Midsommar

Midsommar, 2019

Ni la fotografía la salva.

Midsommar es un festival que se celebra cada 90 años en una aldea remota de Suecia. Nuestra pareja protagonista viaja acompañada de unos amigos, ya que han sido todos invitados por uno de esos amigos a disfrutar de esta particular celebración.

Ari Aster, director y escritor de la cinta, nos trae esta premisa. La cuál realmente es curiosa, se ha podido explorar el tema en otros filmes, como puede ser <<El bosque>>, pero definitivamente no de esta manera. La forma en la que quiere transmitir inquietud o mal rollismo es con el uso de la luz, está completamente todo iluminado (como ocurría en El Resplandor), con el uso de ópticas y una profundidad de campo bestial que daría lugar a tener diferentes términos en pantalla, no son utilizados de forma correcta. La narrativa, la manera de contarnos la película, la propuesta de sus planos, de sus angulaciones, etc., no funcionan. No transmiten ningún tipo de escalofrío o, como decíamos, inquietud. Se pierde completamente el tono de la película por culpa de un guion que no sabe si es un drama familiar o una película de terror.

La sucesión de actos, en los que solo estás esperando ver algo que te impacte o te llame la atención se convierte en planos aburridos, con música estridente que cuando deberían romper la tensión acumulada, estalla tan mal y de forma tan simple (como mediocre) que solo te genera una y otra vez enfado ante lo que te estás comiendo. Porque te lo comes, te lo ves, te lo terminas solamente por ver como acaba el drama familiar de película de sábado tarde (también conocida como de Antena3). 

En contraposición tenemos unos actores, que creo que son los únicos que saben de qué va todo esto e intentan remontar la película de alguna manera y deben estar orgullosos de su trabajo, el cual llega a transmitir angustia en muchos casos, pero nunca ese horror o ese terror que nos deberían estar transmitiendo en este tipo de películas y más en este género en concreto. Solamente, por destacar, su protagonista Florence Pugh, es la única capaz de generar, de transmitir, angustia en una única escena. 

Comienzo hablando de la fotografía y quiero darle su apéndice. La foto, si la observas desde fuera, es decir, sin ver el resto de la película, está muy lograda. Como decíamos una profundidad de campo bestial, no os imagináis, que da la sensación de que tengo en foco kilómetros de la campiña sueca. Y todo está completamente desaprovechado. Los huecos se rellenan simplemente con actores o construcciones, para que no quede el plano vacío, pero no se rellenan con actos o con "tramas" que podrían suceder en segundo o tercer o cuarto término. 

Sin más, no os puedo prohibir verla, ni tampoco os voy a animar a verla, pero si os atrevéis, por favor, disfrutar de cómo no se debe hacer una película. Ni siquiera las pequeñas migas de pan que deja el director de manera visual, para luego relacionarlo con algo que ocurre en la película funciona, ya que las deja, las introduce, de forma tosca. 

Puntuación: 1/10

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Cobra Kai

Cobra Kai. 2 Temporadas

Me declarado absolugárficamente fan.

La premisa es fácil y sencilla: 30 años después del torneo de kárate de All Valley, en el que Daniel LaRusso (Ralph Macchio) pateó la cara a Johny Lawrence (William Zabka). Éste no está en el mejor momento de su vida. Aunque, consigue ayudar a su vecino, el cuál sure acoso escolar, decide devolver a la vida Cobra Kai. Daniel San se entera y, tras una serie de desencuentros, la rivalidad se hace patente entre ellos y LaRusso intenta retomar el camino que inició con el sr. Miyagi.

Más o menos, esta es la "sinopsis" de Cobra Kai, la cual al día en que me encuentro escribiendo esa pequeña reseña cuenta con 2 temporadas. La 3 ya ha sido anunciada y se espera con paciencia y ganas.

Realmente la serie está muy, pero que muy bien. Ya no solo por devolvernos parte de nuestra infancia a nuestras vidas, si no, porque de manera formal está muy cuidada. Narrativamente tiene muchos recursos y genera muchas tramas, cada una con su peso, pero que ninguna se hace prescindible durante la historia, es decir, no caen en saco roto. La manera de presentar a los personajes es fantástica, ya no solo a los que conocemos, si no, a los adolescentes que acompañan a estos señores cincuentones que no son capaces de acabar con su rivalidad. Aunque, lo más mejor son los arcos argumentales e interpretativos de cada uno de los personajes; me explico: Podríamos todos recordar que en Karate Kid 1, Lawrence es el malo y LaRusso es el pobre niño que consigue lo imposible, vencer a los malos; bien aquí no es que sea al revés, pero sí que el mundo está dado la vuelta. Ahora LaRusso le va bien en la vida y a Lawrence le va de pena, consiguiendo que esa rivalidad se torne en el mundo real en ver "quién la tiene más grande". No es simplemente que quién tiene dinero es el malo o a ver quién le ha ido mejor en la vida, es ver y comprender que con las decisiones que has tomado en la vida, tu camino se ha ido hacia cierto lugar. La historia también intentará ahondar en ver si la educación de cada uno de los personajes ha tenido algo que ver con esas decisiones, pero esto mejor que lo veáis por vosotros mismos.

