The End of the F***ing World

The End of the F***ing World.
1ª Temporada

Excita todos los sentidos.

Empiezo con una sinopsis muy simple: James y Alyssa son unos adolescentes inconformistas y un día deciden abandonar todo aquello que conocen.

Aquel que se quede con la citada descripción es muy corto de miras. La serie va muchísimo más y nos muestra como una adolescencia mal gestionada por todas partes, desde la infancia, pasando por unos padres poco participativos o simplemente esporádicos. Pueden hacer que los adolescentes se sientan superados y agobiados ante el mundo real. O incluso que se crean que la vida real, es tal y como la ven en casa e intentan emularla llevándola a un extremo que no pueden controlar.

Algo de esto (o todo ello) les pasa a James y a Alyssa. James, traumatizado por sucesos en su infancia, cree ser un psicópata y quiere seguir experimentado a ver si es así. Alyssa, se ve superada por su familia que la hace tener más responsabilidad de la que debería y ella se revela contra todo el mundo que mirarla.

Cómo leéis ambos son una olla a presión a punto de estallar y, evidentemente, estalla. Se conocen. Van realizando aquellas acciones que entienden que son las que deben hacer y, cada uno por una razón distinta, deciden ver qué pasa. Qué ocurriría si estuviéramos juntos. 

Con este leitmotiv, estos dos niños, que se sienten solos, que no están a gusto con su microuniverso. Van descubriendo, , que perdiendo el miedo ha hablar, si son sinceros, si se quitan la barrera física (y emocional) que tienen puesta entre ellos, conectan mejor. Saben compaginarse mejor, saben qué decisiones tomar (disciernen mejor que es bueno y que malo). Todo esto les ayuda a que esas razones diferentes, que cada uno tomó para estar con la otra persona, lleguen al mismo mar, es decir, a la misma conclusión: <<Queremos estar juntos.>> .

Habiendo comentado de forma genérica toda la trama argumental, indicar que está además tremendamente orquestada por Jonathan Entwistle (creador de la serie). El cual exprime todas las referencias visuales habidas y por haber. Evidentemente, la primera que nos puede venir a la cabeza es Bonnie and Clyde, pero hay no queda la cosa. Dejando secuencias dignas de Godard o de Hitchcock. 

El guion, bueno, mejor dicho la adaptación de la novela gráfica, está a manos de Charlie Covell, veterano en guiones de serie. Y la fotografía, la fantástica fotografía que cuaja perfectamente con el clima, con el tono de la serie, es de Justin Brown y Ben Fordesman. Además, tiene una guinda; la guinda es la banda sonora, que como toda buena road movie tiene y, en esta ocasión, está orquestada por Graham Coxon (os dejo el enlace a spotify).

Como buen amor de verano, ya que la temporada dura poco (8 episodios de 20 minutos cada uno), te deja con un recuerdo inolvidable.

Puntuación: 9/10

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The End of the F***ing World 2

The End of the F***ing World 2. 
2ª Temporada

En su estilo.

Continuamos con las aventuras nada despreciables de nuestros queridos James y Alyssa. A los cuáles, nos los encontramos más mayores, más maduros, aunque igual de perdidos. 

Si el final de la primera temporada nos dejó con buen sabor esta temporada continúa con la línea, aunque no con esa brillantez inicial. 

Sigue en ese universo tan marcado que generó en la anterior temporada. Los personajes siguen diciendo lo primero que se le pase a la cabeza, siguen con sus ironías y volviéndose locos, pero la conclusión final que se obtuvo anteriormente, aquí se desdibuja y se entra en algunos "rollos" que no benefician a la historia.

La introducción de un nuevo personaje, Bonnie, al estilo western de: <<Yo soy la ley, yo impondré mi verdad>>. Es molón. Está guay. Es sólido y es el eje central de la temporada. Aunque, te identificas menos con ella de lo que sería correcto para poder entrar mejor en lo que se está viendo. 

Mientras tanto, la historia de Alyssa y James se vuelve, un pelín repetitiva. Aunque tiene sus giros de guion, buenos discursos sobre sentimientos. Los cuáles ayudan a ver cómo se pueden superar ciertos sentimientos y además ayudan a comprender los pasos que siguen en la historia. Pero, aquí viene el, pero, la trama principal, el eje, no acompaña. No está bien introducido en este universo.

