la expresión de que “las comparaciones son odiosas”. Leto es un gran actor y lo ha demostrado varias veces. Su Jóker no es perfecto, pero es aceptable, digamos que Leto sabía lo que hacía. Pero, al igual que algunos de sus compañeros de trabajo, su personaje no está todo lo aprovechado que debería.

El gran fallo y contraste de esta película es su poco sentido del humor. Cuando ves el tráiler de la película, te imaginas a siete u ocho Deadpools, es decir, una panda de héroes de poca monta (En el cartel pone “Los peores héroes de la historia") desenfadados y sarcásticos cuya intención es reírse de los superhéroes típicos y ya que están, salvar al mundo.

Pues esa idea solo la tienen dos personajes de la película.

El gran punto a favor de la película reside en su potentísima banda sonora que sí que está en la onda de lo que debía ser esta película y no ha sido, y en sus grandes efectos especiales, de los que no esperábamos menos.

David Ayer, intenta darle ese tono humorístico a la película, sobre todo en las presentaciones, pero no lo consigue. Se ve que tiene medios y ganas de contar esta historia, pero parece que se lía, que no sabe cómo gestionar la narración y las dos horas holgadas que dura la película no le dan para contarlo bien.

Con todo ello, “Escuadrón suicida” es una veraniega (Por no decir “tontorrona”) película para pasar el rato, que no estará en los anales del cine, pero tampoco inscribirá su nombre en la historia. Cumple parte de lo que da y el resultado es una fallida película de héroes que no es lo que te venden cuando ves el tráiler.

Gerardo Fernández Ramos

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