No son los únicos personajes que tienen arcos argumentales en la historia, el personaje principal de los adolescentes (por denominarlo de alguna manera) Miguel (Xolo Maridueña) es maravilloso como va de A a la Z y cómo reflexiona sobre todos los pequeños pasos que va dando. Hawk (Jacob Bertrand) pasa de 0 a 100 en 2 segundos y eso genera ciertas tramas y momentos increíbles. 

Podría estar así nombrando cada uno de los personajes, pero no he venido a esto. Solo quiero que os fijéis en como son los personajes y en cómo se van convirtiendo y como, cada una de sus decisiones, de sus actos, modifican su personalidad ante la pantalla, desde caminar, hablar o incluso en su forma de pelear. 

Los creadores Josh Heald, Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg; realmente han hecho un grandísimo trabajo, visualmente. Ya hemos hablado que con los personajes han dado con la tecla perfecta para generarnos siempre contradicciones (que es cómo funciona la vida) y que tengamos que reflexionar incluso sobre nuestras vidas. Pero visualmente es fantástica. La forma de narrar es muy televisiva no nos vamos a engañar, aunque el proceso de mostrarnos los sucesos sí que está muy cuidado y tiene muchas curiosidades visuales, fácilmente rastreables, que dan una riqueza mayor a la serie. Por ejemplo: LaRusso vive ahora en el mismo tipo de barrio que vivía Lawrence y éste ahora vive dónde vivía LaRusso; dando así a entender el cambio de tornas sufrido.

Pero hay más. La forma de vestir de los personajes está milimétricamente diseñada. Los coches que aparecen en la serie, se podrían decir que son de los 80-90 remasterizados al siglo XXI. Incluso los colores, la gama cromática de la serie está totalmente basada en películas de esa época. 

Sin más, simplemente como un dato así lanzado al aire, me encanta que la serie nos esté dando ese quebradero de cabeza y que los fans de <<Cómo conocí a vuestra madre>> asocien esta serie con Barney Stinson y que, a lo mejor, ahí ya nos estaban avisando que el mundo que conocemos tal vez no sea tal y como lo recordamos. 

Puntuación: 9/10

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Under the Skin

Under the Skin, 2013

No dejes de mirar.

Es una película absorbente, por la atmósfera que genera y la manera en que nos narran los sucesos. 

Jonathan Glazer (director y co-escritor del guion junto a Walter Campbell) nos desarrolla una historia de una manera muy singular. Ya que realmente el centro de la historia no es ni novedoso, ni algo nuevo de contar. Es una historia que ya existe, pero que jamás nos la han contado así.

Un ritmo muy pausada, con planos muy largos en su duración y aun así te engancha de una forma tan natural que no te das cuenta que estás pegado a la imagen sin poder (ni querer) librarte de ella.

Creo que el que se hable tanto de ella es buena, ya que es una gran película, pero saber de qué género es le quita un poco la magia a la película, debido a que puedes esperar algo que jamás va a suceder y realmente agradeces que no pase. Si bien es cierto lo anterior, sí que voy a decir que durante un buen rato el filme aborda sin ningún problema el thriller, sin tener que variar ni su tono, ni el tempo de la película lo cual es brillante.

Hablando de la historia. Se desarrolla totalmente lineal, aunque con ese aire que tiene parece que puede haber escenas sueltas o elipsis; es parte de su encanto.

Resaltar que es una película casi, casi muda. Las líneas de dialoga que hay prácticamente sirven solamente de relleno, en muy pocos casos se avanza la historia gracias al diálogo. Por lo que, la película es muy visual y eso es gracias a Glazer, que tiene un pulso firme y aunque te dé la sensación de que el filme va a tener que variar su tono y se va a tener que desviar, se mantiene firme y además con maestría. Consiguiendo que la historia se entienda sin problemas, aunque queden cabos sueltos que ni interesa resolver. 

El cuadro actoral, yo sinceramente no conozco a muchos de los actores del filme salvo a la maravillosa Scarlett Johansson. De verdad está muy bien. Aguanta la presión de unos planos muy cortos, incluso están muy forzados para que parezcan angustiosos. Y consigue maravillarte y contarte lo que ocurre con una simple respiración, sin palabras. Fantástico. 

Cabe destacar la ausencia de música en muchos fragmentos de la película. La música en este caso acompaña a momentos concretos y con una incidencia argumental. Hay escenas completamente desnudas que dan más mal rollo, generan muchísima asfixia visual y son escenas que funcionan mucho mejor, que cuando está de fondo la banda sonora.

Sin mas, que no quiero contar demás, solamente quiero daros lo justo para que veáis el filme y lo consigáis disfrutar al máximo. 

Puntuación: 8/10

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Sordo

Sordo, 2018

The Civil War by Western.

Es una película de la post Guerra Civil Española. Es una película costumbrista. Es un thriller. Es una película de acción. Es un western. Es una historia de amor. Es... Es cine. 

Todos estos topics se quedan cortos ante tal producción española.

Es una película que juega con estos temas, que navega entre distintos tonos de la película. Consiguiendo gags visual y escenas tremendamente inquietantes; ya sean propias de una película de terror o un thriller.