Bien es cierto que continúa con unas imágenes visuales perfectas, tiene un lenguaje visual brillante e infunde respeto en cada toma, ya que no da punzada sin hilo. Lo que me ha encantado es que enfaticen mucho más los insertos, a fin de cuentas, es como meterte en la cabeza de los personajes y saber qué es exactamente lo que piensan sin necesidad de hablar. 

En esta temporada el guionista, Charlie Covell, hace un trabajo formidable, ya que dosifica los diálogos y los incrusta en diálogos más breves, aunque discursivos, lo que transmite serenidad y veracidad a esta locura de historia. La fotografía y la banda sonora, vuelven a ser geniales, aunque no sorprendentes (como pasó anteriormente). 

Nada más que decir, salvo que la he disfrutado, me ha encantado volver y desearé querer volver.

Puntuación: 7/10

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Zombieland

Zombieland, 2009

Un toque de humor.

Cuando salió esta maravilla de película en 2009, estábamos a empezar a estar saturados de tanto zombie. Tanto muerte viviente. Y Zombieland, nos dio lo que buscábamos algunos, un toque de humor, un gran toque irónico al fin del mundo repleto de zombies, que no todo va a ser supervivencia; también puedes pasar un buen rato. 

Dicho lo cual, Ruben Fleischer director de la obra, no se queda corto en nada. Genera excesos, con cámaras lentas para enfatizar la brutalidad de este nuevo mundo. Tiene buenas composiciones de plano, que permiten gags visuales ya sea con movimientos de los actores o con letras apareciendo en el momento justo. 

Aunque lo mejor que tienen es el guion. Firmado por Paul Wernick, Rhett Reese; es tan divertido que es fácil dejarse llevar y divertirse con él. Generan una historia completamente irónica y satírica sobre los mundos de zombies que se nos planteaban en otros formatos y se ríe de ellos. Lo que, si hace, es reírse muy bien de cómo algunos estadounidenses se preparan ante catástrofes semejantes, sería lo mayor crítica social que tiene.

Las actuaciones de Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone y Abigail Breslin, son sensacionales. Evidentemente interpretan a lo típicos personajes que nos podemos encontrar en estas películas, pero al hacerlo tan mordaz que son divertidísimo. Harrelson está loco, es plenamente consciente de las locuras que hace y se lo pasa en grande. Eisenberg es más prolífico en este tipo de personajes de "tontitos", pero tiene mérito tener tanta química con la siempre genial Emma Stone; se la coge cariño, aunque haga de cabron*. Además, cuenta con uno de los mejores cameos de la historia del cine, haciendo más icónico (si es posible) al bueno de Bill Murray.

Lo dicho, si queréis desconectar del clásico mundo de zombies, este es vuestro sitio.

Puntuación: 7/10

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Zombieland 2

Zombieland 2: Mata y remata, 2019

Volvemos.

En este mundo lleno de series de zombies, películas de zombies, libros de zombies... Siempre viene guay recordar a los primeros que empezaron a parodiar dicho género.

Aquí tenemos la segunda parte de la desternillante Zombieland. Con su mítico toque ácido y su ironía vuelven a dar guerra en un género que parece no tener fin. 

Bien es cierto que aquí ni su director (repite Ruben Fleischer), ni sus guionistas (Dave Callaham, Rhett Reese y Paul Wernick), van mucho más allá de donde fue la primera. Es decir, estoy diciendo y no lo voy a negar que técnicamente es más de lo mismo, aunque de una forma intencionada. Son conscientes del género que tienen entre manos y le van dando forma según quieren.
Lo que hacen es seguir una regla de oro de las segundas partes, la cual viene a ser dame mucho más que en la primera. Cámaras lentas más súper lentas. Explosiones más grandes. Muertes de zombies más sangrientas. Mucho más grande y rocambolesco de lo que fue su predecesora.

Al tener todos elementos, los cuáles simplemente están bien hechos, funcionan dentro de la película. Introducen más mordacidad (por decirlo así) sobre reflexiones del mundo moderno. Hacen mucha más crítica a los Estados Unidos que en la primera parte, ya sea como tema principal o en segundas capas de los mordaces diálogos que sueltan sus personajes.

Además, aquí Ruben Fleischer, deja más libre la cámara y actualiza el montaje, dándole mucha más velocidad y generando escenas más rápidas. 

Repite el cuarteto actoral al completo, siguen siendo buenos y fantásticos, Jesse Eisenberg, Woody Harrelson y Emma Stone. Abigail Breslin, se queda un poco atrás, tampoco su personaje da mucho juego, aunque introducen a Zoey Deutch, que hace el papel secundario necesario para darle vida al filme. Rosario Dawson, siempre fantástica. Y, bueno, casi como cameo salen Luke Wilson y Thomas Middleditch, realizando una fantástica autoparodia a la misma película. Aunque eso sí, si os supo a poco el cameo del gran Bill Murray, tranquilos, le disfrutaréis aquí. 

Es por ello, que sí, que aunque sea "más de lo mismo", tiene los suficientes toques como para seguir divirtiéndote y hacer que sigas disfrutando de Zombieland. 

Puntuación: 7/10

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El Extraño

El Extraño, 1946

La tercera película de un genio.

Y digo tercera, porque la anterior película la codirigió y no quedó nadie convencido con el resultado. Aquí, en cambio, Orson Welles realizó un magnífico ejercicio de cine negro. El cuál es posible verlo sin sonido y enterarte perfectamente de todo el argumento. Puro cine mudo al que se le ha añadido un poco de sonido. 

Visto a día de hoy es ver una fórmula más que repetida, es por ello que hace más interesante a la película, ya que es posible que estés viendo una de las primeras películas que trata sobre los nazis en EE.UU. De una guerra fría incipiente. Una peli de espías. Un filme, un género, que se iría reinventado y puliendo hasta llegar hacer <<Hunters>> que actualmente está disponible en Prime Video. Igualmente, esto no es lo importante de la película.

En <<El Extraño>> Welles vuelve a demostrar que era un adelantado a la época. Introduciendo una fotografía muy natural, no excesivamente artificial, para generar un ambiente reconocible, es decir, como si no se hubiese rodado el 90% de la película en un simple plató.

Además, utiliza recursos narrativos lumínicos, como es el brillito en los ojos de los personajes buenos y ese claroscuro, esas sombras, pronunciadas en los personajes que se predisponen a ser malignos. 

El guion es muy limpio. En el sentido de que no le sobra ninguna secuencia. Todo está llevado con detenimiento y tiene un propósito (y ninguna escena se usa como simple dilatación de la película). 

Las actuaciones son magníficas. Orson Welles demuestra que es un carismático empedernido y en esta película ayuda a que el resto de actores estén mejor de lo esperado. 

Igualmente, no temáis en ver una película tan vieja, porque os sorprenderá lo que podéis aprender sobre cine y de cómo viendo algo "viejo", entiendo porque el cine actual se hace de una manera e incluso que en ocasiones es posible recuperar elementos, para conseguir efectos (emociones) para el cine actual. No os la perdáis. 

Puntuación: 7/10

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Mindhunter

Mindhunter. 1ª y 2ª Temporada

Más allá de la mente del asesino.

Es una serie bestial y que va más allá  del típico thriller.

No es una serie donde los investigadores (los que creemos que son los típicos "investigadores") llegan a un sitio, hacen un truco de magia y tachan tenemos a nuestro asesino. La serie te va mostrando poco a poco como la psicología policial en los '70 estaba empezando y había que ir uniendo las piezas para conseguir ver si funcionaba.

Cierto es que David Fincher no es ni el creador, ni guionista principal, es su productor principal y dirige 7 de los 19 episodios. Eso sí dirige los principales, es decir, dirige el primer y segundo episodio de la primera temporada, que son los que asientan las bases de esta maravillosa producción. Ya no solo en cómo nos van a ir mostrando el método que utilizan los personajes, si no, que marca también en como mostrarnos lo que vamos a ir viendo. Con la iluminación típica de Finder, desaturando los colores al máximo, con movimientos de cámara milimétricos para que cuadre todo en la composición que él ha ideado. Es un obseso del control.

Las diferentes tramas pueden ser más o menos entretenidas, pero si son consecuentes. Es decir, el como voy resolviendo o investigando ciertas cosas actúo de una manera consecuente y así las investigaciones futuras siempre se basan en algo anterior para seguir aprendiendo y mejorando. Esto puede ser muy lógico, pero en muchísimas series de detectives los casos se resuelven siempre por la gracia de sus protagonistas o por sus ingeniosos trucos. Aquí nos muestran que todo siempre es un aprendizaje para adelante. Que un caso anterior haya salido bien o mal, sirve para seguir evolucionando y dar caza a los siguientes asesinos. Lo curioso de esto es que gran parte de los episodios son auto conclusivos y, si bien es cierto lo anterior, puedes ver un episodio suelto y con dos o tres pinceladas entender el poder de la serie. Aunque, evidentemente, recomiendo la serie completa e irla disfrutando en sus pequeñas dosis.