Para mí, que para eso doy mi opinión, se podría acercar más a neo-noir western, con toques de thriller. 

El guion escrito a partes iguales por Alfonso Cortés-Cavanillas (también director de la cinta) y Juan Carlos Díaz (guionista que lleva desarrollando su labor más de 20 años).
Trata de un grupo de guerrilleros, también conocidos como los maquis, que mientras intentan crear una revuelta en la España gobernada por Franco y así intentar derrocarle, sufren un percance y uno de ellos se queda sordo en medio de los montes del norte. 

Con una historia a priori tan simple, se consigue generar una tensión durante toda la película que es incontestable. Además, con una ambientación perfecta, un color tétrico que no abandona el filme ni siquiera cuando es de día, una puesta en escena soberbia. En la que cabe destacar las diferentes escenas de acción y de tiroteos que sientes todas las balas que se disparan. 

Tiene un pulso el director para ir hilando las diferentes escenas de la película que te permite navegar en toda esa amalgama de géneros que hemos hablado antes que te parece increíble que todo cuadre.

El fallo de la película, lo que hace que no termine de ser redonda es su tramo final. Tiene un tercer acto muy largo, que funciona como cierre de todas las tramas generadas y que si bien visto consigue que de una manera no excesivamente recargada se finalicen todas, pero son muy dilatadas en el tiempo. Con excesivo diálogo, cuando la imagen en sí es tan potente que te sobra en equis momentos.

Tiene un toque, tiene un apoyo fundamental que es el Departamento de Sonido, del cual voy a nombrar a todos sus componentes: Nicolas de Poulpiquet (el encargado de mezclar el sonido), Álex F. Capilla, Miguel Ángel Fernández Romero, Martín Jiménez Sánchez, Kaihiamaru Martinez, Daniel Rodrigo, Sergio Testón. Han hecho un trabajo bárbaro y Nicolas de Poulpiquet, que es el encargado de mezclar el sonido final, es maravilloso como han finalizado su trabajo. El sonido de esta película es completamente necesario, es una capa más de transmisión de información sin necesidad de diálogo. Sencillamente sublime.

El trabajo actoral también es digno de mención. Los que sobresalen por encima de los demás son Asier Etxeandia, que es un protagonista único y se echa en hombros todo el peso de la película sin ningún problema. Y Aitor Luna, que menudo antagonista le han dado y lo borda. La protagonista femenina, Marián Álvarez, no es que esté mal, tampoco increíble; está bien, hace su trabajo. A destacar de secundarios, como no podría ser de otra manera, Imanol Arias. Siempre actúan bien y ayudando a los demás a dar lo mejor de uno mismo.

Dicho todo esto no digo nada más. Es una película prácticamente redonda, muy bien rodada y fotografiada que merece tener su reconocimiento de buen western español.

Puntuación 7/10

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Memorias de Idhún

Memorias de Idhún, 2020

Lo tan ansiadamente esperado.

Por ponernos en contexto. Memorias de Idhún es una trilogía de libros, de género fantástico. Su primer libro salió en 2004 y acabó en 2006, es decir, estamos hablando de hace 15 años.

Eso no quiere decir que su argumento o su idea se hayan quedado atrás, al contrario, hay fantásticas tramas que están a la orden del día. Aunque hablemos de magos, hechizos y mundos nuevos.

Dicho esto, la serie de Netflix adapta y digo adapta, ya que el libro es completamente reeditable a este año simplemente cambiando o añadiendo tres cositas de avances tecnológicos y seguiría siendo igual de genial.  

Vale, instalados los cimientos, vamos de lo que quiero hablar. 

La serie de animación, finalmente es un acierto. La autora, que la podéis leer en mil entrevistas o directamente desde su web personal, ha explicado tropecientas veces el porqué de este tipo de adaptación y finalmente comulgo con la idea, eso sí una vez vista la serie.

Las novelas se ven fielmente reflejadas en esta primera temporada de 5 episodios. Aunque su duración sea un pelín escasa, no llega ningún episodio a la media hora, la forma en que nos presentan y distribuyen las acciones en cada episodio hace que sea ligero y no te dé la sensación de precipitación de acontecimientos. Los personajes se presentan de una forma natural, atendiendo sobre todo a sus actos y no simplemente a descripciones en voz en off o a comentarios intercalados entre otros personajes. Algo que se agradece. Ya que, evidentemente la serie tiene un target juvenil, como sus libros, pero tiene algunos elementos con un tono más "maduro", algo que se agredece.

Eso sí, tiene algún defecto que otro, aunque no sea de argumento. Es en la animación. Se queda corta en animación, es decir, por mucho anime que sea, los movimientos en las peleas, cuando interactúan los personajes, etc. Son repetitivos. No digo que no queden naturales, lo que digo es que parece que hayan hecho cuatro animaciones para cada personaje y cada vez que aparecen en pantalla deben hacer los cuatro. Las peleas, en lenguaje compositivo son muy correctas, pero en cuanto ves los tres movimientos que tienen tanto los buenos, como los malos, estás viendo una y otra vez la misma pelea, aunque estén diciendo ellos que han pasado no sé cuántas horas. Es para mí el gran fallo de la serie. No quiero, ni voy a dar cuerda a nadie con el tema del doblaje. A mí me parece correcto y no me desentona nada, es más si ahora me lo cambian, a priori me fastidiarían, pero como no es algo que yo controle, fin del tema.

En general, ha quedado una temporada muy chula. Su historia creo que enganchará y no solo a los fanáticos de los libros. Solo eso, mejorar (pulir) las animaciones de los personajes. 

Puntuación: 7/10

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Orígenes secretos

Orígenes secretos, 2020

Una buena apuesta.

Orígenes secretos es un compendio de muchísimas referencias que se sustenta en que está rodada en España. Si una película, con el mismo planteamiento, con los mismos personajes y mismas referencias nos viene desde Hollywood sería algo horrendo. Dado que no estaría tomando simplemente prestadas infinidades de elementos de distintas películas, se estaría riendo, de una forma muy mundana, de aquellas películas que hacen producir dinero en la meca del cine. 

Es por ello que esta película tiene todavía más fuerza. Consigue en una misma escena reírse de los frikis y a la vez elevarlos a héroes.

David Galán Galindo debuta como director de un largometraje que es intensamente profundo para él (al menos eso he entendido en las entrevistas que ha concedido). Lo bueno de David es que no teme enfrentarse a que se burlen de él por coger referencias de todos los lugares. En una escena podemos empezar por nombrar a Seven y acabar con The Big Bang Theory. Lo bueno es que no le importa, porque él mismo a través de la forma narrar consigue que todo cuadre y <<ridiculiza>> además que eso ocurra. Dando a entender que todo aquello que toma prestado es utilizado para narrarnos una historia diferente a las demás, con un final que realmente no es lo que parece si has estado atento a todo el transcurso de la película. Un trabajo narrativo audiovisual exquisito, donde las escenas de acción no desentonan con el tono de la película y dónde se convive con un humor seco, aunque divertido.

El guion, firmado por el mismo David Galán Galindo y Fernando Navarro (Verónica, 2017) está más que bien hilado. Gracias a la mezcla de géneros consiguen que la acción de la película y el transcurso de las secuencias sean muy amenas y no se te ocurre mirar la hora, porque siempre ocurre algo en la película. Además, si consigues entrar en ese universo (no tan lejano) los diálogos tienen muchísimos gags, chascarrillos y demás, que hacen las delicias de los más frikis (me incluyo). 

Encima, como cuadro actoral tenemos a uno de los actores más en forma del panorama como es Brays Efe que está maravilloso. Javier Rey, que realmente es la punta de lanza del filme y consigue ser el actor perfecto, ya que tiene ese carisma interpretativo capaz de hacerte reír aun estando serio. Luego como chamán del filme tenemos al gran Antonio Resines que comparado con otras interpretaciones suyas está como desacelerado; no tiene prisa por actuar y eso se agradece y le podemos disfrutar más de lo habitual. Los que están tal vez un poco fuera de lugar, aunque por causas dispares, son por una parte Verónica Echegui que no termina de entrar en el juego, no tiene chispa junto con sus compañeros (y eso que tiene un personaje que es muy potente). Y, por el otro lado, está Ernesto Alterio que al principio como doctor chiflado está guay, pero su giro argumental produce que lleve a su personaje a algo histriónico que te saca un pelín del filme. 

Quiero destacar el trabajo de VFX y de arte del filme. Muy currados, muy trabajados. Ojalá más películas con esta factura técnica en España. Además, las localizaciones, yo tengo el problema que soy de (aquí de) Madrid, y ver tan bien fotografiada Madrid, como hacía años que no veía, me alegra. 

Ya os dejo, no sin antes apostillar lo buen filme que es, aunque sea un cóctel de mil y una películas. 

Puntuación: 7/10 

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Martin (Hache)

Martín (Hache), 1997

Qué guion.

Martín (Hache) es de esas películas que te sobrepasa cuando la ves por primera vez y necesitas un obligado segundo visionado para que puedas reflexionar sobre lo narrado en este maravilloso filme.

Adolfo Aristarain, director de la obra, refleja con gran maestría el universo interno y atormentado de la gran mayoría de los seres humanos. No tendrá florituras o no realiza una dirección de cámara farragosa que enmaraña el potencial que de por sí tiene el guión. En este caso, Aristarain toma la decisión de restarle protagonismo a la cámara, dejándola como una simple espectadora más, atrapando las acciones de los actores, para así mostrar un relato de lo más puro.

Con esta decisión, es verdad que la película no destaca en su fotografía o en una realización sofisticada. Pero, no lo necesita, teniendo el guion que defiende.

Con esto se permite ser un director de actores increíble, permitiéndoles moverse a través del decorado a su antojo, es decir, dándoles libertad absoluta para que transmitan la verdad pura y dura que es el guion de la película. Colocando la cámara en posiciones no arriesgadas y con movimientos muy sutiles que permitan siempre el movimiento interno de escena.