Los personajes y sus actores, nos pueden recordar a los típicos de estas series y bueno, evidentemente tienen sus bases, pero no la complejidad. Nunca conoceremos a unos detectives como los que interpretan Jonathan Groff y Holt McCallany. Y nunca veremos unas recreaciones de entrevistas tan fidedignas como las que nos da la serie. Me explico, para quién no lo sepa, la serie está basada en el libro MindHunter, el cual se basa en la investigación real que hicieron los personajes de la serie en la que entrevistaron a asesinos reales. Pues bien, la forma y el cómo se hicieron dichas entrevistas están muy bien recreadas en la serie. Hasta los actores que hacen de dichos asesinos muchas veces calcan el tono, la acentuación, la forma de hablar de dichos señores. Maravillosa documentación por otra parte.

En fin, no me enrollo más. Disfrutarla tanto como lo hice yo.

Puntuación: 8/10

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Quien a hierro mata

Quien a hierro mata, 2019

Gánster in Galicia.

Tenemos un thriller español, muy potente y bien realizado. Además, que trata temas que siguen estando de actualidad, no solo con que sigue habiendo drogas en España y seguro que muchas de ellas entrar por Galicia (o a saber), si no, de ese poso que hay en la sociedad gallega en contra de los narcos, de culpabilizarse a ellos y a sus familias de vender la droga que mataba a sus niños. Esa idea, es el leitmotiv del filme y es una idea muy consistente, la cual llega a cualquier español.

Hecho el resumen de la película, la cual por cierto está escrita por Juan Galiñanes (su primera película) y Jorge Guerricaechevarría (una leyenda del guion en el cine español). Quiero comentar como su director Paco Plaza, mete en un thriller el género del terror. Plaza viene de dirigir la genial Verónica y aquí tampoco se queda corto a la hora de generar elementos de tensión más típicos de películas sobrenaturales, scy-fy; que de un thriller clásico. No quiero decir que el tono de la película varíe, el tono está claro. Es por ello que me parece todavía más fantástico que en una película tan de género, Plaza sea capaz de introducir diferentes elementos, diferentes secuencias, en las que te lleva a un terreno oscuro con un miedo más profundo. Utilizando una serie de "ensoñaciones" encerradas en flashbacks que funcionan a las mil maravillas y que te ayudan a una compresión total del personaje principal.

Además, la forma en la que tiene de irnos presentando la trama principal es soberbia. Dando pausas a la narración y con una cámara estática; consigue que vayamos entrando en el juego. Consigue que entendamos todas las capas, para que empecemos a entender de qué va realmente el filme. 

Todo esto, contrapuesto a las grandes escenas de acción. Hechas con cámara en mano (o al hombro) para darle ese movimiento requerido por la escena. 

Realmente, el trabajo como narrador del director (en mi opinión) es brillante y, por decirlo, no da punzada sin hilo.

El cuadro actoral no se queda atrás. Luis Tosar es un monstruo y tiene muy clara la desesperación del personaje. Xan Cejudo, lo calva. Pero, el mejor, es sin lugar a dudas Enric Auquer, capaz de saltar de un estado emocional a otro en el mismo plano en fracciones de segundo, es una actuación merecedora de todos los adjetivos y del Goya que se llevó.

Definitivamente, tenemos una buena película, bien hecha y que entretiene.

Puntuación: 8/10

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El tercer hombre

El tercer hombre, 1949 

Brillante filme.

En una Viena divida en cinco mitades, cada una controlada por un ejército distinto, la gente se muere de hambre, no hay trabajo y solo un listo americano es capaz de encontrar petróleo en todo ese caos. Para mí, este sería el resumen correcto de la película. 