El guion, firmado por el propio Aristarain y Kathy Saavedra, es el gran protagonista de todo esto, es maravilloso. Qué digo, puto maravilloso sería la mejor definición. Podría ser una verborrea incesante de frases petulantes o grandilocuentes que nunca llevan a nada o que incluso dejasen enseñanzas bagas y sin fundamento. Pues, queridos lectores, es todo lo contrario. Este guion, estas líneas, explotan de brillantez. No se puede quitar ni poner comas a esta historia. Es todo tierno y a la vez duro. Es un guion agridulce que te lleva a lugares que tienes escondidos en tu interior o que ni siquiera te has planteando y era necesario que alguien lo hiciese.

Por otro lado, tenemos un cuarteto actoral excesivamente potente, Federico Luppi, Juan Diego Botto, Eusebio Poncela y Cecilia Roth, generan un pequeña familia buenísima. Todo ellos están genial en la película y gracias a su querido director, esta película se convierte por momentos en una película coral, cuando el único protagonista es la propia vida. Las propias vivencias de los seres humanos que caminamos con o sin rumbo por este mundo, donde al final lo único importante es de quién consigues rodearte.

Sin más, os solicito fervientemente que veáis al filme que, aún con sus fallos técnicos, te da una bofetada de realidad y consigue que estés atento a todos sus frames.

Puntuación: 8/10

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The Good Place

The Good Place. Serie Completa

Una serie única.

Esta comedia fantástica (me refiero al género) nos cuenta que ocurre cuando morimos. Qué sucede en ese llamado más allá. A través de sus personajes más puros y sinceros, nos podemos ver todos reflejados en diferentes momentos de nuestra vida para tratar de aprender que es lo bueno y que es lo malo; tal y como tendrán que aprender nuestros héroes. 

Con esta "simple" premisa Michael Schur estructura una increíble, con un ácido humor, además de sarcástico que habla todo el rato de la humanidad. De lo maravilloso que es estar vivo y de lo poco que sabemos valorarlo. De lo genial que sería que mientras vives poder hacerlo todo bien e ir al cielo, pero lo difícil que se hace, ya que las cosas malas de la vida tientan mucho. 

Su discurso es ante todo ético y se fundamente en libros éticos reales con filósofos de renombre, es decir, no habla por hablar. No cuenta por contarnos esta fábula, que podría ser y en pasajes distintos te puede dar la sensación, aunque siempre hay propósito. Hay una finalidad la cuál es necesaria para toda existencia de vida. 

Además, la serie cuenta con un elenco de lujo, capitaneados por Kristen Bell y Ted Danson, los cuáles son fantásticos, tienen chispa, gracia juntos. Se compenetran fantásticamente y lo mejor es el ritmo que impregnan a la serie y a sus compañeros. Después tendríamos a sus fieles seguidores, William Jackson Harper, Jameela Jamil y Manny Jacinto, cada uno con su contrapunto distinto y su lineal argumental que generan situaciones presuntamente surrealistas, aunque muchas se pueden comparar con la vil realidad. Y, por último, nombrar a D'Arcy Carden, la cual tiene un personaje memorable y necesario, para terminar de aunar esfuerzos en que este universo de ética, de lo bueno y de lo malo, pueda existir sin fisuras. 

De verdad, son 4 temporadas, episodios muy condensados (no superan los 30 minutos), con un episodio final completísimo y todos rezuman humor y buenrollismo. He leído por ahí y lo subrayo, es de las comedias más infravaloradas de los últimos años y eso tiene que acabar. Ya que es de esas series que las ves y te sientes mejor viéndola. Te animan.

Puntuación: 8/10

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Eduardo Manostijeras

Eduardo Manostijeras, 1990 

La clásica película romántica de Hollywood.

Y es así, Eduardo Manostijeras, en su poso, en su idea más elemental, no deja de ser una película romántica del Hollywood de 1920.

Eso no quita que se pueda adecuar un poco a los tiempos y conseguir una historia de profunda tristeza y crítica feroz a esos Estados Unidos "clásicos" de los '80; dónde todo es aburrido y lo único divertido es hundir y ridiculizar al que no es como nosotros. 

Así al menos lo planteó Tim Burton, el cuál dirige con mucha cautela este romántico cuento de hadas. Cuenta con muchas metáforas, con mucho plano abigarrado, con mucha profundidad de campo (para mostrarnos el mundo de los personajes), cámaras lentas y, por supuesto, nos sigue mostrando ese mundo de atrezdo de lo más estrambótico y nada habitual que nos encanta de él.

Cuenta también con metáforas visuales y poema bellos en la composición junto a sus personajes y en su desarrollo. Destaco, por su toque humorístico y crítico, el momento en el que están las señoras chismorreando en la calle y cuando llegan los coches, en los que entendemos que van sus maridos (porque no los vemos) vuelven corriendo a casa. 

El guion, a manos de Caroline Thompson es básico. En el sentido que ya he comentado, es una película romántica, con un planteamiento romántico, con un desarrollo muy simple (utilizado mil veces en cine) y con unos personajes que son cliché de este género. La referencia básica del guion es Frankenstein y, desgraciadamente no se sale de ella. Todo en este guion ya se ha visto y se ha narrado de diferentes maneras. Crítica a la sociedad del momento, odio al extraño, atracción hacia él. Si no fuese, por la magnífica realización y el estilo visual de Burton, la película nunca hubiera tenido la relevancia que tiene a día de hoy. 

Del elenco yo destaco a Winona Ryder, que tiene un arco actoral muy trabajado y funciona muy bien en cámara. Johnny Depp, que me recuerda a Arnold Schwarzenegger en Terminator 1, en la forma de cómo conseguir enganchar al espectador y tener una presencia en pantalla fantástica, con tan pocas líneas de guion. 

Esto es en líneas generales lo que pienso de Eduardo Manostijeras, la considero una película con un estilo visual único, con una fotografía muy personal, lo cual funciona, aunque la historia sea prácticamente un remake de Frankenstein. 

Puntuación: 4/10

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Réquiem por un sueño

Réquiem por un sueño, 2000

Sonora y visualmente impactante.

Fíjense en el año de estreno. Exacto. Comenzamos la era del 2000 con un espectacular despliegue de narración visual como hacía tiempo que no se veía. 

Réquiem por un sueño, sigue siendo una película espectacular con todas sus letras, eso sí, lo es por lo tremenda que es al ojo humano. Dicho esto, el resumen (la sinopsis) de la historia es simple: <<Un grupo de personajes, tienen una adicción distinta, las cuales tienen el mismo final.>> 

Evidentemente, no voy hacer spoiler, en este blog no somos muy dados a ello. 

La clave es que la historia, adaptada de una novela por Hubert Selby Jr. y por el mismísimo director de la cinta, Darren Aronofsky, no construyen una trama muy elaborada, ni muy extraña. La primera referencia que te viene a la cabeza es Trainspotting y es innegable que gran parte del argumento puede estar basado en ella. Aunque, al hacer o al tener una historia (por decirlo así) tan simple, dio pie a un desarrollo visual totalmente efectivo y además revolucionario. En el sentido, de que intenta ir un paso más allá, intentan innovar y eso siempre se agradece.

Además, Aronofsky no espera ni 10 minutos para empezar a succionarte hacia su mundo. Desde la primera secuencia, con esa pantalla partida, dónde cada una tiene su propio montaje, lo que provoca, que cada mitad de pantalla tenga su propio ritmo. Las secuencias por las calles de Brooklyn te recuerdan de forma innegable a Spike Lee, con esa paleta de colores, con esos movimientos ya sean travellings o cámaras al hombro. Y, por supuesto, con esos primera planos que son marca de la casa de Aronofsky, usados para resaltar esa adicción que cada uno de los personajes tiene a su droga. 

Tiene metáforas visual muy bellas, algunas muy poéticas, más "invisibles", y otras más obvias, como la utilización de las tres épocas del año en la que se divide la película (Verano, Otoño e Invierno) indicando ese camino hacia ninguna parte. 

La dirección de fotografía de Matthew Libatique (hombre de confianza el director) es maravillosa. Como genera con la luz diferentes sentimientos, para que veamos o consigamos entender los estados psíquicos de los personajes solamente por el tipo de iluminación que hay en una habitación. 

Una de las claves también de la película, que luego será marca de la casa junto con los planos detalle, es el sonido. No hablo de la música (ahora iré con ese pilar), si no de cuando tenemos un plano detalle, ya sea un objeto, un personaje o una imagen generada por ordenador, el sonido "directo" que acompaña esa imagen es un recurso increíble. Sí, ya lo he comentado, es para enfatizar o para que sepas la importancia que tienen esas cosas para los personajes, pero si solo acompañase música no sería igual. La generación de esos sonidos, que casi siempre van acompañados sin ningún otro elemento sonoro (es decir, van sin música) es la guinda que tienen esos planos. 

El siguiente pilar que tenemos es la increíble banda sonora que acompaña a la película. Orquestada por Clint Mansell es lo que te termina de provoca una serie de emociones que te entran por los ojos y oídos y consiguen que no te distraigas por un momento. Es verdad que a día de hoy (2020) esta música y más la famosa sinfonía de los violines in crescendo ha sido utilizada y remezclada hasta el infinito y más allá y, aun así, sigue funcionando dentro de la película. 

Por último, y no por ello lo peor, las actuaciones de los cuatro personajes principales son merecedoras
de todos los premios y elogios posibles. Desde la fiel madre interpretada por Ellen Burstyn, que está maravillosa. La novia, Jennifer Connelly, una adicta que crea una subtrama perfecta de como las drogas te generan una decadencia inimaginable. Marlon Wayans, el escudero y fiel amigo de nuestro personaje principal que parece que controla y no es un drogata, y luego nos da un abanico de emociones increíbles. Culminado con Jared Leto, que se come la pantalla una y otra vez.

Con todo esto, quiero terminar diciendo que no ha envejecido nada mal. Muchos recursos de la película es verdad, han sido explotados por otras producciones (como los primeros planos de la cara de los personajes utilizados en Resacón en las Vegas) y lo único por lo que me parece que está un pelín sobre valorada es por su historia, por la trama. La película visualmente es perfecta por todo lo que hemos dicho, pero la trama hace que decaiga un poco la película y no termine de ser perfecta. 