Carol Reed, director de la película, realizó el filme con maestría. Explicando las bases de la Guerra Fría en pleno 1949 (cuando duró hasta el año '89). Añadiendo elementos que no estaban acostumbrados a ver los espectadores de entonces. Como el plano aberrado (también llamado holandés), el cual da una angulación (inclinación) a la cámara ante un personaje o una situación, generando la sensación de que algo no cuadra, algo no casa, algo nos oculta este personaje; es decir, incomodando al espectador. Cierto es que lo utiliza durante toda la película para generar otro efecto, un efecto de distracción y que nunca sepas por donde van a ir a los personajes. Ciertamente es un acierto y sí que conecto con la utilización de este recurso.

La historia, el guion. Ya lo hemos resumido antes. Es verdad que puede ser muy burdo o incluso muy simple. Oculta muy bien la información y con pequeñas dosis, con pequeñas frases, se hacen muchas críticas al momento que se está viviendo ya no solo en Viena, si no, en Europa e incluso, que ahora está muy de moda, ya se está criticando un capitalismo extremo, aunque es verdad que se hace con mucha discreción no vaya a ser que nos acusen de comunistas (en esa época te llevaban a la cárcel o te mataban). 

Luego la película encierra una de las trampas comerciales más graves (y grandes) de la historia del cine. Es verdad que en ella está Orson Welles, el grandísimo Orson Welles actuando. Que no lo hace nada mal, tal vez diga una barbaridad, pero se come a todos sus compañeros. Su carisma es innegable y aquí lo alardea.

El problema viene de ahí. Tienes a un secundario tan grande, que ensombrece al resto e incluso aquí hace más pequeño a su director (mucha gente se piensa que la dirigió Welles). Todo esto en el espectador puede generar un estado de nerviosismo y estás con más ganas de ver qué hace Welles en el filme que te pierdes el resto de la película. Esa es la gran pena. 

Igualmente, una vez asumido todo lo anterior, el atractivo mayor de la película es su fotografía. No solo por los planos aberrados, si no, por el uso de las sombras. Una iluminación muy poco convencional, con muchas referencias al expresionismo alemán de los años 20-30, y aquí encuentra su apogeo o su máxima expresión dando vida a esas sombras marcadas, a esas figuras en movimiento, a esas presentaciones entre luces. También utiliza mucha profundidad de campo para que siempre tengas la sensación de que la ciudad, el ambiente, es otro personaje. Todo acompañado por una gran banda sonora.

Así que, os pido que veáis la película con ganas. 

Puntuación: 8/10

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Los siete samuráis

Los siete samuráis, 1954

Merecedora de toda su leyenda.

Simplemente es una obra de arte. Aunque la veas a día de hoy, en pleno 2020 (o cuando leas esto) sigue siendo poderosa.

Kurosawa demostró que es un virtuoso con la cámara. Es capaz de moverla y colocarla a su antojo que siempre le va a funcionar. Sobre todo, porque es un genio con la puesta en escena, es decir, aunque tenga un plano, un solo plano que dura 5 minutos, siempre están ocurriendo cosas en la escena. Siempre se suceden movimientos, miradas, palabras que te están manejando a su antojo y que provocan que la dilatación del tiempo que se está produciendo sea más dulce y no algo soporífero.

No realizó una película compleja, en cuanto a su realización, usó aquellos recursos que necesitaba sin necesidad de alardear. En cambio, nos da una lección de como manejar tiempos, de como ir narrando progresivamente sin ninguna pausa y sin prisa, ya que todo es importante. Incluso en las escenas de acción se mantiene ese tempo taimado.

Todo esto me lleva a comentar ese montaje, que no es tan invisible en la película. Ya que, acostumbrados tal vez a un montaje más rápido o a que el cuerpo te pida un plano detalle cuando tú consideras necesario, aquí no, al contrario, mantiene siempre un montaje muy de movimiento, en el sentido de que se corta una escena cuando se produce un movimiento de un personaje que va a introducir una reacción y/o una emoción diferente a la anterior. Siempre con coherencia.

Y la historia. La historia que puedo llevar viendo en miles de películas, verla en su formato real es alucinante, ya que sus remakes, reboots, remades y un largo etcétera lo único que hacen es coger esta idea y exprimirla de forma distinta. No digo ni mejor, ni peor. Tampoco digo que plagien la película al milímetro. Lo que comento es solamente lo mencionado, que las grandes películas, las grandes historias tienen un poso, un sustento, muy atrayente y que sus "copias" pueden llegar a ser grandes gracias a la materia prima en la que se están fijando. También puede ser que intentes hacer una nueva versión y te salga mal, debido a que no has conseguido (seguramente) captar esa idea, ese "poso", que tiene este gran filme. O que ni siquiera has sabido adaptar la idea que tiene esta película en el nuevo contexto que quieras narrarla.