Puntuación: 7/10

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L.A. Confidential

L.A. Confidential, 1997

Moderna aunque sin gracia.

Lo que nos trae este filme es una regresión a un género muy clásico de Hollywood, muy “trillado” (por decirlo así), aunque nunca está de más volver a él.

La trama narra las aventuras de unos policías que se ven inmersos en una trama de corrupción de Los Ángeles, de la cuál solamente podrán (sabrán) salir a base de tiros.

Curtis Hanson es verdad que intenta narrarnos este filme con un sabor modernista, pero se queda en el camino. La historia,

que cuenta con todo los personajes clásicos del cine negro, además de ese estilo neo-noir que tantas producciones inspiró en los ‘90 y a principios de los 2000, no termina de hilar. Para mí y es mi impresión del filme, no conecto con los mecanismos que hacen funcionar el filme. No me cuenta nada nuevo, es más, considero que la narrativa es bastante espesa y confusa. La narración de Hanson no está a la altura, no dirige al público, no dirige la narración; al final da la sensación de que simplemente nos muestra muestra las escenas, una detrás de otra, sin ninguna intencionalidad.

No es que odie los films noir, pero éste en especial me ha dejado bastante frío y no veo que aporte nada al género, solamente reutiliza una y otra vez las mismas fórmulas que se usaban en los ‘50-‘60, pero con el ritmo del montaje de los sagrados ‘90. 

El guión, como ya he mencionado, se queda muy fangoso. Los giros de guión no están bien planeados. No es que sean predecibles ni nada por el estilo, son lo que son, giros que llevan hacia donde tienen que ir y con unos mecanismos narrativos esperpénticos y sin gracia.

Las actuaciones, están en la línea de ser planas (ojalá consiga explicarme). Quiero decir que los actores no deben mostrar emociones y eso es algo básico en el cie negro. Los personajes son fríos, pocos habladores y solamente funcionan por la acción-reacción. Bien, en este filme, siguen esa regla, aunque con la osadía de intentar darles un carácter, un sentido, a esos personajes y no funciona. Russel Crowe parece estar haciendo teatro en gran parte de sus escenas, Kim Basinger está sin gracias y Guy Pearce, no sabe como funciona la película. El único que se salva, y por graciosa, es Danny DeVito y Kevin Spacey por tener LA escena.

En general, se queda una película meramente entretenida, que no ha envejecido bien y que bebe de la fama que obtuvo en su año de lanzamiento.

Puntuación: 6/10

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After Life

After Life. Serie completa

Realmente la vida misma.

El resumen de la trama central seria: Nuestro querido protagonista Tony intenta sobrellevar la muerte de su esposa. 

Dicho lo anterior, Ricky Gervais (creador, director y guionista de la serie), nos trae una serie no solamente sobre el dolor de esa pérdida. Del dolor que supone perder al amor de tú vida. Si no, del dolor que hay en tener que seguir viviendo. De cómo tener que seguir viviendo habiendo sufrido lo que se ha vivido. No es algo fácil de explicar, ni de contar. Aunque, la vida no es fácil. 

La serie se desarrolla en una soleada Inglaterra que contrasta perfectamente con el tono sombrío y sobrecogedor del tema. Es decir, utiliza la luz como el primer enemigo del personaje, el cuál siempre va con gafas de sol. Incluso la fotografía juega en su contra. Nos podríamos esperar una fotografía apagada, fría; llena de sombras, de azules y, al contrario, siempre tenemos una imagen viva. Con colores saturados. La imagen nos dice que todo está bien, aunque luego los sucesos nos digan lo contrario. 

Gervais, presenta a su personaje central como un irónico petulante, el cual lo sabe todo, sabe lo que es bueno, lo que es malo y se ríe de todo el mundo que discrepe. Lo curioso es que esto lo hace a partir de la muerte de su esposa; según cuentan en la propia antes era feliz.

No era así, porque vivía el amor de su vida y ahora que no está, ahora que la persona que lo convertía en una gran persona no está, no tiene por qué seguir comportándose así. Esta ruptura con lo anterior es algo que se ha tratado en otras series, películas, etc. Pero, bien es cierto, que la forma en que lo explica el personaje sí que es otro punto de vista. No quiere ser "malo", no quiere machacar a la gente cercana, es sólo que le duele que el resto de la humanidad no comparta el dolor que tiene él y necesita salvarse de esa manera. Es verdad, es totalmente egoísta el pensar y comportarse así, aunque para su terapia personal era necesario y eso le hace avanzar en el arco que tiene el personaje a lo largo de la serie. 

Además, adereza la trama con unos personajes completamente histriónicos y lo mejor, es la posición que toma la serie de ver cómo evolucionan las diversas tramas y cómo Tony se enfrenta a esos cambios y a esos personajes. Cómo es él con el fotógrafo del periódico donde trabaja, a redactora de críticas que cree en todo tipo de cosas nada convencionales, su cuñado (ojo al cuñado que tiene un papelón, porque además de haber perdido a su hermana, tiene que "salvar" a su cuñado). Un personaje imprescindible, la redactora nueva del periódico;

seguramente sea la única persona que entiende a la perfección el mundo interior que tiene Tony y sepa cómo decirle que está bien que esté así, pero que tiene que mejorar por su bien. También tenemos a la viuda del cementerio con la que intercambia consejos. Como se comporta con la trabajadora sexual, cómo evoluciona su amistad con el cartero. Cómo se enfrenta a sus sentimientos cada vez que ve a la cuidadora de su padre. 