En definitiva, que es una película imprescindible y que nadie debe perder la oportunidad de verla. No os asustéis con su duración, dado que su contenido merece toda vuestra atención.

Puntuación: 10/10

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Por un puñado de dólares

Por un puñado de dólares, 1964

La llamada, no sé si para bien o para mal, Trilogía del Dólar es una auténtica maravilla.

Aunque su mayor tesoro es su primera parte, <<Por un puñado de Dólares>>. Es la más atrevida, la más rompedora, la..., para mí, la mejor de las tres películas.

Sobretodo a la hora de narrar con la cámara. No sé si es porque tenía menos dinero o porque no tenía nada que perder, pero Leone está tremendo.

Coge la cámara, la mueve como quiere. La selección de los planos, del tiro de la cámara, de las maravillosas angulaciones, todo eso refuerza el poder de contar con la cámara que tiene el director, ya que no es solo elegir esa angulación, ese plano, ese tiro de cámara y ya está, es elegir ese elemento cinematográfico para contar los diferentes sucesos de una forma determinada. Podrás conectar más o menos con el filme o con lo que se está narrando, pero vista de manera formal, viendo la película plano a plano, se puede apreciar arte en cada escena. En cómo está pensada la escena, en como posicionó a los actores en el espacio, ya que voy a tener la cámara en equis posición y quiero dramatizar o enfatizar otros elementos que, por algún motivo, conviene que no estén en primer término, pero sí en un segundo término.

Luego puedes investigar e informarte que fue la primera película que hizo diferentes cositas y que revolucionó la forma en hacer ese tipo de cine. Yo iría más lejos y afirmaría que no solo los westerns, si no el cine de forma genérica. Además de influir en decenas de artistas (de forma general) en las décadas posteriores. Un hito.

La historia, el argumento, la idea; es cierto que está basada en el <<Yojimbo>> de Kurosawa; aunque aquí tenemos un caso de película en la que una idea base, una idea genial, se recoge y se consigue hacer un filme muy diferente y narrado de otra manera. Aunque haya secuencias semejantes, no están narradas ni enfatizadas de la misma manera.

Igualmente, en el filme de Leone se asentó el personaje, que se podría denominar como el clásico de un spaguetti-western. Un antihéroe que quiere hacer dinero y solamente sabe disparar su revolver. Podría ser el argumento de cientos de películas de los '70-'80, pero no, aquí tenemos la historia primigenia (por decirlo así) en el año '64. 

No hace excesivas aguas el guion, ya que lo rellenamos con disparos, primeros planos inquietantes, movimientos de zoom atrayentes y se salva bastante, pero sí la historia es básica.

Además, como olvidar esa banda sonora del genio Morricone que es el toque final, para cada una de las secuencias. Generando latemotiv e incluso que cada personaje tenga su sonido. Impagable.

Y esto es en esencia Sergio Leone. Un genio, con su estilo totalmente personal.

Puntuación: 9/10

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Moon

Moon, 2009

Totalmente inquietante.

Nos encontramos ante un filme que narra hasta dónde puede llegar un ser humano por sobrevivir. Podríamos sentarnos a disfrutar de una aventura espacial, donde los buenos son los buenos y los malos son los malos. Pero Moon no trata nada de eso.

Duncan Jones nos sumerge en un mundo que se concentra en una estación espacial Lunar, no muy grande y, gracias al uso de lentes y muy poca profundidad de campo, consigue incluso reducirlo aún más generando sensación de claustrofobia, de forma que podemos llegar a entender lo que siente nuestro protagonista.

La forma de presentarnos cada escena y de sumergirnos en ella es esencial para la comprensión del filme. Siempre se empieza con algo banal, algo superficial, algo sin importancia y, según se avanza en la secuencia, vamos viendo que se nos está llevando hacia otro lado. Siempre hay un intento de ir un paso hacía más allá, hacia un lugar concreto que todos saben cuál es menos el espectador, que no tiene ni idea.

Es por ello que el tempo del filme y la manera de mostrar los sucesos, son la clave para que la película nos deje locos y sin respiración. Con el primer giró de guion, del cual ni nos damos cuenta, hace que cuando llegues al segundo giro te quedes obnubilado con la película.