Éstos últimos personajes solo existen una vez muerta su mujer y solo conocen el peor Tony, por lo que no quieren que se conviertan en el anterior, si no, que evolucione (que cambie) a una persona mejor, con las nuevas circunstancias que tiene. 

Mención especial quiero dar a la relación que muestra con su perra. El único ser vivo con el que se muestra tal y como es y al único ser vivo que durante toda la serie siempre quiere tener a su lado. 

La serie no quiere darnos un sentido a la vida, no pretende decirnos cómo superar un dolor. Lo que nos quieren mostrar es la forma de sobrellevar dicho dolor, para conseguir renacer de él y así evitar hacer daño a personajes que, seguramente, no se lo merezcan. 

Espero no haberos desvelado nada y que disfrutéis mucho de estas dos temporadas. 

Puntuación: 8/10

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Leaving las Vegas

Leaving las Vegas, 1995

Retrato de un final.

En Leaving las Vegas tenemos la propuesta principal de un señor, un guionista, el cual se vuelve adicto al alcohol y pierde todo lo que le importa. Al ocurrir estos sucesos, decide perderse en la gran ciudad de las Vegas hasta morir de su adicción.

Con este drama y esta trama, la gente o al menos lo que me transmiten las personas que han visto la peli, es que la historia principal es la que sigue en todo momento al personaje principal y, aquí tenemos la primera trampa de su creador. 

Mike Figgis, director y guionista de la obra, nos da la solución al problema de su personaje principal desde un principio y lo repite en varias ocasiones: 

“Voy a morir. Pase lo que pase. Voy a beber hasta morir.”

Y, en ese círculo vicioso, aparece su personaje principal, Sera (Elisabeth Sue); la cuál considero la auténtica protagonista del filme. Gracias a Sera, en este viaje al infierno se nos narra cómo acompaña a Ben (Nicolás Cage) y el por qué decide acompañarlo. Ya sea porque esté enamorada de él o simplemente porque está tan perdida como él y piense que juntos pueden encontrarse y conseguir frenar ese descenso. Es una historia tremenda, compleja y llena de sus contradicciones. Es realmente personal y muy realista en muchas escenas. La manera de colocar a los personajes, el cómo se mueven dentro de la escena y la posición que coge la cámara frente a la escena y a sus personajes, hace que las escenas sean fuertes, contundentes y tremendamente poderosas.

A parte de la pequeña “trampa” en la trama, las actuaciones de Nicolas Cage y Elisabeth Sue, son extraordinarias. Cage, por saber en que momento explotar y mostrarnos sus caras de locura. Sue, por saber manejar su tiempo y demostrarnos como se actúa simplemente con el movimiento de su pelo.

Sin más os dejo con esta película que debería ser de culto.

Puntuación: 7/10

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El silencio del pantano

El silencio del pantano, 2019

Promete más de lo que ofrece.

La película juega con nosotros insistentemente. Nosotros, como espectadores, nunca tenemos la certeza de si lo que vemos es real o no e incluso no sabríamos decir en qué línea temporal habría que cuadrar las diferentes escenas. Esto ocurre ya desde el epílogo y la trama no hace más que desarrollarse, expandirse, saltando en ese juego y, el director, decide no dar ninguna pista reseñable visual, permitiendo así al público editar su propia película, para que cada uno saque sus propias conclusiones.

Ya que citamos al director, en este caso tratamos con Marc Vigil.

Un experimentado director de televisión y que aquí deja escenas muy interesantes por su puesta de escena y otras que dejan bastante que desear. Las que mejor planificadas están y las más realistas son las de acción. En cambio, las emotivas o las que tienen un significa más simbólico no tienen esa fuerza visual narrativa.

La historia, que es un pilar fundamental, está basada en una novela y la adaptan Sara Antea y Carlos de Pando. No tengo el gusto de saber si es una buena adaptación o no. Por lo que, solamente me dedicaré a comentar que el simbolismo literario queda patente en la película. La utilización de metáforas para explicar una corrupción asquerosa, que embarra todo aquello que roza, es muy buena. 

El clímax hubiera sido convertir esas metáforas verbales en metáforas visuales. Algunas con muy evidentes, como utilizar el circuito de fórmula uno de Valencia, otras son muy elegantes y encajan bien en el filme. Aunque, hay otras que dejan bastante que desear.

Lo que sí tiene la película son buenas actuaciones. Tiene un buen cast, no solo por Pedro Alonso, que parece disfrutar con papeles bipolares. Si no, por Nacho Fresneda que está fantástico y muy irreconocible. Carmina Barrios, parece que la han encasillado, aunque está bien en la película.

No me quiero enrollar mucho más y espero que os entretenga la película y consigáis descubrir todos sus secretos.

Puntuación: 6/10

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