No quiero desvelar ninguna sorpresa, creo que con lo que ya he mencionado podemos entender que no estamos ante una película clásica espacial, ni una película de ciencia ficción al uso. El filme tiene un debate ético e incluso moral, totalmente extrapolable al mundo actual: "¿Es posible conseguir energía limpia y segura sin ningún coste?" 

Puntuación: 8/10

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¡Olvídate de mí!

¡Olvídate de mí!, 2004

Una película preciosa.

Michael Gondry narra con una fuerza visual virtuosa este drama romántico, protagonizado por un inolvidable Jim Carrey. A su lado está Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson... Es decir, un reparto brutal. Pero esto no tiene nada que ver. Está muy bien tener a actorazos que respalden tu trabajo delante de la cámara y que entiendan tan bien lo que quieres transmitir... Espera, a lo mejor sí que tiene más importancia de lo que creemos.

Gondry, además de narrarnos con delicadeza y precisión la historia, consiguió algo muy difícil, o al menos eso se siente al ver la película. Consiguió una unión sin igual, en la que todo el equipo, técnico y artístico, entendió lo que Gondry y sus coguionistas querían decir. 

La historia que se nos narra es tan humana como necesaria. Trata un tema muy interesante y del que todos somos dependientes e incluso hemos imaginado conseguirlo. 

Tengo que decirlo o reventaré, la película tiene una puesta de escena  milimétrica y una fotografía alucinante. Es decir, los movimientos de cámara, las posiciones de los actores, el decorado, la posición de las luces... Todo funciona como maquinaría de relojería para conseguir unas elaboradas transiciones entre escenas que te llevan a ese espacio onírico y necesario de la historia. En serio, perdón que me repita, pero son al corte. Son perfectas. No te sacan en ningún momento de la película.

Ya está. No quiero escribir más. No quiero hacer ningún spoiler. No quiero contar nada de lo que trata esta película. Solamente quiero animaros a que la veáis con todas las ganas posibles. A que la descubráis, ya que en su momento la gente salió muy disgustada porque esperaba otro tipo de película teniendo al bueno de Jim Carrey al frente.

Os tengo que pedir esto, por favor: "Abrid la mente. Estáis a punto de descubrir una maravilla. No es una simple peli de amor".

Puntuación: 9/10

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La cinta blanca

La cinta blanca, 2009

La Alemania de principios del siglo XX.

En esta película Haneke suelta todas sus pasiones y “locuras”, en blanco y negro. Transmite una dureza real que hace que en ocasiones veas los colores de la imagen.

El uso del fuera de campo es muy bueno, pero excesivo. La inclusión de subtramas, dentro de tramas y de nuevo subtramas, debería no hacerte perder la tensión y mantener el interés, pero... Las tramas son sórdidas, te llevan a lo más oscuro del ser humano. Aunque hay que decir que las historias están en un segundo plano intencionadamente, es decir, a Haneke no le interesa contar ficciones, quiere que veamos cómo eran las primeras generaciones de Alemania y cómo les educaban.

Esto te puede interesar más o menos, pero en mi opinión, no funciona. Es decir, para mi no funciona en el sentido de que no necesito unas historias dentro de una ficción costumbrista (cómo por ejemplo, “La Dolce Vita”) para que me narren cómo era la vida a principios del siglo XX, y menos aún cuando esas historias no tienen ninguna finalidad. 

Sin embargo, la puesta en escena es increíble, la fotografía es magnífica. Tiene planos muy bien hechos, prácticamente son cuadros. 

He podido investigar que el filme tiene la premisa, de mostrarnos a la generación que decidió abrazar al nazismo. Además de explicarnos de una forma excesivamente simplista (al menos para mi entendimiento) que la culpa fue de la educación que recibieron (de los padres), en el sentido de que su destino, al haber sido educados con violencia, era la de engendrar más violencia. Así llegó el nazismo. 

Dicho esto, merece la pena su visionario para disfrutar de la fuerza visual que tiene Haneke.
Consejo: Poned máxima atención para poder disfrutar del filme.

Puntuación: 6/10

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Corazonada

Corazonada, 1981

Fotografía y puesta en escena.

Francis Ford Coppola, nos trae una historieta de amor romántico, edulcorado con una banda sonora fantástica (aunque en algún punto se puede hacer repetitiva) 

Es una película que trata de dar una vuelta de tuerca al género musical. Tenemos baile sincronizado, música extradiegética, aunque nuestros personajes interactúan con ella. 
Tenemos un romance fatal, de los que vienen y van. Incorpora también algún gag que fuerza una sonrisa e incluso alguna carcajada. 

Es decir, tenemos un montón de elementos que no son fáciles de alinear para que funcionen y, en gran parte de la película, desgraciadamente, no funcionan. Bajo mi punto de vista es bueno intentar hacer una película diferente, y aquí se nota que se ha intentando no dar al público una película más. Se agradece, aunque sería mejor que hubiese quedado bien.

Ritmo es verdad que no le falta, gracias a la puesta en escena. Pero como va moviéndose entre los diferentes géneros y no consigue aunarlos todos o darles coherencia dentro del género musical, pues alguna escena queda rara. 

Lo más apabullante que tiene el filme es la puesta en escena. Realmente está pensada para un gran musical, con la cámara libre para que se mueva allá donde se la necesite y con una sincronización de iluminación milimétrica, es precioso. Se podría decir (y lo voy a decir) que la fotografía es un personaje más de la película. Se te queda ese regusto amargo, ya que tiene este elemento tan maravilloso, pero falla en todo lo demás. 

El cuarteto actoral también deja mucho que desear. No parece que haya química entre ellos, ni siquiera entre los personajes "enamorados". Parece que siempre van por detrás de los demás elementos, supeditados a ellos. La actuación no termina de arrancar nunca. El único que está gracioso o puede ser el único que entiende a su personaje y su motivación (o incluso al único que le han explicado de qué va la peli) es Raul Julia (La familia Addams, 1991); al menos está gracioso.  

Lo dicho. Para mí, viniendo de Coppola, se me queda corta o no consigo conectar con todos los elementos que me oferta la película. Lo dicho, lo que me enamora del filme es su apabullante puesta en escena y su fotografía, es hipnótica.

Puntuación: 6/10

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Fleabag

Fleabag. 1ª y 2ª Temporadas

Maravillosamente sublime.

Hoy os traigo una serie original que podéis encontrar en Amazon Primer Video. Realizada en colaboración con la BBC Británica.

La serie está ambiente en el Londres actual, con personajes del día a día, con problemas, situaciones, complejos, risas, miedos, logros, destrozos... Y que todos hemos sentido en nuestras propias carnes en cualquier momento de nuestra vida. Estos son los elementos que la hacen especial. Los plantea y los pone sobre la palestra (exagerados humorísticamente) para que podamos disfrutarlos y ver desde otro punto de vista las posibles soluciones que no se nos habían ocurrido.

La creadora y personaje principal, Phoebe Waller-Bridge, es divertidísima. Consigue con sus gestos, muy sutiles, transmitir un abanico de emociones de forma espectacular.

Uno de los elementos más peculiares de esta serie es su ruptura continua de la cuarta pared. Muy del estilo de Woody Allen (evidentemente) aunque llevado a otro nivel y con una soltura especial. ¿Soy pretencioso al decir que incluso cómo es orquestada cada una de las rupturas de la cuarta pared, es mejor que cualquiera que haya hecho Allen? Es evidente que sí y es inequívoco que Phoebe Waller-Bridge mama del estilo Allen, aunque consigue otras reacciones que su predecesor no consiguió.

Podréis pensar que "romper la cuarta pared" supone un ritmo lento de la serie. Pues os equivocáis. Son capítulos de 20 minutos, muchos de ellos autoconclusivos  (aunque consigue que todos tengan relación entre ellos). Son rápidos. Son dinámicos.  El montaje es trepidante. Comentar también que los gags de romper la pared tienen dos funciones: La primera sería darle coherencia a los "soliloquios". La segunda función es primordial. Es darnos a nosotros, al público, la entrada a la escena. Para mí, es como si fuéramos un personaje más. El personaje omnipresente que seguimos a nuestro personaje principal en su vida (o sus aventuras, más bien). Esto queda evidenciado en el perfecto último plano de la serie. Cómo con dos gestos deja claro lo que han significado los 12 episodios anteriores. Es maravilloso.

No os quiero aburrir mucho más, ni quiero que penséis que soy excesivamente pretencioso. Espero que disfrutéis muchísimo y que conectéis con la serie.

Puntuación: 9/10

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